Знаменитые художники-минималисты — Художники движения минимализма

Известные художники-минималисты

Искусство минимализма зародилось как движение после Второй мировой войны в американском изобразительном искусстве в 1960-х и 1970-х годах. Считающийся прямым ответом на стили абстрактного экспрессионизма и модернизма, минимализм использовал геометрические формы, нейтральные поверхности и промышленные материалы вместо громких и хаотичных произведений искусства. Поскольку минимализм отрицал яркое самовыражение, созданные произведения искусства намеренно избегали вида изобразительного искусства, эти гладкие и геометрические работы намеренно ускользали от общей художественной привлекательности.

Оглавление

Наш топ-10 самых известных художников-минималистов и их лучшие работы

Распространившись на изобразительное искусство, музыку и другие медиа, искусство минимализма расширило абстрактное представление о том, что искусство должно исходить из собственной реальности, а не быть простой копией чего-то другого. Художники-минималисты реагировали только на то, что находилось непосредственно перед ними, а созданные произведения заставляли зрителей относиться только к тому, что они могли видеть. Ниже мы расскажем о некоторых лучших художниках-минималистах и их выдающихся работах.

Тони Смит (1912 — 1980)

Национальность Американец
Где жил художник Нью-Джерси, Америка
Художественные направления Минимализм
Наиболее известные работы Луизенберг № 8 (1953 — 1954)

Одним из известных художников минимализма 20 века был американский скульптор и живописец Тони Смит. Несмотря на то, что в мире искусства его считали довольно странной фигурой, поскольку он начал выставлять свои работы только после 50 лет, Смит внес большой вклад в становление движения минимализма в начале 1960-х годов.

На протяжении всей своей карьеры Смит был известен своими большими геометрическими скульптурами, которые обычно размещались на открытом воздухе.

Смит получил образование в школе New Bauhaus в Чикаго в 1930-х годах и был вдохновлен развитием американского искусства после Второй мировой войны. В его работах сочетались традиции европейского модернизма и эти достижения, что позволило ему создать произведения минимального искусства, не ограниченные никакими рамками среды.

Художники-минималисты

Тони Смит и одна из его работ, Музей Haags Gemeentelijk, 1968; Eric Koch / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Несмотря на связь с абстрактными экспрессионистами, его работы не имели сходства с хаотичной спонтанностью этого движения. В начале 1960-х годов Смит оставил живопись, чтобы полностью сосредоточиться на скульптуре. Считается, что скульптуры Смита являются наиболее ярким проявлением его мастерства как художника, поскольку огромные конструкции легко сочетают в себе физическое присутствие архитектуры и концептуальный резонанс абстрактной живописи. Его вклад в развитие американского искусства не поддается описанию, поскольку в дальнейшем Смит преподавал в нескольких известных школах искусства и дизайна по всей стране.

Превосходно владея живописью, скульптурой и архитектурой, выставки его работ проходили во многих лучших художественных музеях мира.

Луизенберг № 8 (1953 — 1954)

Дата написания 1953 — 1954
Медиум Масло на холсте
Размеры 50,8 см x 70,4 см
Где в настоящее время находится Поместье Тони Смита

Являясь частью серии, написанной в период с 1953 по 1955 год, работы Луизенберга состоят из 25 ярких и геометрических картин, связанных между собой фундаментальной композиционной моделью. Каждая картина серии состоит из разноцветных, но одинаково окрашенных кругов, которые объединяются в странные формы, напоминающие арахис или амебу. На картине «Луизенберг № 8» эти формы выстроены в плотную сетку, каждая форма имеет свое место.

При просмотре Louisenberg #8 возникает ощущение порядка, так как каждая форма следует одной и той же композиционной структуре. Например, круги занимают одно место, арахис — два места, а самая большая форма, похожая на амебу, — четыре места. В этой картине Смит продемонстрировал довольно простой способ работы, поскольку он просто создавал вариации одного дизайна и располагал их различными способами для создания новых композиций. Исходя из этого, «Луизенберг № 8» существует как свободно перевернутая версия «Луизенберга № 4».

Созданная во время пребывания Смита в Германии, его серия «Луизенберг» была названа в честь геологической местности недалеко от города Байройт, состоящей из уникальных скал ореховой формы.

Продемонстрировав свое образование архитектора, Смит следовал точной формуле, которая скрупулезно выражалась в его картинах. Его вдохновение для серии минималистских картин было довольно абстрактным, поскольку они представляли собой пленительную смесь североамериканских и североевропейских художественных влияний с тонкой ссылкой на стиль абстрактного экспрессионизма.

Кроме того, использование Смитом повторяющихся элементов в Louisenberg #8, наряду с другими картинами этой серии, существовало как двухмерное проявление его растущего интереса к модульной архитектуре. Позже в своей карьере Смит сосредоточился исключительно на этом типе адаптивной архитектуры.

Агнес Мартин (1912 — 2004)

Национальность Канадец
Где жил художник Маклин, Канада; Нью-Мексико, Америка
Художественные направления Минимализм, абстрактный экспрессионизм
Наиболее известные работы Белый цветок (1960)

Одним из самых известных художников-минималистов, вышедших из Канады, была Агнес Мартин, которая оказалась влиятельным членом как движений абстрактного экспрессионизма, так и минимализма. Несмотря на то, что ее культовые работы со спектральной сеткой называют настоящими картинами минимализма, Мартин считала свой стиль близким к стилю абстрактного экспрессионизма.

До 1950-х годов картины Мартин были полностью репрезентативными, но в середине десятилетия она обратила свое внимание на абстрактное искусство и открыла свой истинный стиль.

Мартин создавала большие квадратные монохроматические композиции, которые обычно покрывала грунтом, карандашными линиями от руки и разбавленными слоями масляной или акриловой краски. В 1950 году, после получения американского гражданства, Мартин переехала в центр Манхэттена, где она вдохновилась на развитие своего очень влиятельного стиля, который включал в себя светлые цвета, квадратные сетки из повторяющихся линий. Используя сетку в качестве организационного элемента в своих картинах, которые включали немного цвета, Мартин смогла органично соединить стили живописи Color Field и минимализма.

Хотя отсутствие повествования и ненужных деталей отнесло Мартин к стилю минимализма, она заявила, что ее целью было создание произведений искусства, сосредоточенных на эмоциях, а не на высокопарных формах абстракции. Хотя работы Мартин были нерепрезентативными, названия и пояснения к ее картинам указывали на то, что она находилась под сильным влиянием природы.

Будучи шизофреником, она не могла легко общаться с другими людьми, поэтому ее внимание к природе в ее работах представляло мирное и упорядоченное убежище.

Если рассматривать ее картины, то минималистские картины Мартин были основаны на сетчатом дизайне с четкими краями, однородными геометрическими формами и фиксированными областями холодных цветов, которые были тщательно нанесены так, чтобы не оставалось следов кисти. Ее абстрактные работы освободили ее от необходимости изображать традиционные сюжеты и позволили ей экспериментировать с бесконечными вариациями сдержанного цвета. Будучи одной из самых необычных художниц своего времени, которая вела столь же странный образ жизни, Мартин, как говорят, слышала голоса, которые влияли на то, что она рисовала.

Белый цветок (1960)

Дата написания 1960
Медиум Масло на холсте
Размеры 182,6 см x 182,9 см
Где в настоящее время находится Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк

Одна из первых известных картин Мартина в стиле минимализма — «Белый цветок», которую она создала вскоре после формирования своего особого стиля. Используя структуру сетки и неяркие цвета, «Белый цветок» состоит из неиерархических белых линий, которые пересекаются и образуют отдельные прямоугольники. Подчеркнутая белыми черточками и расположенная на холодном сером фоне, эта картина напоминает вид тканого полотна.

Что постоянно присутствует в «Белом цветке» и большинстве других работ Мартина, так это полная симметрия формы.

Несмотря на то, что «Белый цветок» был создан на ранних этапах становления минималистского стиля Мартин, он демонстрирует ее уже жесткое стремление к формальному равновесию, которое будет регулярно проявляться в остальных ее картинах. Хотя эту картину можно рассматривать как отдельное целое, она не была составлена из отдельных элементов. Это демонстрирует истинную сложность картин Мартин, поскольку ее свободно нарисованные сетки выцветающих и хрупких линий требуют дополнительного размышления, чтобы их нюансы были действительно раскрыты и поняты.

Кармен Эррера (1915 — настоящее время)

Национальность кубинская американка
Где жил художник Гавана, Куба; Нью-Йорк, Америка
Художественные направления Минимализм, абстрактный экспрессионизм
Наиболее известные работы Без названия (1952)

Тондо: черное и белое II (1959)

В свои 106 лет американская художница кубинского происхождения Кармен Эррера является старейшим представителем движения минимализма. Карьера Эрреры как художника особенно вдохновляющая, ведь она продала свою первую работу только в 89 лет. Хотя она добилась международного признания и высокой оценки только в конце жизни, Эррера практиковалась как художник и создала несколько заметных произведений искусства на протяжении всей своей жизни, прежде чем ее прославили. Однако, что делает ее историю такой интересной, так это качество ее работ, а не обстоятельства ее открытия.

Впервые Эррера появилась на художественной сцене в 1940-х годах, когда она жила в Париже, а в 1954 году переехала на постоянное место жительства в Нью-Йорк.

С начала своей карьеры Эррера усовершенствовала свой стиль живописи и скульптуры, создавая четкие и безупречные произведения искусства, используя абстрактный геометрический стиль минимализма. В большинстве своих работ Эррера привносит ощущение тепла и физичности, что подчеркивает аспекты мудрости, жизненной силы и жизни при просмотре ее абстрактных форм.

Хотя работы Эрреры связывают с другими художниками неоконструктивизма, появившимися после Первой мировой войны, использование ею плоских форм и ограниченной цветовой палитры имеет много общих черт с нью-йоркским минимализмом.

Творческая идентичность Эрреры вписалась в общую художественную сцену только в 1960-х годах после открытия других художников-минималистов, таких как Фрэнк Стелла. Изначально вдохновленные оп-артом, многие работы Эрреры содержат оптические иллюзии в той или иной форме в дополнение к другим абстракциям минимализма. Таким образом, она рассматривается как современный художник, имеющий большое значение.

Без названия (1952)

Дата написания 1952
Медиум Синтетическая полимерная краска на холсте
Размеры 63,5 см x 152,4 см
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

Одна из известных картин Эрреры в стиле минимализма — «Без названия», которую она создала, когда была еще относительно неизвестна. В этой суровой монохроматической работе черно-белые линии проходят вверх и вниз по холсту и разделены неровной линией, которая делит раму на два неравных треугольника. Влияние оп-арта Эрреры отчетливо прослеживается в работе «Без названия», поскольку это голое изображение с тщательно отточенными краями создает ощутимую вибрацию, которую можно принять за оптическую иллюзию.

Было отмечено, что в этой работе и большинстве других картин Эрреры мало что свидетельствует о том, что она действительно написала работу.

Это было ключевым аспектом оп-арта в то время, что еще больше приравнивает эту картину к этому движению. Рассматривая процесс восприятия зрителями форм и цветов на холсте, Эррера задалась вопросом о роли художника в новый технологический век точности. Использование неровной линии говорит о любви Эрреры к дизайну и городской жизни, поскольку она ссылается на очертания индустриального пространства.

Энн Труитт (1921 — 2004)

Национальность Американец
Где жил художник Вашингтон, округ Колумбия, Америка
Художественные направления Минимализм, живопись цветового поля
Наиболее известные работы Стена для абрикосов (1968)

Еще одной из самых известных женщин-художниц минимализма была американский скульптор Энн Труитт, которая получила признание критиков в 1960-х годах за то, что была одной из самых ранних минималистов этого движения. Поддерживаемая известным художественным критиком Клементом Гринбергом, Труитт держалась в стороне от нью-йоркской художественной сцены и в течение многих лет балансировала между своей творческой карьерой и воспитанием семьи. Несмотря на то, что Трюитт была связана с двумя основными художественными движениями, живописью Color Field и минимализмом, она окончила университет со степенью в области психологии и стала медсестрой.

Трюитт стала постоянным художником только в 1950-х годах и начала делать то, что считается ее самым важным вкладом в движение, в начале 1960-х годов.

Хотя она считала, что ее работы сильно отличаются от художественных тенденций движения минимализма, живопись и скульптурный стиль Труитт предвосхитили многих других известных художников минимализма, таких как Дональд Джадд и Эллсворт Келли. Однако она не была похожа на большинство минималистов во многих других отношениях, а ее внимание к поэтике формы и материала оказало влияние на молодых художников.

Как преданный скульптор, Труитт экспериментировал с глиной, сталью и гипсом после просмотра работ Барнетта Ньюмана в Гуггенхайме в 1961 году.

Следуя течению абстрактного экспрессионизма, Труитт создала скульптуры, которые были сложными и детализированными, но при этом скрывали свою истинную простоту. Поскольку в своих работах Трюитт исследовала глубины своей эмоциональной и психологической жизни, ее часто считали минималисткой, хотя у нее было больше общего с абстрактным экспрессионизмом. Ее работы были пронизаны эмоциями, что не было характерно для минимализма.

Путь VII (1974)

Дата написания 1974
Медиум Акрил на холсте
Размеры 103,5 см x 220,9 см
Где в настоящее время находится Неизвестно

Будучи скульптором, Труитт не создала много картин. Однако ее картина в стиле минимализма «Путь VII» является известной ее работой. Огромный холст закрашен умброво-красным цветом, на котором вертикально изображены несколько тонких линий. Считается, что они представляют собой фрагменты света, просвечивающего сквозь полотно, ширина линий варьируется, что говорит об их различной интенсивности за пределами поверхности картины.

Поскольку она была наиболее известна своими скульптурами, ее описывают как «художника, работающего в трех измерениях» в тех немногих картинах, которые она создала.

В 1960-х и 1970-х годах Труитт стала важным лидером Вашингтонской школы цвета, которая определяла произведения искусства плоскими и сплошными областями яркого цвета. Эту эстетику можно увидеть в картине «Путь VII», где большое пространство закрашено ярко-красной краской. Из-за интенсивности цвета при взгляде на картину возникает ощущение клаустрофобии. Под большим влиянием картин Барнетта Ньюмана и других художников в стиле Color Field, Труитт пересекает свой монохроматический холст тонкими полосами цвета в картине Way VII.

Эллсворт Келли (1923 — 2015)

Национальность Американец
Где жил художник Нью-Йорк, Америка
Художественные направления Минимализм
Наиболее известные работы Цвета для большой стены (1951)

Важной фигурой в американском искусстве 20 века был Эллсворт Келли, который на протяжении всей своей карьеры был известен как живописец. Рассматриваемый как мощная сила в послевоенном мире искусства, Келли приобрел известность в 1950-х годах после того, как начал создавать свои знаковые яркие и в основном одноцветные многопанельные полотна. Сосредоточившись на силовых отношениях между цветом, формой и очертаниями, Келли был одним из первых художников, создавших полотна странной формы и получивших от этого удовольствие.

Используя многослойные рельефы и линейные рисунки, чтобы бросить вызов понятию пространства, Келли хотел, чтобы зрители воспринимали его работы таким образом, чтобы они вызывали физическую реакцию на используемую структуру и цвет.

Художники-минималисты

Эллсворт Келли на торжественном открытии Музея современного искусства Брод 9 февраля 2008 года в Лос-Анджелесе, Калифорния; Джеремайя Гарсия, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Наряду с живописью и скульптурой он играл с минималистским рисунком, но никогда не придерживался какого-то одного направления. Скорее, в его работах прослеживалось влияние различных направлений, включая минимализм, жесткую живопись, поп-арт и цветовое поле.

К началу 1960-х годов Келли создал для себя международную репутацию в области беспредметного искусства. Обращаясь к движению D e Stijl для вдохновения в своих картинах, Келли создавал произведения, в которых использовал структурированный цвет на фоне геометрических макетов. В 1970 году Келли переехал на север штата и отошел от геометрических форм в сторону кривых, возможно, в ответ на свое новое окружение.

Келли считается одним из великих лидеров американской живописи и одним из самых выдающихся художников-постмодернистов 1960-х годов как в абстрактной живописи, так и в скульптуре.

Цвета для большой стены (1951)

Дата написания 1951
Медиум Масло на холсте
Размеры 240 см x 240 см
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

На момент создания «Цвета для большой стены» была одной из самых больших картин, когда-либо созданных Келли. Демонстрируя его ранние эксперименты с многопанельными композициями, этот стиль живописи впоследствии станет важным аспектом его карьеры. Считается, что эта картина помогла Келли понять, что картины существуют как объекты. Картина «Цвета для большой стены» не только сама по себе была объектом, но и состояла из множества более мелких объектов в виде панелей, которые вместе создавали общее произведение искусства.

Объединяя некоторые фундаментальные стратегии модернизма в этом произведении, каждый квадрат должен был создавать впечатление, что они собрались вместе совершенно случайно.

Знаменитые картины минималистов

Colors for a Large Wall (1951) by Ellsworth Kelly; Ainhoa Díaz, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Покрасив каждый из 64 квадратов отдельно в один цвет, Келли соединил их в виде коллажа, который он бессистемно расположил. В результате получилась картина, ни один из аспектов внешнего вида которой не был решен Келли самостоятельно. Эта картина также намекает на идею readymade и ее полезность в искусстве, поскольку Келли создал каждую панель из разных листов бумаги.

Сол ЛеВитт (1928 — 2007)

Национальность Американец
Где жил художник Нью-Йорк, Америка
Художественные направления Минимализм, концептуальное искусство
Наиболее известные работы Настенный рисунок №16 (1969)

Настенный рисунок № 439 (1985)

Американский скульптор, художник и писатель Соломон «Сол» ЛеВитт, считающийся лидером концептуального движения, способствовал развитию движения минимализма в послевоенном американском искусстве. Получив известность в конце 1960-х годов благодаря своим культовым настенным рисункам и современным абстрактным скульптурам, ЛеВитт продолжил экспериментировать с широким спектром средств массовой информации, включая живопись, рисунок, гравюру и фотографию. С 1965 года он стал объектом бесчисленных персональных выставок по всему миру.

ЛеВитт считал, что художник существует как создатель идей, и это мышление оказалось невероятно важным при переходе от эпохи модерна к эпохе постмодерна.

ЛеВитт также считал, что идея сама по себе может сформировать произведение искусства, а это значит, что художник может задумать идею и при этом полностью владеть произведением, прежде чем передать фактическое производство кому-то другому. Наиболее известны его настенные рисунки с геометрическими узорами, полученными из набора инструкций, а по мере развития карьеры он перешел к концептуальным произведениям.

Большинство работ ЛеВитта состояли из основных линий, цветов и упрощенных форм, которые использовались на основе определенных математических и архитектурных спецификаций.

ЛеВитт также рассматривал направления для производства искусства как сами произведения, что означало, что произведениям больше не требуется фактическое материальное присутствие, чтобы рассматриваться как «искусство». Несмотря на то, что ЛеВитт был одним из самых известных американских скульпторов-новаторов и уважаемых постмодернистов, он ненавидел любую публичность и звездность, регулярно отказываясь от наград и избегая интервью.

Настенный рисунок № 439 (1985)

Дата написания 1985
Медиум Цветная тушь
Размеры Неизвестно
Где в настоящее время находится Массачусетский музей современного искусства, Америка

На протяжении всей карьеры ЛеВитта его серии настенных рисунков оказывались самыми популярными произведениями искусства. Настенный рисунок № 439 продемонстрировал смелое использование цвета и треугольных форм на плоской плоскости, что создало более полную и трехмерную форму для зрителя. В этом минималистском рисунке, как и во многих других, ЛеВитт стремился установить прочную связь между стилями минимализма и концептуального искусства.

Это можно увидеть через использование ярких цветов, окрашенных в геометрические формы и размещенных на стене.

Используя цветные чернильные смывки, которые наслаивались друг на друга, ЛеВитт создал асимметричную пирамиду, состоящую из нескольких разноцветных граней. Возможно, под влиянием поездки в Италию, настенный рисунок № 439 был вдохновлен эффектом фрески, который можно увидеть при ближайшем рассмотрении. Глубина создается нисходящими треугольными фрагментами, которые притягивают взгляд зрителей, создавая обман единства, несмотря на то, что они нарисованы на плоской стене.

Джо Баер (1929 — настоящее время)

Национальность Американец
Где жил художник Сиэтл, Америка; Амстердам, Нидерланды
Художественные направления Минимализм
Наиболее известные работы Без названия (1966 — 1974)

Станции спектра (первичные) (1967 — 1969)

Еще одна важная женщина-минималист, вышедшая из Америки, — Жозефина «Джо» Баер, известная своим большим вкладом в движение минимализма. Изначально изучавшая психологию, Баер обратила свое внимание на искусство и решила сделать из него полноценную карьеру. В 1950-х годах Баер начала работать в живописной манере, которая была вдохновлена стилем абстрактных экспрессионистов, а также получила дополнительный импульс от пребывания в Лос-Анджелесе. Только в середине 1960-х годов она начала выставлять свои работы на выставках современного искусства.

Вернувшись в Нью-Йорк, Баер перешла к своему стилю абстракции, который подчеркивал жесткие края и кажущуюся пустоту холстов. Поэтому неудивительно, что ее работы привлекли внимание группы минималистов, поскольку в ее картинах отсутствовали все возможные живописные повествования.

Четко прорисованные работы Баер 1960-х годов остаются наиболее узнаваемыми, поскольку они в основном состоят из основного чистого холста, обрамленного полосой, похожей на нарисованную рамку.

Женщины-художники минимализма

Джо Баер в своей студии, Амстердам, 2014; Billiesavage, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ее работы 1960-х годов обычно выставлялись в виде диптихов или висели у пола, чтобы подчеркнуть их большую телесность. Благодаря выраженной «пустоте» в ее работах, они рассматривались как работы минималистов, помимо того, что они указывают на все виды структурных отношений над предметом.

К 1975 году Баер полностью отказалась от абстрактной живописи и начала фокусироваться на типе «радикальной фигурации», в которой она соединяла образы, символы, слова и фразы в мечтательной и причудливой манере.

Станции спектра (первичные) (1967 — 1969)

Дата написания 1967 — 1969
Медиум Масляная краска и дамарская смола на трех холстах
Размеры 183,5 см x 182,9 см (все три холста)
Где в настоящее время находится Тейт Модерн, Великобритания

Stations of the Spectrum (Primary), состоящая из трех одинаковых по размеру холстов, которые были заготовлены и вставлены в рамку, первоначально была триптихом, а затем были добавлены еще три панели, чтобы сделать ее произведением, состоящим из шести частей. Как и все другие картины Баера этого времени, прямоугольные панели в этой работе были ограничены очень простым и симметричным форматом. Границей каждой панели служит обычная черная полоса, что делает их неотличимыми друг от друга невооруженным глазом.

Однако если присмотреться, то можно заметить тонкую разницу между тремя панелями.

Каждое полотно отличалось тонкой линией другого цвета, которая шла параллельно черной границе. Как подсказывает термин «первичный» в названии, цветные линии состояли из синего, зеленого и красного цветов, которые известны как первичные цвета в световом спектре. Расположение этих цветов было целенаправленным, поскольку в определенные моменты и на определенных расстояниях их различия будут заметны периферийным зрением зрителя.

Фрэнк Стелла (1936 — настоящее время)

Национальность Американец
Где жил художник Массачусетс, Америка
Художественные направления Минимализм, Модернизм, Абстрактный экспрессионизм, Геометрическая абстракция, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция, Жесткая живопись, Живопись на холсте в форме фигур, Живопись цветового поля
Наиболее известные работы

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из самых известных художников-минималистов. Экспериментируя не только в минимализме, но и в других художественных стилях, Стелла быстро прославился в 1959 году благодаря своему уникальному минималистскому подходу к живописи абстрактного экспрессионизма. Создав серию безличных картин в черную полоску, которые шли вразрез с общительной кистью и экзистенциальным страхом, связанным с движением абстрактного экспрессионизма, Стелла сразу же получил признание как художник-новатор.

Сосредоточившись на формальных элементах творчества, Стелла создавал все более сложные работы, которые следовали естественной прогрессии сложности, жизненности, тактильности и размера.

Он расширил свою монохроматическую цветовую палитру, включив в нее более яркие цвета, и в конечном итоге перешел к созданию картин, в которые были включены нехудожественные элементы, намекающие на трехмерность. Это привело к созданию сложных отдельно стоящих скульптур, а работы Стеллы повлияли на развитие минимализма и живописи Color Field.

Открыв студию в Нью-Йорке, Стелла мгновенно привлек к себе внимание. Его методы живописи, сосредоточенные на основных элементах цвета, формы, формы и композиции, значительно отличались от предыдущего стиля искусства и помогли определить зарождающееся движение минимализма. По мнению Стеллы, картина — это не что иное, как плоская поверхность с нанесенной на нее краской, что раскрывает его взгляд на искусство как на самостоятельную сущность.

Один из самых молодых художников, ретроспектива которого прошла в MoMA, Стелла и сегодня остается одним из самых инновационных художников.

Брак разума и убожества, II (1959)

Дата написания 1959
Медиум Эмаль на холсте
Размеры 230,5 см 337,2 см
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

В возрасте всего 23 лет Стелла получил большое признание критиков за серию «Черных картин», которые он создал в 1958-1960 годах. Эта серия работ состояла из прямых полос черной краски, которые располагались в четких, но монотонных узорах. К этой серии относится «Брак разума и убожества, II», где Стелла нарисовал черные панели с тонкими перевернутыми и параллельными линиями в форме буквы «U».

Создавая геометрический узор, толстые черные полосы разделены лишь тонкими линиями белой краски.

При просмотре картины отсутствие различных контуров и выразительная кисть заставляют зрителей воспринимать ее как плоскую поверхность, а не как картину. Хотя параллельные линии создают иллюзорную трехмерность пространства, абсолютная простота и пустота холста придают картине очень безличное ощущение. Отсутствие эмоций, а также повторное использование геометрической формы делает «Брак разума и убожества» II прекрасным примером минимального искусства, поскольку оно придерживается его основных черт.

Роберт Мангольд (1937 — настоящее время)

Национальность Американец
Где жил художник Нью-Йорк, Америка
Художественные направления Минимализм
Наиболее известные работы Круг в многоугольнике и вне его 2 (1973)

Картина в четырехцветной раме №5 (1984)

Одним из менее известных художников, связанных с движением Минимализм, является американский художник Роберт Мангольд. Однако он был активным участником этого стиля с момента его зарождения и пользуется большим уважением среди других художников-минималистов. Нанявшись вместе с художником Солом ЛеВиттом в качестве охранника в Музей современного искусства в Нью-Йорке, Мангольд прославился после участия в серии популярных выставок живописи минимализма, проходивших в 1960-е годы.

Как и другие известные художники-минималисты, картины Мэнголда отличались более яркой и смелой цветовой палитрой, что в конечном итоге привело к развитию постминимализма в следующем десятилетии.

Художники минимализма

Портрет Роберта Мангольда, художника-минималиста, 2013; Сильвия Мангольд, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Хотя его считают художником-минималистом, работы Мангольда, как правило, существуют на границе между живописными и скульптурными формами. Используя техники наслоения, разделения и смешивания, работы Мангольда подчеркивают присутствие формы через окрашенные поверхности, а также создают тонкие скульптурные эффекты.

Мангольд известен своей способностью говорить с ясностью и откровенностью при обсуждении своей художественной практики.

Его картины считаются истинно минималистскими, поскольку отсутствие в них специфических процессов, характерных для среды, является ключевой особенностью этого движения. Если его ранние работы были выполнены в более бледных и монохроматических тонах, то в 1980-х годах он перешел к более ярким и смелым цветовым сочетаниям. В какой-то мере это было связано с зарождающимся цифровым пространством, которое сильно повлияло на новые цвета и формы.

Структура колонн XXII (2008)

Дата написания 2008
Медиум Акрил, графит и черный карандаш на холсте
Размеры 304,8 см x 243,8 см
Где в настоящее время находится Художественная галерея Альберта Кнокса, Нью-Йорк

Поскольку он продолжает работать как художник и сегодня, многие из последних работ Мангольда содержат элементы минимализма. Спустя 40 лет после того, как он начал играть с фигурными и геометрическими полотнами, Мэнголд продемонстрировал, что он все еще может создавать столь же интригующие работы, несмотря на то, что прошло столько времени. Картина «Структура колонн XXII» состоит из видоизмененных колонн, соединенных в неправильный крест.

Форма этой картины явно отсылает к христианской иконографии и супрематической композиции Казимира Малевича.

При создании этой картины Мангольд соединил вместе несколько холстов, чтобы получился крест. Как и многие другие его работы, «Структура колонны XXII» намекает на некоторые архитектурные и структурные концепции, несмотря на то, что в основном воспринимается как картина. Рассматривая крест, можно почувствовать напряжение благодаря взаимодействию линий, которые изгибаются вместе с формой. Эти линии разделяют крест на сетки, причем Мангольд усложняет математическую однородность захвата, вводя кривые, а не прямые линии.

Мэри Оберинг (1937 — настоящее время)

Национальность Американец
Где жил художник Луизиана, Америка
Художественные направления Минимализм, Абстрактное искусство
Наиболее известные работы Огненный водопад (1975)

Без названия III (1986)

При рассмотрении списка художников-минималистов часто упускают из виду американскую художницу Мэри Оберинг. Создавая очень похожие на сетку изображения, состоящие из монохроматических и геометрических форм, Оберинг сочетает определенные минималистские концепции с традиционными материалами, такими как яичная темпера и сусальное золото.

Получив степень бакалавра в области экспериментальной психологии и степень магистра в области поведенческих наук, Оберинг начала экспериментировать с искусством только в начале 1970-х годов после посещения Италии и знакомства с художником Карлом Андре.

Переехав в Нью-Йорк в 1972 году, Оберинг купила себе студию и полностью влилась в арт-сцену, где живет и работает по сей день. Ее ранние работы, которые, как считается, были вдохновлены Фрэнком Стеллой, состоят из фигурных панелей, сочетающих элементы живописи и скульптуры.

Это придало ее картинам очень жесткий тип абстракции, а точно выписанные квадраты и прямоугольники добавляют однородности и тщательности ее работам.

Оберинг заявила, что ее стиль живописи вдохновлен старыми мастерами в Италии, где она провела много времени. Это видно по использованию в ее работах насыщенных и многослойных пигментов, яичной темперы, грунтованных панелей и сусального золота. Хотя эти аспекты идут вразрез со строгой философией минимализма, Оберинг утвердилась в качестве твердого члена группы, работая в кругу, который считался передовым краем движения минимализма в 1970-х годах. Скрупулезная структура ее работ также добавляет ощущение минимализма.

Огненный водопад (1975)

Дата написания 1975
Медиум Акрил на холсте
Размеры 167,6 см x 335,3 см
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

Во всех картинах, которые Оберинг создавала на протяжении своей карьеры, она всегда сохраняла твердое чувство пышного цвета, который иногда считался максималистским, а иногда минималистским. В работе «Огнепад» Оберинг создала очень структурированное впечатление обрезанного квадрата, который был помещен на прямоугольник через две параллельные линии розового цвета.

Поскольку одна линия длиннее другой, можно увидеть намек на тень, что демонстрирует красный цвет.

Благодаря включению формы, которая как будто соскальзывает с прямоугольного холста, а также ее легкой тени, Оберинг смогла объединить в этом произведении элементы живописи и скульптуры, поскольку при рассмотрении композиции создается эффект трехмерности. Использование насыщенных цветов в зеленых, розовых и красных тонах придает картине роскошь.

Движение минимализма оказалось очень инновационным стилем искусства, поскольку оно сильно отличалось от предыдущего движения абстрактного экспрессионизма. Ознакомившись с 10 самыми известными художниками-минималистами, можно с уверенностью сказать, что об этом стиле можно узнать гораздо больше, как и о других не менее известных художниках, которые не всегда попадают в этот список. Если вам понравилось читать об этих художниках, мы рекомендуем вам также ознакомиться с нашей статьей об искусстве минимализма и углубить свои знания об этом направлении.

Часто задаваемые вопросы

Что представляло собой художественное движение минимализма?

Развиваясь в Соединенных Штатах, минимализм взорвался на художественной сцене в 1960-х годах. Художники, экспериментировавшие с этим новым стилем, создавали картины и скульптуры, состоящие из простых геометрических форм, таких как прямоугольники и квадраты. Произведения искусства минималистов демонстрировали признание таких качеств, как честность, структура, простота и баланс.

Кто был самым известным художником-минималистом?

Поскольку минимализм быстро развивался в 1960-х и 1970-х годах, несколько известных художников считались первопроходцами в развитии этого движения. Среди них Агнес Мартин, Сол ЛеВитт, Дэн Флавин, Дональд Джадд, Карл Андре и другие. Как правило, первым художником-минималистом считается Фрэнк Стелла, который начал создавать свои культовые картины в полоску уже в конце 1950-х годов.

  Как нарисовать бабуина - поэтапное обучение реалистичному рисованию бабуина
Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector