Искусство формализма первоначально возникло как реакция на движение постимпрессионизма в конце 1800-х годов. Он рассматривался как критический подход к тому, как рассматривалось и производилось искусство, поскольку начали развиваться различные ценности в отношении эстетического качества. Этот сдвиг в расшифровке того, что представляет собой искусство, был связан с изменением мышления, поскольку все художники, работавшие в рамках этого движения, пытались ответить на основной вопрос, что такое искусство. Таким образом, формалистическая теория сосредоточилась на анализе и сравнении различных форм и стилей искусства.
Оглавление
Что такое формализм?
На протяжении всей истории искусства произведения традиционно анализировались по их форме и структурным элементам, которые были заметны невооруженным глазом. В определенное время произведениям искусства приписывалось дополнительное значение, основанное на их тематике и общем замысле, а также на их цене. По мере развития концепции искусства и появления различных направлений, картины и скульптуры стали оцениваться по отдельным характеристикам, которые определяли каждое направление, в отличие от традиционных методов.
Когда в конце 19 века возник формализм, это движение вновь подчеркнуло важность понимания искусства только через его традиционные элементы, которые включают форму и стиль. Формализм в искусстве сосредоточился на различных элементах, которые считались важными при оценке произведения искусства, таких как цвет, линия, форма и текстура.
Это привело к тому, что контекст произведений искусства был принижен и рассматривался как второстепенная характеристика, так как акцент делался на физических элементах, использованных для создания произведения.
Путь к истинному пониманию концепции искусства формализма является одновременно философским и чрезвычайно революционным. Теории Аристотеля, Платона и Иммануила Канта легли в основу абстрактных понятий формализма, а эксперименты авангарда привели к развитию социально значимого и концептуального искусства.
Сочетание этих идеалов способствовало формированию такого типа искусства, которое пытается ответить на самый главный вопрос: что такое искусство?
По мере того, как мир искусства продолжает процветать, найти ответ на этот вопрос становится все сложнее. Благодаря появлению каждого нового направления в искусстве пытались создать универсальный способ определения качества произведения искусства. Подход формализма к расшифровке произведений искусства помог ввести в мир искусства понятия науки и критики, которые сосредоточились исключительно на уровне мастерства, присутствующем в произведении. Хотя сегодня существует множество других видов критики, концепции, введенные искусством формализма, используются и сегодня.
Формализм в искусстве
В конце 1800-х годов формализм возник как критический подход в ответ на движение постимпрессионизма, которое доминировало в художественной культуре. Этот сдвиг произошел в основном под влиянием философии и высказываний художников того времени, которые стали рассматривать искусство как просто холст, покрытый красками и расположенный по определенным схемам. Эта идея помогла заложить первоначальный фундамент того, за что выступало искусство формализма, несмотря на то, что изначально эта концепция считалась довольно узкой.
Основное внимание в формализме уделялось визуальному и эстетическому качеству произведения искусства.
Это определялось основными аспектами художественного творчества и оценкой визуальных и материальных аспектов произведения. В живописи, как и в других видах искусства, формализм относился к пониманию основных элементов, таких как цвет, форма, линия и текстура. Эти перцептивные аспекты считались более важными, чем фактическое содержание, смысл или контекст произведения, поскольку его ценность заключалась в отношениях между различными композиционными элементами.
Ноктюрн в голубых и золотых тонах: Старый мост Баттерси (ок. 1872-1875), Джеймс Макнейл Уистлер ; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons
Формализм, по сути, выдвинул идею о том, что все необходимое для понимания произведения искусства присутствует в самом произведении искусства. Хотя теория формализма в основном указывала на способ интерпретации искусства, а не на его создание, с этим подходом были связаны такие влиятельные художники, как Джексон Поллок и Поль Сезанн, что свидетельствует о его огромном влиянии.
Когда школа мысли, которой был формализм, начала набирать обороты, его стали рассматривать и как художественное движение, и как один из аспектов художественной критики и оценки.
Расцвет формализма рассматривался как неотделимый от расцвета абстрактной живописи в 19 веке, поскольку оба движения стали переплетаться благодаря схожим идеям. Формализм и абстракция сосредоточились на значении композиционных элементов, таких как форма, текстура и соотношение цветов, которые стали играть важную роль в восприятии искусства зрителем. Более позднее появление кубизма в начале 20-го века помогло формализму достичь еще более высокого уровня славы, чем он уже имел.
L ‘Art Pour L ‘Art (Искусство ради искусства)
Первоначальное формирование искусства формализма проходило под влиянием философии l’art pour l’art, что в переводе означает «искусство ради искусства». Хотя эта фраза была впервые использована французским философом Виктором Кузеном в начале 1800-х годов, роман французского писателя Теопиля Готье 1835 года запечатлел самую раннюю декларацию идеи о том, что искусство ценно как искусство.
К середине 19 века несколько литературных и изобразительных художников оказались под влиянием идеи о том, что искусство существует только ради самого себя, и попытались воплотить эту идею в своих произведениях.
Le Jardinier Vallier (Садовник Валье) (1906), Поль Сезанн; Поль Сезанн, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поскольку формалистическая теория рассматривала ценность искусства через определенные аспекты, доктрина художественных принципов того времени считала, что произведения искусства не должны служить какой-либо социальной или моральной цели. Искусство, придерживающееся этого идеала, не нуждалось ни в каких целях, кроме присущей ему красоты, поскольку ценность произведения искусства, как считалось, заключалась главным образом в его структурных элементах.
Поскольку эта идея была тесно связана с формалистическим взглядом на искусство, все элементы, не относящиеся к основным аспектам, рассматривались как не имеющие никакого значения для смысла произведения.
«Искусство ради искусства», возможно, одна из самых известных строк во всей истории искусства, действительно олицетворяет формалистский образ мышления в искусстве. Поскольку все произведения искусства используют одни и те же основные элементы, формалистическая теория подчеркивала создание основы для понимания искусства в целом, независимо от его стиля или контекста. Эта теория понимания позволяла рассматривать искусство как независимую область человеческого творчества, что снимало с художников необходимость придумывать объяснение своим произведениям на основе каких-либо установленных стандартов.
Группа Блумсбери
Клайв Белл и Роджер Фрай, которые оба были членами новаторской группы «Блумсбери», создали и расширили концепцию формализма в начале 20 века. Как художник, Фрай был наиболее примечателен своим участием в разработке теории формализма. Одна из его новаторских работ, «Искусство» (1914), продемонстрировала теорию «значимой формы», поскольку Фрай задался вопросом, какие общие качества присущи всем видам произведений искусства, вызывающих эстетические эмоции.
Река с тополями (1912) Роджера Фрая, на создание которой его вдохновил интерес к творчеству Поля Сезанна; Автор оригинала — Cactus.man в английской Википедии, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рассматривая идеалы формализма, группа Блумсбери заявила, что единственные элементы в художественном произведении, способные вызвать наши эмоции, связаны с формой. Считалось, что все художники, независимо от того, к какому движению они принадлежали, в то или иное время создавали произведения, связанные с концепцией формализма, поскольку их творческое использование линий и цветов помогало развивать формалистическую теорию.
Пропаганда формализма Клементом Гринбергом
В середине 20-го века известный американский критик Клемент Гринберг определил художественный подход формализма через его непревзойденные уровни детализации и строгости. Это привело к тому, что он стал одним из самых известных сторонников формализма в современную эпоху, и со временем этот термин стал ассоциироваться с ним. Кроме того, художники, которых Гринберг восхвалял, такие как абстрактные экспрессионисты, также ассоциировались с концепцией формализма благодаря элементам, которые можно увидеть в их произведениях.
По мнению Гринберга, формализм охватывал все интеллектуально утонченное и прогрессивное в искусстве, в отличие от того, что считалось показным, безвкусным или вульгарным.
Гринберг считал, что цель авангардного искусства, подобного тому, которое было создано во время движения формализма, заключается в тайном анализе формальных границ художественного выражения как такового. Эта сдержанная форма саморефлексии, как утверждалось, стала возможной только благодаря смелым композиционным элементам, которые формализм сделал популярными в искусстве.
Описывая формализм в своем эссе 1960 года «Модернистская живопись», Гринберг выступал за отрыв контекста и предмета от формы искусства, так как считал, что абстрактные произведения являются примером самого истинного выражения искусства.
Его мнение о формализме оставалось неизменным в течение некоторого времени, и его влияние начало ослабевать только в начале 1970-х годов. Это произошло благодаря его последователям, которые начали восставать против концепций формализма, что привело к тому, что теории Гринберга стали критиковать за излишнюю догматичность в современном мире искусства.
Подходящее определение формализма
Формализм существовал как художественная концепция, которая пыталась выяснить, что же представляет собой искусство как идея. Формализм в искусстве стремился понять, как можно отличить обычное произведение искусства от шедевра, что привело к тому, что большое внимание уделялось первичным элементам в художественном творчестве. Таким образом, термин «формализм» был использован для описания техники художественной критики для изучения произведений искусства, причем этот метод считается одним из старейших методов, когда-либо использовавшихся для оценки искусства.
Maison devant la Sainte-Victoire près de Gardanne («Дом в Провансе») Поля Сезанна (1886-1890) была одной из двух современных работ, включенных в книгу Клайва Белла «Искусство» (1914); Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons
Подход, составляющий формализм, помог сформировать основу того, что сегодня известно как художественная критика, и рассматривается как одна из причин, по которой художники стремились узнать больше о своих природных способностях и улучшить их. Формализм, как подчеркивает его название, сосредоточил свое внимание исключительно на композиционных элементах произведения искусства.
Поскольку содержанию и контексту произведения, а также смыслу, заложенному художником, не уделялось никакого внимания, определение формализма заклеймило его как движение, которое ценит только формальные аспекты произведения искусства.
Ключевые элементы и характеристики формализма
Исходя из определения формализма, подход этого движения гласил, что искусство можно по-настоящему анализировать только после рассмотрения элементов формы и стиля произведения. Поскольку содержание и контекст произведений искусства превратились во второстепенные по важности характеристики, формальное искусство сосредоточилось на уровне мастерства художника.
Таким образом, ключевыми характеристиками формализма, которые оказались важными при оценке произведения искусства, стали правдивость используемых материалов, а также специфика среды и плоскостность.
Правдивость материалов
Центральным принципом формализма в искусстве был акцент, который делался на материальности произведения. Это было известно через термин «истина к материалам», который впоследствии стал фундаментальным понятием в искусстве 20-го века в целом. Считалось, что все материалы, используемые для создания произведений искусства, обладают своими индивидуальными качествами, которые еще больше подчеркиваются в сочетании друг с другом. Эта концепция важности используемых материалов возникла еще в 19 веке, что способствовало появлению формализма как такового.
Лежащая женщина (1930) Генри Мура. В 1934 году британский скульптор Генри Мур высказался о концепции истинности материалов следующим образом: «Каждый материал имеет свои индивидуальные качества… Камень, например, тверд и сосредоточен и не должен быть фальсифицирован, чтобы выглядеть как мягкая плоть… Он должен сохранять свою твердую напряженную каменность»; Gbuchana at English Wikipedia, CC0, via Wikimedia Commons.
В произведениях формального искусства традиционно использовались материалы, которые возвышали элементы линии, цвета, формы и очертаний. При этом характеристика «правда материалов» помогала сфокусировать внимание на тех аспектах, которые считались наиболее важными в произведениях формализма. В то время как правда, уделяемая типу используемых материалов, способствовала развитию формализма, эта концепция также привела к появлению движения минимализма после абстрактного экспрессионизма.
Специфика среды и плоскостность
Когда на сцену вышел художественный критик Клемент Гринберг, он ввел в искусство свою знаменитую концепцию специфичности среды. Также известное как чистота среды, Гринберг расширил понятие движения из более широкой теории формализма, которую он подробно изложил в своем эссе 1960 года под названием «Модернизм». Разрабатывая теорию формализма, Гринберг отстаивал первичные и формальные элементы, наблюдаемые в произведениях формального искусства, а также отличительные особенности используемых средств.
Кроме того, Гринберг говорил об аспекте плоскостности, который можно увидеть в произведениях формального искусства, что, по сути, связано с концепцией специфики среды.
Сливовый бренди (1877) Эдуарда Мане. По мнению Гринберга, модернистская живопись началась со сжатия пространства Эдуардом Мане и использования фронтального источника света, который минимизировал кьяроскуро и отрицал иллюзию массы; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons.
Он рассматривал плоскостность как определяющий элемент формалистской живописи, поскольку она считалась уникальным и исключительным средством для живописного искусства. Специфика среды и плоскостность рассматривались как взаимосвязанные понятия, поскольку оба они отвергали любые попытки предположить трехмерность или скульптурную форму в произведениях искусства, что было именно тем, против чего выступал формализм.
Зомбированный формализм
Формализм господствовал на сцене современного искусства до 1960-х годов, когда он достиг своего пика и стал оспариваться идеалами постмодернизма. Однако в 2014 году формализм снова вошел в мир искусства после того, как художник и критик Уолтер Робинсон придумал термин «зомби-формализм» для описания нового направления в абстрактной живописи.
В экономическом смысле «Зомби-формализм» стал, возможно, одним из крупнейших движений последнего десятилетия, поскольку он изменил арт-рынок и то, что значит быть неопытным художником.
Название движения было впервые представлено в работе Робинсона 2014 года «Флиппинг и восход зомби-формализма». В этой работе рассматривалось модное в то время поведение коллекционеров искусства, которые скупали определенные виды картин по низким ценам, а затем продавали их на аукционах по более высокой цене. Начиная с 2011 года, арт-рынок продемонстрировал жадный аппетит к определенному типу живописи, параллельному теме неживого кино, что дало толчок развитию Зомби-формализма.
Типы произведений искусства, которым отдавалось предпочтение в эпоху зомби-формализма, были довольно вездесущими, поскольку большинство из них выглядели одинаково. Зомби-формализм возник как бренд абстракции через типы произведений искусства, которые стали знаменитыми. Несмотря на то, что большинство работ казались неотличимыми друг от друга, они, как правило, колебались между бессистемным подобием рисунка или тщательным минималистским подходом к типу живописи Color Field.
Метод творчества, используемый художниками в рамках Зомби Формализма, перекликался с первоначальными принципами Абстрактного Экспрессионизма, которые отстаивал Гринберг. Отличие этого стиля заключалось в том, что художники не развивали принципы формализма, а вместо этого включали в свои работы преувеличенную и ненужную театральность. Этот застой объясняет добавление слова «зомби» к названию, поскольку движение было возрождено в современную эпоху без каких-либо попыток его развития, подобно бездействию, ассоциирующемуся с зомби.
Популярность зомби-формализма росла благодаря социальной сети Instagram, которая часто приводила к тому, что некоторые картины и произведения искусства становились вирусными.
Этот элемент мгновенного удовлетворения заставлял коллекционеров стремиться приобрести знаменитое произведение, чтобы перепродать его и сохранить актуальность в мире искусства. При этом тип произведений искусства, достигших такого головокружительного уровня славы, часто привлекал тех, кто не имел почти никакого художественного образования или знаний, поскольку критики считали эти произведения оскорбительными для стандартов искусства.
Этот подъем зомби-формализма был вызван внезапным всплеском неравенства богатства в экономике, которого не наблюдалось со времен позолоченного века. Неожиданно новые и жаждущие наживы люди, чья власть определялась, по сути, их богатством, попытались выйти на рынок искусства и решили следовать наиболее актуальной на тот момент тенденции. Этих покупателей называли «COINs», что означало «Коллекционеры только по имени», и они состояли в основном из брокеров-стоиков, неожиданно вышедших на рынок искусства.
Благодаря финансовой поддержке самых богатых людей общества, благодаря «зомби-коллекционерам» стоимость картин выросла более чем на 3000 процентов.
К концу 2015 года спрос на «зомби-эстетику» полностью упал, большинство произведений искусства резко упали в цене и стали совершенно не продаваемыми. Поскольку подъем этого движения был продиктован теми, кто не понимал, что такое искусство, казалось уместным, что именно эта группа ознаменует упадок этого периода.
Самые известные произведения искусства формализма и их художники
Поскольку движение формализма оказалось заметным периодом в истории искусства, несколько художников экспериментировали с его идеалами в своих работах. Это привело к появлению некоторых невероятно известных произведений искусства, созданных не менее важными художниками. Ниже мы рассмотрим некоторые из знаковых произведений искусства формализма, созданных представителями этого движения.
Ноктюрн в черных и золотых тонах: Падающая ракета (1875) Джеймса МакНила Уистлера
Картина британского художника Джеймса Макнилла Уистлера, написанная в 1875 году, «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» широко считается значительным произведением искусства эпохи формализма. Уистлер считал, что все искусство должно быть независимым от любых бессмысленных аспектов и должно стоять отдельно, чтобы действительно подчеркнуть важные элементы.
Считаясь ведущей фигурой формализма, эстетического движения и тонализма, его «ноктюрны» стали влиятельными примерами формалистического подхода.
Ноктюрн в черно-золотых тонах: Падающая ракета (1875), Джеймс Макнейл Уистлер; Джеймс Макнейл Уистлер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» изображает ночной фейерверк, который проходил в Креморнских садах в Лондоне. Являясь последней работой в серии «ноктюрнов», эта картина представляет живой взрыв, а не конкретное изображение. Передавая эффект фейерверка над рекой, Уистлер передал огромное чувство волнения и праздника, которое ощущалось, когда ракета вспыхивала мириадами цветов. Когда темнота осветилась, на переднем плане можно было разглядеть несколько фигур на берегу.
Уистлер написал картину «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» в очень свободном стиле с размашистыми мазками. Мрачные голубые и зеленые тона, составлявшие преобладающую цветовую палитру, прерывались крошечными всплесками яркого цвета. Уистлер описал свои цвета как добавляющие идеалистическое и задумчивое настроение картине, поскольку никакого четкого повествования не было.
Поскольку это произведение воплощало идеалы искусства ради искусства, оно было плохо воспринято, когда его впервые выставили, так как считалось, что это невероятно безрассудная и беспечная картина.
Танцовщица на канате сопровождает себя своими тенями (1916), Ман Рэй
Чрезвычайно известным художником, появившимся в эпоху модернизма, был американский скульптор, живописец и фотограф Ман Рэй. Как художник, известный как в Америке, так и в Европе, он считался значительной фигурой, представляющей взаимодействие между художниками этих стран, особенно когда движение формализма проникло в Америку.
Рэй утверждал, что творческая сила и выразительность картины заключаются в материале, цвете и фактуре произведения, которые могут объединиться на плоской плоскости холста.
Фотография Ман Рэя, 1934 год; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Танцовщица на канате сопровождает себя своими тенями» изображена водевильная танцовщица на канате. Изображенная маленькой серо-белой фигуркой, танцовщица видна в верхней части картины на фоне больших абстрактных плоскостей ярких цветов. Считалось, что эти цвета обозначают тени от ее грациозных движений, но в дальнейшем они стали напоминать коллаж, так как накладывались друг на друга. Эта картина появилась в результате нескольких первоначальных экспериментов и случайного обнаружения Рэем рисунков, которые он вырезал.
Выставленная сегодня в Музее современного искусства в Нью-Йорке, картина «Танцовщица на канате сопровождает себя своими тенями» демонстрирует абстрактные изображения движений танцовщицы. Они занимали весь холст, что делало акцент на первичных элементах.
Таким образом, Рэй смог сделать формальные эффекты главным акцентом в этой работе, за что и выступало движение формализма.
Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим (1921) Пит Мондриан
Голландский художник Пит Мондриан был важным членом европейской художественной сцены, поскольку он был одним из основателей культового движения De Stijl. Он был известен своими изображениями мира с помощью вертикальных и горизонтальных линий, и это необычное видение демонстрирует его предпочтение абстракции. Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим, написанная в 1921 году, является важным примером искусства формализма.
Все внимание в работе сосредоточено на линиях, используемых для создания различных квадратов основных цветов.
Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим (1921) Пит Мондриан; Пит Мондриан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Скомпоновав несколько цветных ящиков на фоне черного и белого, Мондриан создал то, что вскоре стало известно как его фирменный стиль. В этой работе заметен уровень абстракции, поскольку Мондриан просто создал холст, полный линий и цветов. Толстые черные горизонтальные и вертикальные линии очерчивали контуры различных ящиков, что эффективно отделяло цвета друг от друга.
Эта композиция демонстрировала тип абстрактного искусства, который значительно отличался от кубизма и футуризма.
Упрощение изобразительных элементов, которое можно увидеть в «Композиции с большой красной плоскостью», желтый, черный, серый и синий цвета стали основными аспектами в других работах Мондриана. Гринберг признал работы Мондриана важным примером формализма, поскольку строгая геометрия, присутствующая в его картинах, помогала имитировать разнообразный ритм современной жизни. Эта картина Мондриана, а также несколько других его работ, оказали влияние на последующие поколения художников-формалистов и произведения искусства.
Флаг (1954 — 1955) Джаспера Джонса
Американский художник, скульптор и печатник Джаспер Джонс повлиял практически на все художественные направления, начиная с 1950-х годов и до наших дней. Его игривые и загадочные произведения искусства были известны тем, что ставили под сомнение то, как воспринимается и интерпретируется мир. Картина «Флаг», написанная на трех панелях в 1954-1955 годах, стала первым крупным произведением Джонса, оторвавшимся от стиля абстрактного экспрессионизма того времени. Изображая американский флаг, его картина была репрезентацией мгновенно узнаваемого объекта.
Составленная из коллажа газетных обрывков, картина «Флаг» была создана на трех фанерных панелях, которые были соединены вместе. Метод создания этого произведения искусства добавил ему уникальности, поскольку обрывки газет были закрашены пигментом и расплавленным воском, чтобы они держались вместе. Стиль Джонса, наряду с этим конкретным произведением, часто считается, что он проложил путь к появлению поп-арта, вновь введя в современное искусство сразу же идентифицируемую тематику.
Несмотря на простые элементы линии и цвета, присутствующие в этой работе, Флэг представил дилемму для критиков-формалистов, таких как Гринберг. Хотя сама работа сохранила аспекты формализма, Джонс сделал практически невозможным отрицать присутствие очевидной тематики. Американский флаг бросается в глаза зрителям, как только они видят эту работу, поскольку этот символ был разработан, чтобы выделяться благодаря своим формалистским терминам.
Хотя Гринберг и другие критики отвергли эту работу, последователи Джонса этого не сделали, что и привело к ее известности.
Мягкие слова (1969) Йозефа Альберса
Другим известным американским художником и скульптором был Йозеф Альберс, который сыграл важную роль в переносе понятий европейского модернизма в Соединенные Штаты. В Музее современного искусства Метрополитен в Нью-Йорке находится его работа «Мягкий голос», которую он написал в 1969 году. Приверженец абстракции в своих ранних работах, Альберс продолжил экспериментировать с различными цветовыми сочетаниями научным способом, что создало отчетливо выраженные формы живописного пространства.
В картине «Мягкие слова» четыре квадрата изображены тиловым синим, светло-зеленым, темно-зеленым и темно-фиолетовым цветами. Исходя из порядка расположения этих цветов, квадраты были расположены в уменьшающемся размере и размещены довольно низко на холсте явно асимметричным образом.
Эта картина стала частью серии Альберса «Память квадрату», которую он начал в 1949 году, а «Мягкий голос» демонстрирует его дальнейшее стремление к формальному исследованию цвета путем добавления четвертого квадрата. Четыре вариации синего цвета в Soft Spoken подразумевают последовательное повторение Альберсом формы и тонкое сочетание цветов, что соответствует понятиям формализма.
Одним из наиболее ярких аспектов его работ, которые существовали как экспериментальная вариация истинного формализма, была идея о том, что его формальные эксперименты с цветом и формой могут иметь моральную и культурно-либеральную ценность.
Две стороны одной монеты (2012) Люсьен Смит
Художником, вышедшим из эпохи «зомби-формализма», был Люсьен Смит, создавший в 2012 году «Две стороны одной монеты». Это произведение искусства стало примером тенденции современного формализма, известной как «период зомби», так как это было произведение искусства, стоимость которого резко возросла в цене среди коллекционеров и участников торгов. Создавая эту работу, Смит распылил черную краску на чистый холст, издалека напоминающую дождь или туман. Вблизи точки кажутся разбрызганными и воспринимаются как маленькие и отдельные взрывы на холсте.
Поскольку процесс рисования «Двух сторон одной монеты» считался невероятно современным, на выставке Смита эта работа была подчеркнута как истинно абстрактная. Это произведение, являющееся частью его серии Rain Paintings (2011), было создано с помощью огнетушителей для распыления краски.
По словам Смита, на создание этой работы его вдохновили различные граффити-художники Нью-Йорка, которые также использовали для создания композиций старые огнетушители, распылявшие воду, а не порошок.
Смит создал «Две стороны одной монеты», а также серию работ, изучая искусство в Школе искусств Купер Юнион. После окончания школы его работы стали яркими примерами нового типа художественных инвестиций, появившегося на сцене, — зомби-формализма. Экспериментальные работы Смита завораживали зрителей, но, к сожалению, интрига была недолгой. После двух лет создания работ в стиле «зомби-формализма» аукционные цены на его произведения упали так же быстро, как и выросли.
Формализм в других видах искусства
Поскольку это движение было настолько влиятельным, понятно, что формализм не ограничивался только оценкой произведений искусства. Аспекты формализма можно было легко применить к различным видам искусства, что привело к тому, что творцы выражали эти понятия в различных художественных жанрах. Концепции формализма свободно использовались и в литературе, и в фотографии, которые рассматривались как дополнительные виды искусства.
Литературный формализм
В литературе аспекты формализма возникли в начале 20 века, примерно в то же время, что и русский формализм. В 1914 году в Санкт-Петербурге было создано Общество изучения поэтического языка ОПОЯЗ, которое подчеркивало более аналитический и конвенциональный подход к поэзии и литературным средствам.
Таким образом, формалистский взгляд на литературу был более научным и логичным по своей природе, поскольку основное внимание в работе уделялось тому, как письмо может выразить язык, а также тому, как читатели реагируют на различные темы письма.
Литература, основанная на формалистической теории, была успешной независимо от культурного контекста, и поэтому считалось, что она способна выдержать испытание временем в постоянно меняющемся мире. Цель литературного формализма заключалась в том, чтобы сосредоточиться на отличительных особенностях и приемах литературы, которые были необычными в рамках творческого письма.
Фотография формализма
Считалось, что фотографии, демонстрирующие натуралистический подход в своих композициях, воплощают концепции формализма. По мере развития искусства фотографии, фотографы становились своего рода визуальными дизайнерами при съемке каждого конкретного кадра.
Это происходило потому, что фотографы могли выбирать объекты, которые они хотели видеть в кадре, чтобы создать желаемое изображение.
Фотография формализма, которая иногда рассматривалась как форма журналистики, использовала сильные условные качества формализма в запечатленных сценах. Сопоставляя привлекательные сюжеты с элементами линий, цвета и текстур, фотографы могли создавать захватывающие изображения, которые демонстрировали сильное влияние формализма.
Упадок и наследие формализма
К 1960-м годам влияние формализма стало ослабевать. Появились другие движения, которые оказались губительными для методов формализма, такие как поп-арт, минимализм, нео-дада и перформанс. Некоторые художники чувствовали, что идеалы, так сильно поддерживаемые Гринбергом, ограничивают современную эпоху, что привело к появлению различных художественных практик и методов, которые полностью отвергали концепции формализма.
Несмотря на его упадок, важно помнить, что формализм продолжал пронизывать почти все критические подходы к современному искусству в 20 веке. Это привело к своеобразному выживанию формализма в 21 веке, так как движение затронуло такой фундаментальный аспект всех художественных интерпретаций, который снова стал восприниматься как заметный. Признание формальных качеств, таких как то, как линии и цвет работают вместе, а также различные текстуры и узоры поверхности, снова оказались важными для понимания искусства.
Сегодня большинство искусствоведов и критиков используют формальный анализ, пытаясь изучить и понять произведения искусства, причем этот тип мышления зародился в эпоху формализма. Однако, осознание культуры, истории и контекста, которые обрамляют произведения искусства сегодня, делают анализ явно отличным от того, который проводился в традиционную эпоху формализма. Это привело к развитию более строгого типа формализма, который начал вызывать интерес к различным художественным периодам искусства 21 века.
Формализм оказался невероятно мощным и значительным движением в истории искусства. Делая акцент на формальных и традиционных элементах, составляющих искусство, этот стиль переориентировал критиков и зрителей на основные аспекты, которые были на время забыты, когда речь шла об изучении и понимании искусства. Многие другие художники внесли свой вклад в это движение, и если вам понравилось читать о развитии этого периода и его знаковых произведениях искусства, мы советуем вам продолжить знакомство с ним.
Часто задаваемые вопросы
Что такое формализм?
Считающийся критической формой искусства, формализм описывает движение, которое анализировало произведения искусства в соответствии с их формой и структурными элементами, которые были легко узнаваемы. Формализм считал, что предмет, контекст и предполагаемый смысл имеют второстепенное значение в произведении искусства, так как в центре внимания находились формальные элементы, физически создающие произведение.
Что такое зомби-формализм?
Достигнув пика в 2014 году, «зомби-формализм» описывает возрождение движения формализма в современном искусстве. Поскольку развивался новый тип абстрактной живописи, термин «зомби-формализм» показался подходящим, поскольку произведения искусства опирались на все концепции формализма 19 века. Что сделало это повторное появление искусства формализма таким отличным от первоначальной версии, так это то, что не было предпринято никаких усилий для улучшения или дальнейшего развития первоначальных аспектов. Вместо этого художники просто включили нелепую театральность, чтобы привлечь внимание.
