Истоки корейского искусства можно проследить в далеком прошлом каменного века, а артефакты датируются 3000 годом до нашей эры. Большая часть традиционного корейского искусства находилась под сильным влиянием эстетики окружающих восточных культур, таких как искусство Японии и Китая. Однако с течением веков корейское искусство приобрело свою уникальную самобытность и отличительные черты.
Оглавление
Характерные черты корейского искусства
Корейское искусство развивало многие традиционные средства, такие как керамика, каллиграфия и живопись, уделяя особое внимание украшению поверхностей природными формами. Японское и китайское искусство оказало огромное влияние на корейскую эстетику, и корейские художники заимствовали некоторые узнаваемые техники и мотивы из их произведений.
Многовековое предпочтение корейцев к простоте привело к уменьшению крайностей в отношении линий, и обычно жесткие прямые или откровенно изогнутые линии других восточных художественных традиций были скромно представлены в корейских аналогах.
Первые три панели десятипанельного складного экрана со сценами сыновней почтительности; Walters Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons
Корейское искусство связано с концепцией натурализма и характеризуется несложными и гармоничными композициями, демонстрирующими глубокую связь художника с окружающей природой. Идея натурализма заключалась в том, чтобы попытаться изобразить природу как можно более правдиво, без вмешательства искажений, создаваемых субъективным человеческим разумом.
Это привело к тому, что в технике гравировки по дереву корейские скульпторы и корейские гончары предпочитали использовать не украшенные поверхности, стремясь усилить естественные текстуры и контуры среды, а не работать против них. Для этого стиля характерно избегание техник, использующих крайние углы, резкие линии и смелые очертания.
Корейское искусство характеризуется мягким и естественным содержанием, плавными линиями, ощущением гармонии, равновесия и покоя.
История корейского искусства
Как отмечают историки искусства, китайское влияние было заметным в раннем развитии истории корейского искусства, однако признают, что в течение многих лет корейцы начали совершенствовать свою технику в нечто уникальное для своей собственной культуры, создавая стили, которые ассимилировали технику и мотивы своих восточных соседей, но при этом уменьшая использование экстремальных углов и слишком жирных линий.
Карта Кореи конца 1700-х годов; общественное достояние, ссылка
Судя по археологическим находкам, Корея была первоначально населена людьми, которые прибыли через Маньчжурию из Сибири во время последнего периода каменного века. Многие артефакты, найденные во время археологических раскопок, были датированы периодом палеолита, примерно 10 000 лет до нашей эры.
Давайте более подробно рассмотрим историю корейского искусства.
Эпоха неолита
Корейский полуостров был заселен примерно с 50 000 года до н.э., когда люди мигрировали туда из Сербии. Самые ранние найденные образцы керамики были датированы археологами периодом около 7000 лет до нашей эры. Эти плоскодонные сосуды были изготовлены из глины, обожженной в открытых ямах, с рисунком из горизонтальных линий и рельефных оттисков.
Керамика с аппликационным декором, период неолита; Национальный музей Кореи, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons
О раннем влиянии Сибири можно судить по керамике стиля Джеулмун, которая появилась примерно в 6000 году до нашей эры. Они были украшены гребенчатым узором, типичным для этого стиля и периода. Примерно в 2000 году до н.э. были изготовлены большие сосуды, используемые для хранения и приготовления пищи, известные как керамика Мумун. Однако, в отличие от других образцов керамики из истории корейского искусства, они были практически не украшены.
Железный век
Эта эпоха отмечена принятием китайской техники литья железа, которая, скорее всего, появилась в 5-4 веках до н.э. в результате контактов с Янь, государством на северо-востоке Китая. Для корейцев было обычным делом имитировать технику и технологии своих восточных коллег и превращать их в нечто уникально корейское, не только соответствующее, но иногда даже превосходящее процессы, изученные в других культурах.
Внедрение этой технологии литья из Китая знаменует собой начало корейского железного века.
Период трех царств (ок. 57 г. до н. э. — 668 г. н. э.)
В этот период Корейским полуостровом управляли три отдельные монархии, поэтому его называют периодом трех царств. Различные королевства были известны как Когурё, Пэкче и Силла.
Когурё
В 372 году н.э. буддизм был привнесен в Когурё, королевство, которое охватывало южную и центральную Маньчжурию, а также часть современной Кореи. Именно в этот период буддийского влияния члены королевского правящего класса начали заказывать произведения искусства, посвященные буддизму. Примером искусства Когурё являются яркие фрески на древних корейских гробницах, на которых изображены повседневные сцены жизни древнего королевства.
Настенная роспись, изображающая сцену охоты в гробнице Муёнчхон, из царства Когурё; Неизвестный авторНеизвестный автор, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons
Пэкче
Считается, что величайшее корейское традиционное искусство того времени пришло из королевства Пэкче. Культура Пэкче испытала большое влияние южных китайских династий, а также, в свою очередь, повлияла на другие соседние династии, такие как японская. Скульптуры Пэкче были религиозными по контексту, часто изображали Будду, но в типичном корейском стиле, который характеризуется теплотой и гармоничными пропорциями.
Стоящая позолоченная бронзовая статуя Будды, из королевства Пэкче; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Силла
Многие корейские ремесла, которые были раскопаны, происходят из этого королевства, поскольку географически оно было довольно изолированным, и поэтому гробницы остались относительно нетронутыми. Расположенное в самой юго-восточной части Кореи, это королевство было последним, которое в конечном итоге испытало влияние внешних культур, а также последним, принявшим буддизм в качестве избранной религии региона.
Ремесленники этого региона наиболее известны своими навыками золотого дела, такими как короны и золотые украшения, которые имеют близкое сходство с техниками, найденными в Европе, что заставляет некоторых историков полагать, что этот регион был частью Шелкового пути.
Золотая корона королевства Силла; Гэри Тодд, CC0, через Wikimedia Commons
Государства Севера и Юга
Этот период относится к тому времени в истории корейского искусства, когда королевства Силла и Балхэ сосуществовали одновременно в южных и северных регионах Кореи в период между 698 и 926 годами н.э. Объединенное Силла было заметным периодом развития корейского традиционного искусства, особенно буддийского. Два произведения, которые являются примером этого периода, — храм Булгуска и грот Сокгурам.
Искусство Балхэ изображало сцены, больше связанные с повседневной жизнью, с изображениями мужчин в бою, музыкантов, играющих на инструментах, и аристократов.
Династия Корё
Этот период длился с 918 г. до 1392 г. и наиболее известен своей керамикой селадон. Этот стиль зародился в Китае, но корейские мастера подняли это ремесло на более высокий уровень, что, в свою очередь, привело к тому, что сами китайцы стали называть корейские ремесла и керамику «первыми под небесами». Благодаря уменьшению количества кислорода в печи, создается зелено-голубой оттенок глазури, известный как «цвет зимородка». На этой керамике изображались рыбы, фрукты и мифические существа в свободном стиле.
Чайник из селадона, изготовленный в 12 веке во времена династии Корё; Национальный музей Кореи, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons
Династия Чосон
Во время этой династии многие буддийские элементы оставались заметными в популярной корейской живописи, но с приходом влияния конфуцианства традиционные центры искусства начали отказываться от работ с изображением Будды и перешли к большему реализму. Предыдущее искусство этого региона было стилизованным, но новое искусство, получившее название «истинный вид», продемонстрировало заметный поворот от менее детализированных пейзажей и объектов, изображаемых в традиционной корейской живописи, к новому стилю изображения пейзажей именно такими, какими они были.
Военный чоп Гымганса (1788), Ким Хонг-до, династия Чосон; Ким Хонг-до, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Современное корейское искусство
Во время японского вторжения в 1880-х годах корейскому искусству был нанесен огромный удар: институты художественного образования были закрыты, известные работы уничтожены или украдены, а японские сюжеты и стили заменили традиционное корейское искусство.
После восстановления свободы от Японии в 1945 году современное корейское искусство стало выходить из-под навязанных японских стилей и помогло корейским художникам восстановить свою самобытность и уникальные формы культурного выражения.
Ограниченное возрождение наблюдается в использовании корейских ремесел, в которых применяются такие материалы, как бамбук, нефрит, металл и текстиль. Современная корейская живопись требует некоторого понимания стилей, используемых в корейских ремеслах, таких как керамическая керамика, чтобы полностью оценить эстетику, которую пытаются воспроизвести корейские художники.
Формы корейского искусства
Корейское искусство можно разделить на несколько категорий, определяемых использованием различных средств и техник, от корейской живописи до других корейских ремесел, таких как керамика и скульптура, каллиграфия и архитектура. Вот некоторые из известных видов искусства, появившихся в Корее.
Каллиграфия и печать
Каллиграфия считается в Корее высоким искусством, каждый мазок кисти раскрывает что-то от характера и личности самого художника, тем самым усиливая изображаемый предмет. Бумага ручной работы используется в Корее для различных практических и художественных целей. В архитектуре она используется для покрытия полов и окон.
В качестве художественного средства она используется в различных формах, таких как печать, бумажные фигурки и даже бумажная одежда.
Kim Jeong-hui, 1786–1856. Ink on paper, Gansong Art Museum. He was a prominent Korean civil minister, Silhak scholar, and calligrapher. He invented his own style of calligraphy called chusache , based on ancient Korean monumental inscriptions; 추사 김정희 (金正喜: 1786~1856), Public domain, via Wikimedia Commons
В течение большей части 20-го века в Корее наиболее распространенным видом искусства была живопись, причем в 1930-х годах особый интерес для корейских художников представляла абстракция. В середине 1960-х годов несколько художников начали оспаривать статус-кво того, что ожидалось от художников, пишущих тушью, когда они начали злоупотреблять материалами и манипулировать ими странным образом, пропитывая холсты, размазывая краску, разрывая бумагу и протаскивая карандаши через искусство, как, например, художник Квон Янг-Ву.
Керамика и скульптура
Самым известным и древнейшим искусством в истории корейского искусства является корейская керамика. С корейской керамикой связаны массивные фрески, плиточные работы и элементы архитектуры. Большая часть ранних керамических техник и стилей была перенята из китайской культуры.
Корейская керамика стала высоко почитаться в Японии, считаясь для японцев самым известным корейским искусством. Камерные печи, использовавшиеся корейцами, были очень эффективны, помогая ковать высококачественные местные материалы в готовые изделия, которые в конечном итоге экспортировались в Японию.
Керамический кувшин со сливовым и бамбуковым узором из Национального музея Кореи; Octopus9576, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Знаменитые корейские художники
Помимо старых художников, занимавшихся традиционным корейским искусством, некоторые современные художники оставили свой след в современном корейском искусстве и искусстве Южной Кореи. К известным корейским художникам 20-го века относятся Нам Джун Пэк, Пак Су Гуен и Чан Укчин. К известным корейским художникам 21 века относятся Дэвид Чо, Эми Сол и Тчун Су Ким.
Давайте посмотрим на некоторых известных корейских художников и работы, которые сделали их знаменитыми.
Чон Сон (1676-1759)
Чон Сон, также известный как Кёмджэ, был традиционным корейским художником, известным своими пейзажными картинами. В своих работах Чон использовал такие техники, как тушь, а также рисовал на воде в восточном стиле. Его стиль не был абстрактным, но имел некоторое сходство с реальностью, его пейзажные картины были созданы в популярном в то время стиле «правдивого взгляда».
Его картины корейских пейзажей и жизни сделали его одним из самых известных в корейском традиционном искусстве.
Отдыхает после чтения книг (ок. 1786-1856 гг.), предположительно автопортрет художника Чон Сона; Чон Сон, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Чон Сон родился 16 февраля 1676 года в Сеуле. Он родился в бедной семье, и хотя они признали его художественные таланты в очень раннем возрасте, они мало что могли сделать, чтобы поддержать его желание стать художником.
В это время он рисовал в основном для досуга, изредка выполняя пейзажные картины для редких клиентов, пока его не познакомили с соседом, который рекомендовал его в Чосонское бюро живописи, где он затем занял должность художника.
В 1711 году он отправился на гору Кымган и создал альбом «Гора Пунгак, год Син-Мё», состоящий из 13 картин. В следующем году он вернулся и написал альбом «Реалистичное изображение моря и гор», состоящий из 30 картин. Чон считается одним из самых выдающихся художников своей эпохи, и многие другие корейские художники вдохновлялись его техникой и стилем.
Пак Су Гын (1914 — 1965)
Пак Су Гын родился в уезде Янгу в Южной Корее 21 февраля 1914 года. Будучи подростком, Су Гын самостоятельно научился рисовать в стиле корейского традиционного искусства после обучения в начальной школе Янгу. Впервые он начал свою публичную карьеру в корейской живописи в 1932 году, когда его работа «Весна ушла» была выбрана для участия в 11-м ежегодном конкурсе живописи, проходившем в Сончжоне. До 1944 года его еще восемь раз выбирали для участия в конкурсе.
В 1953 году он занял первое место на ежегодной Национальной художественной выставке, а вскоре после этого занялся живописью на постоянной основе и выиграл еще десять конкурсов. В следующем десятилетии его выбрали в отборочную комиссию.
Пак Су Гын наиболее известен тем, что использовал фольклорные темы корейского происхождения и работал преимущественно в градациях серого. Из-за катаракты в 1963 году Су Гын частично потерял зрение, а в 1965 году, в возрасте 52 лет, умер от болезни печени. Большую часть своей жизни он провел в крайней нищете, но после смерти был награжден Серебряной короной ордена «За заслуги в культуре». Его работы посмертно можно увидеть в таких музеях, как Музей Тихоокеанской Азии при Университете Южной Калифорнии, а также в Музее искусств Мичиганского университета.
Чанг Уччин (1917 — 1990)
Чан Укчин родился 26 ноября 1917 года в Корее в то время, когда она все еще находилась под властью японцев. Он учился в Императорской школе искусств в Токио, где его внимание было сосредоточено на западных стилях искусства. После работы профессором изобразительного искусства с 1954 по 1960 год Укчин покинул Сеульский национальный университет, чтобы полностью сосредоточиться на живописи. Укчин является представителем современного движения изобразительного искусства в Корее.
Сюжеты его картин включают изображения луны и солнца, птиц, детей и других вещей, знакомых корейскому образу жизни, но написанных в его уникальной технике.
Эти техники были разработаны путем экспериментов, вдохновленные модернистскими тенденциями западных культур. Многие из его работ написаны маслом, но он также экспериментировал с другими средствами, такими как китайская живопись тушью, рисование фломастерами, роспись по керамике, шелкография, ксилография и медная печать.
Его работы излучают детскую невинность, он смотрит на предметы и окружающий мир ясными и незамутненными глазами. В его работах часто встречались буддийские темы, а также изображения его соседей и сцен, которые он видел вокруг себя в повседневной жизни. Примерами его работ, выполненных в этом упрощенном детском стиле, являются «Две семьи» (1979), «Жена» (1979), «Семья» (1979) и «Трое» (1973).
Ким Тчан-Юэль (1929 — 2021)
Ким Тчан-Юэль родился в Маенгсане, Корея, 24 декабря 1929 года. После службы на Корейской войне он учился в Колледже изящных искусств Сеульского университета в середине 1950-х годов. В 1966 году он переехал в Нью-Йорк, где в течение нескольких лет учился в Лиге студентов искусств, а затем переехал в Париж. Постоянное знакомство с новыми художественными направлениями и школами во время путешествий привело к тому, что Ким начал экспериментировать с жидкими формами.
Это увлечение жидкими формами в конечном итоге привело к тому, что Ким был признан выдающимся современным корейским художником за его знаменитый стиль рисования капель воды.
Истоки мотива воды можно проследить в традициях восточной философии. Для Кима эта тема стала своего рода терапией его прошлого травматического опыта, полученного во время службы на войне, а также созерцанием бесконечности. Для Кима каждая капля, будучи столь естественно безупречной, представляет собой непрерывное повторение небытия, заканчивающееся в том же состоянии, в котором оно началось.
Как дань уважения вкладу Кима в корейское искусство в течение всей его жизни, в 2016 году в Чеджу, Южная Корея, был открыт Музей искусств Ким Тчан-Ёль. В настоящее время он живет и работает в двух разных городах — Париже во Франции и Сеуле в Южной Корее. Примеры его работ можно увидеть на выставке в таких учреждениях, как Музей Хиршхорна и Сад скульптур в Вашингтоне, Национальный музей современного искусства в Токио и многих других. Среди известных работ художника — «Повторение» (2007), «Капли воды и каллиграфия» (1995) и «Без названия» (1970).
Нам Джун Пайк (1932 — 2006)
Нам Джун Пайк известен во всем мире как «отец видеоарта» и ответственен за создание огромного количества произведений искусства — от работы с телевидением и видеокассетами до перформанс-инсталляций, видео- и видеоскульптур. Творчество Пайка вдохновило новые поколения современного корейского искусства своим дальновидным искусством и новаторскими идеями и оказало влияние на весь мир.
Его работы сильно отличаются от традиционного корейского искусства и являются ярким примером нового поколения южнокорейского искусства.
Паик учился в Токийском университете, который окончил в 1956 году. Хотя он родился в Сеуле в 1932 году, его семья бежала из Кореи во время Корейской войны в 1950 году. После окончания университета он отправился в Германию, чтобы продолжить свое увлечение авангардной музыкой, перформансом и композицией. Он присоединился к движению неодада Флюксус после знакомства с Джорджем Мачюнасом и Джоном Кейджем. Нам провел свою персональную выставку в 1963 году в галерее Парнас в Вуппертале, представив измененный контент, передаваемый через серию телевизоров.
В 1964 году Пайк эмигрировал в Нью-Йорк, где продолжил свои эксперименты с телевидением и видео.
В 1969 году он в сотрудничестве с инженером из Японии Шуя Абе создал прототип видеосинтезатора, который позволял Нам Джун накладывать слои и манипулировать различными изображениями из различных источников. Этот гибридный синтезатор был назван «видеосинтезатором Пайка-Абе», и он изменил лицо электронной манипуляции изображениями. С помощью этих инструментов Пэк создал новое средство художественного выражения и продолжил создавать такие известные произведения искусства, как основополагающая работа «Глобальный грув» (1973), а также скульптуры, такие как «Телевизионный Будда» (1974).
Ли Уфан (1936 — настоящее время)
Ли Уфан родился в уезде Хаман, Корея, в 1936 году. Он является минималистским скульптором и художником, и его вклад в развитие современного искусства был признан и отмечен правительством Японии. Ли также был философом и видным теоретиком философии Моно-ха. Оценка внутренней природы объектов — это восточная художественная философия, которая может быть определена как источник вдохновения для его работ.
Ли был частью первого корейского художественного движения конца 1900-х годов, получившего распространение в Японии, стиля, известного как «корейская монотонная ар».
Уфан считал, что послевоенное общество Японии 1960-х годов слишком сильно зависело от влияния Запада, в частности Европы, и выступал за девестернизацию корейского общества в качестве противоядия, как через философию, так и через искусство. Будучи сторонником движения «Моно-Ха», его работы фокусировались на связи между материалами, а также на их восприятии, а не на западной потребности в репрезентации или выражении.
Серия скульптур Ли Уфана «Релатум» состояла из нескольких камней и больших прямоугольных пластин из железа, расположенных в различных формациях. В его скульптурах часто используются такие материалы, как листы из резины, стальные пластины и стекло. Каждый из этих материалов формирует уникальные отношения с другими, так как достигается баланс между объектами в ограниченном пространстве и человеком, который их рассматривает.
Его работы получили международное признание во многих институтах, он получил премию ЮНЕСКО на Шангайской биеннале в 2000 году, а в 2001 году — 13-ю премию Praemium Imperiale за живопись, а также премию Ho-Am Фонда Samsung.
Иль Ли (1952 — настоящее время)
Иль Ли родился в Сеуле, Южная Корея, в 1952 году, но с середины 1970-х годов живет в США. В отличие от традиционного южнокорейского искусства, Иль Ли известен своими уникальными работами, выполненными шариковыми ручками, и масштабными произведениями с абстрактными изображениями на холсте и бумаге. Иль Ли выставлял свои работы во многих городах, не только в Северной Америке, но и в Токио, Мехико, Париже, Гонконге, Сеуле, Нью-Дели и Мехико.
Он начал экспериментировать с шариковыми ручками во время изучения офорта в Пратте.
Хотя все его ранние работы были выполнены на бумаге, позже он перешел на большие поверхности, более подходящие для демонстрации, такие как загрунтованные большие холсты. Каждая работа создавалась путем медленного нанесения слоя за слоем, в течение нескольких недель или месяцев. Эта техника была мучительно медленной и требовала больше работы, чем многие думают при первом осмотре, что привело многих к выводу, что его работы можно назвать минималистскими.
Ли не называет свои работы типичным образом, а предпочитает использовать свою систему цифр и букв для названия и каталогизации своих работ, например, SBK-0811 или WR-1201. Он описывает свой процесс создания работ как «интуитивный», предпочитая иметь ум, свободный от отвлекающих факторов, и никаких предвзятых идей относительно того, что должно получиться в процессе работы.
Сосредоточившись на холсте, он позволяет произведению сформироваться из контролируемого движения естественных жестов руки.
Знаменитые произведения корейского искусства
Традиционное корейское искусство было характерно тем, что оно уходило от влияния окружающих культур и создавало произведения, которые были более естественными и плавными. Современное корейское искусство, с другой стороны, разветвилось на увлекательные стили, которые исследуют более глубокие философские отношения между объектом и зрителем, используя нетрадиционные средства и материалы для передачи тонкого послания. Давайте посмотрим на несколько примеров традиционного и современного знаменитого корейского искусства.
Автопортрет Юн Ду Со работы Юн Ду Со (1715)
| Художник | Юн Ду-Сео |
| Год | 1715 |
| Медиум | Светлые краски на бумаге |
| Размеры | 20 см x 38 см |
Юн Ду Со был известным традиционным корейским художником эпохи Чосон. Он посвятил всю свою жизнь изучению конфуцианства и живописи. Эта работа — его автопортрет. Большую часть холста занимают его голова и борода, тело на картине не изображено. Тюбетейка, которая частично видна в верхней части картины, сделана из конского волоса и была типичным головным убором для той эпохи.
Среди множества автопортретов, созданных в его эпоху, этот считается особенно примечательным благодаря уникальному способу выражения и считается шедевром.
Автопортрет Юн Ду-Сео (1715), автор Юн Ду-Сео; Юн Ду-Сео (1668-1715), Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Инванг Джесэкдо работы Чон Сона (1751)
| Художник | Чон Сон |
| Год | 1751 |
| Медиум | Тушь на бумаге |
| Размеры | 79 см x 138 см |
Картина «Инванг Есаэкдо» была написана в 1751 году известным корейским художником Чон Соном. Инванг Есаэкдо переводится как «После дождя на горе Инванг». Она была создана во времена династии Чосон в Ченгун-доне в районе Чонно, на его родине. В 1984 году это произведение было объявлено правительством Южной Кореи 217-м Национальным сокровищем Кореи. На картине изображен сельский японский пейзаж с туманом, пробирающимся сквозь деревья под горами, когда сцена проясняется после дождя. В настоящее время картина хранится в художественном музее Хо-ам в Йонгине.
Инванг Джесэкдо (1751) Чон Сон; Чон Сон, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Капли воды и каллиграфия Ким Чанг-Ёль (1995)
| Художник | Ким Чанг-Ёль |
| Год | 1995 |
| Медиум | Гравюры и мультипликация, акватинта |
| Размеры | 57 см x 74,5 см |
Ким Чанг-Ёль — выдающаяся фигура среди корейских художников, стоявших в авангарде корейского модернизма в послевоенное время. Он родился в 1929 году и провел более пяти десятилетий, совершенствуя и экспериментируя со своей техникой рисования капель воды. Картина «Капли воды и каллиграфия» считается прекрасным примером его творчества. Большая часть его работ символически основана на его философском взгляде на жизнь, капли представляют смысл бессмысленного, прозрачная природа воды может восприниматься как метафора пустоты капли, которая, тем не менее, содержит форму и содержание.
Межпространство/Медитация Ли Дон Юба (2003)
| Художник | Ли Дон-Юб |
| Год | 2003 |
| Медиум | Акрил на холсте |
| Размеры | 160 см x 160 см |
Ли Дон Ёб родился в 1946 году. Свою первую персональную выставку он провел в 1977 году в Сеульской галерее, основателем которой также был тесть Ли. Искусствоведы считают его ведущей фигурой корейского движения абстрактной живописи. Работы Ли обусловлены его личным видением того, как должен выглядеть постмодернистский художественный ландшафт. Наиболее заметными темами его работ являются цикличность резонанса, симбиоз элементов и динамическое взаимодействие окружающей среды и состояния первозданного существа.
В заключение мы узнали, что корейское искусство можно проследить со времен доисторической истории человечества, увидели, как соседние восточные культуры оказали большое влияние на традиционное корейское искусство, пока оно не обрело свой характер и стиль. После японской колониальной оккупации современное корейское искусство расцвело на множество подстилей, которые вышли за рамки статус-кво того, что представляло собой искусство для корейцев.
Посмотрите нашу веб-историю о корейском искусстве здесь!
Часто задаваемые вопросы
Есть ли искусство в Северной Корее или только в Южной?
Большинство, если не все, перечисленные выше художники родом из Южной Кореи. Северная Корея, похоже, не имеет большой художественной культуры, большинство картин — это военная пропаганда и лишь символы националистической гордости.
Является ли корейское традиционное искусство таким же, как японское и китайское?
Хотя соседние восточные страны первоначально оказали большое влияние на корейскую культуру, корейское искусство в конечном итоге выросло из собственной национальной идентичности, которая в значительной степени сосредоточена на мирных и натуралистических элементах жизни, и корейское искусство отражает это своими тонкими плавными линиями и естественными сюжетами.
