Просуществовав более трех веков, эпоха Возрождения стала одним из самых популярных направлений искусства в Европе. Воспринимая его как возрождение классического образования и мудрости, многие художники создавали картины и скульптуры в типичном стиле эпохи Возрождения. Это привело к тому, что бесчисленные произведения искусства этой эпохи изучаются в истории искусства, так как работы эпохи Возрождения оказались невероятно влиятельными. Некоторые из самых знаменитых картин, когда-либо созданных, относятся к эпохе Возрождения, что свидетельствует о непреходящем значении этого движения.
Оглавление
За что выступало художественное движение эпохи Возрождения?
В период с 14-го по 17-й век в европейском искусстве доминировало движение эпохи Возрождения, которое оказало влияние на многие сферы жизни общества. Различные аспекты, помимо искусства, такие как религия, литература и политика, продемонстрировали заметные изменения в эпоху Возрождения, что доказывает важность этого движения. Благодаря возрождению греческой и римской художественной техники, многие художники стали создавать поистине великолепные скульптуры и картины.
Начавшись как культурное движение в Италии, Ренессанс быстро распространился на большую часть Европы.
Поскольку эпоха Возрождения длилась около 300 лет, созданные картины ознаменовали собой период революции в искусстве, равного которому еще не было. Многими из этих произведений искусства восхищаются и сегодня, а некоторые знаменитые картины эпохи Возрождения считаются вершиной традиционного искусства. Искусство Ренессанса доказало свою способность выдержать суровое испытание временем, что еще больше говорит о его долговечности.
Поскольку многие работы были заказаны католической церковью, многие из самых знаковых картин эпохи Возрождения были выполнены в форме фресок. Это объясняется тем, что в то время страна считалась центром католической церкви, а фресковые росписи на потолках должны были устремлять взоры зрителей в небеса. Большинство этих знаменитых произведений искусства эпохи Возрождения и сегодня находятся в хорошем состоянии и украшают интерьеры лучших итальянских церквей и соборов.
Эпоха Возрождения сыграла решающую роль в том, что Европа вышла из Темных веков и вступила в современную эпоху просвещения.
В этот золотой век концепция живописи сделала большой скачок вперед в плане материалов и техники, а точное анатомическое изображение человеческой формы и линейная перспектива стали основными направлениями. Возникла философия гуманизма, которая заставила художников обратиться к технике античности. Это позволило им честно представить в своих произведениях универсального человека и его место в мире.
Флагелляция Христа» (1460) Пьеро делла Франческа, демонстрирующая многие характеристики искусства Ренессанса, такие как линейная перспектива и использование света и тени; Пьеро делла Франческа, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Отход от идеализированной религиозной иконографии, ставшей известной в эпоху Средневековья и продолжавшийся до начала Ренессанса, позволил создать новые изображения небесных сюжетов в сочетании с более богатой и человеческой эмоциональностью.
Художники эпохи Возрождения разработали и усовершенствовали множество техник, которые позволили им создать чрезвычайную глубину, точность и правильные пропорции фигур в своих картинах и скульптурах. Это возвысило созданные произведения искусства, поскольку зрителям были представлены более достоверные и подлинные сцены.
15 самых известных картин эпохи Возрождения
Ренессанс, как самое знаковое направление в искусстве, породил множество выдающихся картин, которые нашли свое отражение в современной поп-культуре. Несмотря на то, что многие художники способствовали развитию эпохи Возрождения, лишь некоторые из них заслуживают особой похвалы и памяти за свой вклад.
Хотя приведенный ниже список не является исчерпывающим, мы рассмотрим наиболее уважаемые и знаменитые картины, созданные в эпоху Возрождения.
Поцелуй Иуды (1306) Джотто
| Художник | Джотто |
| Дата написания | 1306 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 200 см x 185 см |
| Где находится в настоящее время | Капелла Скровеньи (Арена), Падуя, Италия |
Написанная итальянским художником и архитектором Джотто ди Бондоне в 1306 году, фреска «Поцелуй Иуды» стала источником вдохновения для бесчисленных художников, появившихся после ее создания. Изображая момент предательства Иисуса Иудой, это произведение искусства также часто называют «Предательством Христа». Согласно Библии, этот обман Иуды произошел вскоре после Тайной вечери, когда он опознал Христа через поцелуй, а затем оповестил об этом римских солдат.
Как только Иисус был опознан, его арестовали и позже казнили. Поцелуй Иуды представлял собой важный момент в христианстве, и именно это событие стало основой для фразы «поцелуй Иуды». Действие происходит в Гефсиманском саду, Джотто написал вечернюю сцену, которая еще больше подчеркивает драматизм картины.
Разместив бесчисленные фигуры на заднем плане композиции, он создал ощущение всепоглощающей уверенности в приближающейся смерти Христа.
№ 31 Сцены из жизни Христа : 15. Арест Христа (Поцелуй Иуды) (1304-1306) Джотто ди Бондоне. Капелла Скровеньи, Падуя, Италия; Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Написанная в капелле Скровеньи в Италии в рамках цикла фресок, картина Джотто смогла изобразить поистине конфронтационную и очень эмоциональную сцену. Поцелуй Иуды» оказался самой популярной и востребованной фреской из группы картин Джотто, что заставило многих критиков заявить, что ни один другой художник не смог бы превзойти качество его работ. Мастерство Джотто как художника стало еще более очевидным в этом произведении, поскольку он смог мастерски передать выражение лиц Иуды и Иисуса без каких-либо слов.
Еще одна причина, по которой «Поцелуй Иуды» является таким знаковым произведением искусства, заключается в том, что он, как считается, ознаменовал конец привычного и обычного средневекового стиля живописи. Считалось, что его появление на художественной сцене возвестило о начале новой волны художественной революции, известной как Раннее Возрождение. На момент своего создания «Поцелуй Иуды» и другие фрески, входящие в эту группу, считались самыми современными произведениями искусства, созданными любым художником.
Эта картина действительно установила стандарт для нового движения Ренессанса и его художников.
Благовещение (ок. 1472 — 1475 гг.) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата написания | c. 1472 — 1475 |
| Средство | Масло и темпера на панели |
| Размеры | 98 см x 217 см |
| Где находится в настоящее время | Галерея Уффици, Флоренция, Италия |
Возможно, величайшим художником эпохи Возрождения был Леонардо да Винчи, которого все считали квинтэссенцией «человека Возрождения». Одной из его выдающихся работ, написанных примерно в 1472-1475 годах, было «Благовещение». Написанное в возрасте 20 лет, это произведение искусства демонстрировало определенные характеристики и черты, которые еще не считались «леонардовскими» по сравнению с его более поздними работами.
На этой картине да Винчи изобразил ангела с левой стороны и Деву Марию с правой, а между ними — кафедру.
В замкнутом саду перед дворцом эпохи Возрождения архангел Гавриил стоит на коленях перед Девой Марией и преподносит ей лилию. Несмотря на это действие, Дева Мария остается в достойной позе за пюпитром, где она, по-видимому, читает. Ангела, который изображен великолепно молодым с высоким лбом, изящными крыльями и роскошной одеждой, встречает изумленное выражение лица Марии, которое еще больше подчеркивается ее поднятой рукой. Ее позу также описывают как сильную, что подчеркивает ее монументальность.
Благовещение (ок. 1472-1475), Леонардо да Винчи, Музей Уффици; Леонардо да Винчи, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Композиция «Благовещения» следовала вековой модели, где ангел располагается слева, а Богородица — справа, и их разделяет пюпитр. Затем, как правило, открывается обширный пейзаж, как на заднем плане этой работы. Да Винчи работал с этой традиционной и религиозной темой в очень земной и естественной манере, о чем свидетельствует ангел. Его тень, которая видна на траве, а также реалистичные складки одежды придают ему реальную основательность.
Считается, что это относительно молодая работа да Винчи, очень мало известно о ее первоначальном местонахождении или о том, кто заказал ее.
Аспектом, который неизбежно связывает эту работу с да Винчи, является традиционное использование темных цветов, которые были смешаны, что было фирменным знаком в большинстве других работ да Винчи. В «Благовещении» можно найти некоторые аномалии, например, необычно длинную правую руку Богородицы. Однако это объясняется юным возрастом да Винчи, когда он создавал эту работу, так как в дальнейшем он овладел многими техниками.
Оплакивание Христа (ок. 1475 — 1501) Андреа Мантенья
| Художник | Андреа Мантенья |
| Дата написания | c.1475 — 1501 |
| Средство | Темпера на холсте |
| Размеры | 68 см x 81 см |
| Где находится в настоящее время | Пинакотека ди Брера, Милан, Италия |
Картина «Оплакивание Христа», написанная итальянским художником Андреа Мантеньи в период между 1475 и 1501 годами, является известным произведением эпохи Возрождения. Известная также как «Оплакивание мертвого Христа» или «Мертвый Христос», эта картина изображает тело Христа, лежащего лицом вверх на мраморном столе. Слева от него на него смотрят Дева Мария, Святой Иоанн и Святая Мария Магдалина, которые скорбят о его смерти.
Тема оплакивания оказалась популярной в эпоху Возрождения, однако Мантенья изобразил Христа довольно необычно для того времени.
Большинство других картин «Плач» обычно показывали больше контакта между телом Христа и самими скорбящими, в то время как в «Плаче Христа» Мантеньи подчеркивается дистанция между этими двумя субъектами. Несмотря на это, картина Мантеньи представляет собой болезненное исследование искаженного тела в чрезвычайно эмоциональном представлении библейской трагедии.
Оплакивание мертвого Христа (1490), Андреа Мантенья; Андреа Мантенья, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Реалистичность и разрушительность этой сцены были усилены благодаря сильной перспективе Мантеньи, которую он использовал, чтобы преувеличить и увеличить лежащего Христа. Кроме того, он подчеркнул некоторые анатомические детали Христа, например, его грудную клетку, а также изобразил дыры в его руках и ногах и помятые лица скорбящих в невероятно жестком свете.
Это было сделано для того, чтобы свести к минимуму любую форму идеализма, поскольку Мантенья стремился создать произведение искусства, способное полностью передать остроту, сопровождающую смерть Христа.
Считалось, что «Оплакивание Христа» было создано для погребальной капеллы самого Мантеньи, так как оно было найдено его сыновьями только после его смерти. Однако вскоре картина была продана для погашения оставшегося долга, а затем попала в миланскую галерею Пинакотека ди Брера. Это произведение искусства является одним из многочисленных примеров мастерства Мантеньи в области перспективы, о чем свидетельствует размер ног Христа. Хотя тело Христа было изображено реалистично, Мантенья был вынужден искусно уменьшить его ступни, чтобы они не доминировали над композицией.
Примавера (1477 — 1482) Сандро Боттичелли
| Художник | Сандро Боттичелли |
| Дата написания | 1477 — 1482 |
| Средство | Темпера на панели |
| Размеры | 202 см x 314 см |
| Где находится в настоящее время | Галерея Уффици, Флоренция, Италия |
Известный итальянский художник Сандро Боттичелли за свою карьеру создал несколько знаковых картин эпохи Возрождения. Картина «Примавера», написанная между 1477 и 1482 годами, изображает полностью мифологическую сцену и считается одной из самых известных картин в западном искусстве. Картина, название которой с итальянского переводится как «весна», на протяжении многих лет также называлась «Аллегория весны». На этой картине Боттичелли изобразил ряд фигур, встречающихся в классической мифологии, и поместил их в лесу.
Однако, что сделало эту картину такой захватывающей, так это то, что Боттичелли решил представить различные мифологические фигуры в определенном расположении исключительно в эстетических целях.
В связи с этим «Примавера» не следовала реальному повествованию, так как при просмотре работы не было видно никакой конкретной истории. Как вдохновение Боттичелли, так и цель написания этой работы остаются неизвестными и по сей день. Загадочность «Примаверы» стала дополнительным фактором привлекательности этого произведения искусства, поскольку существует множество различных его интерпретаций.
La Primavera (Весна) (ок. 1480), Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рассматриваемая как яркий пример знаменитого искусства эпохи Возрождения, картина «Примавера», как правило, считается аллегорией на сезон весны, несмотря на отсутствие доказательств, подтверждающих это. Центральную фигуру Венеры, богини любви и желания, можно увидеть с тремя грациями, танцующими рядом с ней слева. Изображены и другие богини, например, Хлорис справа, за которой следует фигура Западного ветра, а затем она превращается в богиню Флору. Бог-посланник Меркурий также изображен в крайней левой части, а Купидон парит над Венерой.
Несмотря на то, что на картине изображены некоторые узнаваемые фигуры, среди искусствоведов и ученых было много споров о ее истинном значении.
Это привело к тому, что работа Боттичелли считается одной из самых обсуждаемых и противоречивых картин в мире из-за множества различных объяснений, которые могут быть приложены к этой сцене. Кроме того, «Примавера» упоминается как один из самых ранних примеров в западной постклассической живописи, изображающий нерелигиозную сцену, что, помимо яркого цвета, было весьма необычно для того времени.
Поклонение волхвов (1481) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата написания | 1481 |
| Средство | масло на дереве |
| Размеры | 246 см x 243 см |
| Где находится в настоящее время | Галерея Уффици, Флоренция, Италия |
Другим известным произведением искусства эпохи Возрождения, созданным Леонардо да Винчи, было «Поклонение волхвов», которое он написал в 1481 году. Да Винчи получил заказ на эту работу от августинских монахов Сан-Донато в Скопето, Флоренция, но в итоге оставил картину незавершенной, когда через год переехал в Милан. Несмотря на незавершенность, «Поклонение волхвов» считается великим произведением, отличающимся концептуальной и формальной сложностью.
С 1670 года картина хранилась в галерее Уффици во Флоренции, где ее можно увидеть и сегодня.
Да Винчи изобразил Деву Марию с младенцем на переднем плане своей композиции. Поместив волхвов, стоящих на коленях в знак поклонения, справа от них, он смог сформировать треугольную форму, которую дополнили сопровождающие фигуры, окружающие этих двоих. Некоторые критики утверждают, что да Винчи включил в картину автопортрет своего молодого «я», о чем свидетельствует фигура крайнего справа. Среди других объектов, которые можно увидеть, были руины языческого здания, которое находилось в процессе ремонта.
Незаконченная картина Леонардо да Винчи «Поклонение волхвов» (1480-1482); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Считалось, что это здание может быть отсылкой к базилике Максенция. Согласно старой средневековой легенде, римляне заявили, что здание будет стоять до тех пор, пока девственница не родит ребенка. Таким образом, здание якобы обрушилось в ночь, когда родился Христос. Несмотря на то, что реальное здание не существовало до гораздо более позднего времени, да Винчи включил подготовительный рисунок руин в картину «Поклонение волхвов». Считается, что большая пальма в центре работы — это еще одна ссылка на Деву Марию, которая сидела под ней.
«Поклонение волхвов», возможно, является одной из самых необычных, новаторских картин да Винчи.
Объединив зрителей с вооруженными всадниками, виднеющимися на заднем плане, да Винчи смог превратить обычный и распространенный библейский сюжет в сцену, которая может быть взята из истории человечества. Хотя считается, что эта картина отличается чрезвычайной силой, в 2011 году она была отправлена на реставрационные работы. Шесть лет спустя «Поклонение волхвов» предстало перед нами гораздо более чистым и ярким произведением искусства по сравнению с тем, каким оно было изначально.
Рождение Венеры (1485 — 1486) Сандро Боттичелли
| Художник | Сандро Боттичелли |
| Дата написания | 1485 — 1486 |
| Средство | Темпера на холсте |
| Размеры | 172,5 см x 278,9 см |
| Где находится в настоящее время | Галерея Уффици, Флоренция, Италия |
Возможно, одной из самых известных картин эпохи Возрождения, появившихся в результате этого движения, было «Рождение Венеры», которое также стало самой значительной картиной, созданной Сандро Боттичелли. Картина «Рождение Венеры», написанная между 1485 и 1486 годами, предположительно была заказана семьей Медичи для одной из стен их спальни.
Как и другая его картина, «Примавера», это произведение Боттичелли считалось революционным за изображение нерелигиозной сцены из классической мифологии в таком большом масштабе.
В своей композиции Боттичелли изобразил римскую богиню Венеру, поднимающуюся из моря и прибывающую на берег Кипра в морской раковине. Полностью взрослая и полностью обнаженная, Венера предстает перед нами как чистая и зрелая женщина, которая деликатно уложила свои эротически заряженные волосы на тело, чтобы подчеркнуть свою скромность и смирение. Поскольку «Рождение Венеры» было создано в то время, когда обнаженные сюжеты становились обычным явлением в живописи, Боттичелли уделил большое внимание изображению Венеры, так как постарался правильно передать каждую деталь.
Рождение Венеры (ок. 1485), Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Венера размером почти с жизнь оказалась весьма спорной, поскольку обнаженные сюжеты такого масштаба были почти неслыханны в западной живописи того времени. Поза Венеры прославляла классическое греко-римское искусство, поэтому ее поза была отнесена к классическим скульптурам того времени. Однако Боттичелли преувеличил ее фигуру до такой степени, что она стала анатомически невозможной, что усилило скептицизм вокруг этой работы.
Было предложено множество интерпретаций этой картины, причем наиболее популярный анализ полагает, что Боттичелли представлял неоплатоническую идею божественной любви через Венеру. После его смерти репутация Боттичелли начала падать, вместе с престижем «Рождения Венеры». Тем не менее, его значение возродилось в конце 19 века, когда эта картина приобрела мировую известность.
Будучи одним из лучших произведений Боттичелли эпохи Возрождения, эта картина с тех пор остается одной из самых сокровенных картин во всей истории.
Сад земных наслаждений (ок. 1490 — 1510) Иеронима Босха
| Художник | Иероним Босх |
| Дата написания | c. 1490 — 1510 |
| Средство | Масло на дубовых панелях |
| Размеры | 205,5 см x 384,9 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Прадо, Мадрид |
Искусство триптихов эпохи Возрождения оставалось популярной формой живописи на протяжении всего периода движения, при этом один художник особенно выделялся своими замечательными работами. Голландский художник Иероним Босх запомнился своими сильными повествовательными панно, самым известным произведением которого является «Сад земных наслаждений».
Картина была написана где-то между 1490 и 1510 годами, однако точной даты создания этого великого произведения искусства не существует.
Сад земных наслаждений (между 1490 и 1500 гг.) Иеронима Босха; Иероним Босх, общественное достояние, через Wikimedia Commons
О новаторском шедевре Босха известно немного, за исключением того, что его спонсором был Энгельберт II Нассауский из Брюсселя. Как наиболее успешное и выдающееся из его произведений, «Сад земных наслаждений» считался алтарной картиной и состоял из трех внутренних частей, которые должны были читаться слева направо.
Каждая панель была невероятно важна для общего смысла работы Босха, поскольку на них изображался Эдемский сад, перетекающий в Ад, представленный третьей панелью.
На первой панели истинное происхождение «Сада земных наслаждений» можно увидеть через изображение Бога, Адама и Евы в правом нижнем углу. Однако центральная панель оказалась наиболее значимой при просмотре картины. Здесь Босх проиллюстрировал рост как Эдемского сада, так и человечества, поскольку различные фигуры можно увидеть в экстатической манере взаимодействующими друг с другом. Окруженная необычными существами, животными и фруктами, эта панель, как говорят, представляет момент перед изгнанием человека из рая.
Деталь центральной панели картины «Сад земных наслаждений» (между 1490 и 1500 гг.) Иеронима Босха; Иероним Босх, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Самозабвенные действия фигур в центре считались тизером того, что может последовать за ними, а именно — изображением Страшного суда на последней панели. На протяжении истории эта картина интерпретировалась как дидактическое предостережение об опасности жизненных искушений, а также о жизни человечества после грехопадения. Различные интерпретации картины «Райский сад» раскрывают ее сложный символизм, при этом многие искусствоведы по-прежнему расходятся во мнениях, является ли она истинным моральным предупреждением или сценой утраченной утопии.
Тайная вечеря (1495 — 1498) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата написания | 1495 — 1498 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 700 см x 880 см |
| Где находится в настоящее время | Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Италия |
Еще одно знаменитое произведение искусства эпохи Возрождения Леонардо да Винчи — «Тайная вечеря», которая была написана в 1495-1498 годах. Считается лучшим произведением да Винчи, оно было заказано герцогом Милана для трапезной миланского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, где его можно увидеть и сегодня. Как и многие другие известные картины эпохи Возрождения, «Тайная вечеря» представляет собой религиозную сцену, изображающую последний ужин Иисуса с двенадцатью апостолами.
В «Тайной вечере» да Винчи продемонстрировал мастерство реалистического изображения, поскольку ему удалось точно передать недоумение и растерянность сидящих за столом, когда Иисус объявил, что один из них предаст его. На одной из самых узнаваемых в мире картин Христос изображен в центре, а по обе стороны от него стоят его ученики.
Однако в этой работе да Винчи отошел от традиций, поскольку изобразил Иуду отдельно от группы, решив передать его предательство, поместив его в тени.
Тайная вечеря (1495-1498) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Детальное знание да Винчи анатомии и света было точно представлено в этой работе, так как «Тайная вечеря» была отмечена за умное использование этих элементов в дополнение к цвету. Треугольная форма в центре работы, в центре которой находится Иисус, была предметом долгих споров на протяжении многих лет.
Многие искусствоведы задавались вопросом о возможном значении буквы «V», оставленной между Иисусом и ученицей справа от него, которую считают Марией Магдалиной, но конкретных объяснений этому не существует.
Длинный прямоугольный стол, за которым сидит группа, служит границей между зрителями и зрителями, находящимися в этот невероятно священный момент. Включив стены по обе стороны, да Винчи еще больше подчеркнул важность центральной сцены, сосредоточив внимание зрителей на Иисусе в центре. Кроме того, использование линейной перспективы придало «Тайной вечере» мощную и драматическую атмосферу, благодаря чему она стала одним из самых почитаемых и известных произведений искусства всех времен.
Мона Лиза (ок. 1503 — 1506 гг.) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата написания | c. 1503 — 1506 |
| Средство | Масло на панели из тополя |
| Размеры | 77 см x 53 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
За свою карьеру Леонардо да Винчи создал множество знаменитых картин эпохи Возрождения. Однако его «Мона Лиза», которую он написал где-то между 1503 и 1506 годами, уже давно считается самым известным произведением западного искусства. Существующая в половину роста портрета, субъектом на картине была Лиза Герардини, чей богатый муж заказал ей эту работу. Сегодня «Мона Лиза» принадлежит французам, и ее можно увидеть в музее Лувр в Париже, где она ежегодно привлекает миллионы зрителей.
Прославленная как самая известная и самая посещаемая картина в мире, Мона Лиза, несомненно, является самой обсуждаемой картиной в истории, и все из-за ее загадочной и таинственной улыбки. Улыбка Моны Лизы вызывает много споров, так как существует много разногласий по поводу того, улыбается ли она на самом деле или нет.
Главная особенность этой картины — ее глаза, так как да Винчи изобразил их таким образом, что даже когда вы отходите от работы или встаете под другим углом, чтобы посмотреть на нее, ее глаза, кажется, всегда следуют за вами.
Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503-1506) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мона Лиза также называется «ла Джоконда», что в переводе с итальянского означает «счастливая» или «веселая». Отчасти из-за ее неуловимой улыбки да Винчи всегда рассматривал эту картину как незавершенное произведение, поскольку каждый раз, работая над ней, он стремился к совершенству. Многие историки считают, что именно благодаря его стремлению к совершенству ее улыбка оказалась самой пленительной из всех, когда-либо встречавшихся на портретах.
Из-за того, как да Винчи относился к «Моне Лизе», он так и не передал ее заказчику и хранил ее у себя до самой смерти.
Композиция фигуры Моны Лизы, созданная да Винчи, была воспринята как радикальная трансформация по сравнению с обычными женскими портретами того времени. В работе да Винчи намеренно оставил без внимания любые украшения и декоративные элементы, которые могли бы подчеркнуть ее социальный статус, чтобы полностью сосредоточиться на ее личности. На протяжении истории Мона Лиза стала настолько знаменитой, что на нее ссылались и подражали ей огромное количество раз в других произведениях искусства и поп-культуры, в частности, в «L.H.O.O. Q» (1919) Марселя Дюшана.
Афинская школа (1509 — 1511) Рафаэля
| Художник | Рафаэль |
| Дата написания | 1509 — 1511 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 500 см x 770 см |
| Где находится в настоящее время | Апостольский дворец, Ватикан |
Другим известным произведением искусства эпохи Возрождения является «Афинская школа», написанная Рафаэлем между 1509 и 1511 годами. На этой фреске, которая является одной из четырех других фресок, находящихся в Апостольском дворце в Ватикане, изображены все величайшие ученые, философы и математики, собравшиеся вместе, чтобы поделиться идеями и поучиться друг у друга.
Эта картина, считающаяся величайшим шедевром Рафаэля, символизирует философию, поскольку в центре композиции изображены фигуры Аристотеля и Платона.
Три другие фрески, составляющие эту группу, расположены на втором этаже Ватиканского дворца и, как считается, символизируют отрасли человеческого знания в виде поэзии, теологии и права. Из этой группы «Афинская школа» оказалась самой значительной и запоминающейся фреской, так как она в полной мере передала классический дух эпохи Возрождения. В своей работе Рафаэль прекрасно использовал перспективу, так как взгляд зрителя сразу же притягивается к двум главным фигурам, стоящим в центре, предположительно Платону и Аристотелю.
Фреска Рафаэля «Афинская школа» (1509-1511), в Комнатах Рафаэля, Апостольский дворец, Ватикан; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Включение Платона и Аристотеля было сделано для того, чтобы были представлены их уникальные идеи философии. Группа слева от композиции представляла теории Платона, а группа справа — теории Аристотеля. Различие между этими людьми проводили центральные фигуры произведения, которые стояли на той стороне, где были представлены их идеи. В «Афинской школе» в общей сложности 50 фигур, что свидетельствует о высоком мастерстве Рафаэля в реалистической живописи.
Рафаэль дошел до того, что включил в сцену угрюмый портрет самого себя, что показало, насколько высоко он оценивал себя как художника. Кроме того, он, видимо, осознавал грандиозность своей картины, поскольку подозревал, что она навсегда изменит ход развития живописи.
На протяжении всей истории искусства эту картину называли «идеальным воплощением» того, за что выступал Ренессанс, поскольку она точно передала классический дух этого движения.
Сотворение Адама (1512) Микеланджело
| Художник | Микеланджело |
| Дата написания | 1512 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 280 см x 570 см |
| Где находится в настоящее время | Сикстинская капелла, Ватикан |
Если рассматривать самые известные картины эпохи Возрождения, то на ум непременно приходит «Сотворение Адама». Эта фреска, написанная Микеланджело в 1512 году, украшает потолок Сикстинской капеллы в Ватикане и считается краеугольным камнем искусства эпохи Возрождения. Хотя Микеланджело написал множество фресок на потолке, «Сотворение Адама» оказалось самым известным шедевром.
Помимо того, что это культовое изображение, оно также является одним из самых тиражируемых изображений в мире, получив широкое распространение в современной поп-культуре.
Сотворение Адама (1512) Микеланджело, роспись на потолке Сикстинской капеллы, Ватикан; Микеланджело, общественное достояние, via Wikimedia Commons
Картина «Сотворение Адама» стала символом человечества, поскольку на ней изображены руки Бога и Адама на грани прикосновения. Адам изображен в виде классической мускулистой обнаженной фигуры, лежащей в левой части картины, в то время как он протягивает руку к Богу, который заполняет всю остальную часть композиции. В то время как Адам выглядит невероятно расслабленным в своей позе, Бог устремляется к нему. Спешка Бога передана через его белые одежды, развевающиеся за ним, которые помогают подчеркнуть энергичное движение его тела.
Микеланджело изобразил ангелов, окружающих Бога, в то время как Адам, похоже, лежит на краю земли. Позади него сквозь зеленый карниз, на котором он лежит, изображены горные пейзажи. Этот фон создавал сильную диагональ между ними, что подчеркивало разделение, существовавшее между Адамом, простым смертным, и небесным Богом.
Однако истинный фокус этой картины находится в центральном пространстве между их руками, поскольку взгляд зрителя сразу же притягивается к их вытянутым, но разделенным пальцам.
Деталь рук из картины Микеланджело «Сотворение Адама», ок. 1512 года; Микеланджело, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Как самая большая и сложная фреска из когда-либо созданных, «Сотворение Адама» заняла у Микеланджело более четырех лет. Во время ее создания папа Юлий II убедил художника отказаться от другой работы, над которой он работал, и сосредоточиться на написании ставшего легендарным шедевра. Сегодня «Сотворение Адама» рассматривается как изысканный образец искусства Высокого Возрождения, благодаря которому потолок Сикстинской капеллы стал окончательным визуальным представлением идеалов и характеристик эпохи Возрождения.
Сикстинская Мадонна (1513 — 1514) Рафаэля
| Художник | Рафаэль |
| Дата написания | 1513 — 1514 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 265 см x 196 см |
| Где находится в настоящее время | Gemäldegalerie Alte Meister, Германия |
Еще одной культовой картиной Рафаэля, созданной художником эпохи Возрождения, стала «Сикстинская мадонна», которую он написал в 1513-1514 годах. Считается последней великой работой Рафаэля в искусстве Возрождения, так как он умер через некоторое время после ее завершения. На «Сикстинской мадонне» изображена Мария, держащая на руках младенца Иисуса. По обе стороны от нее изображены святые Варвара и Сикст, а под ней — два херувима.
Из всех известных произведений Рафаэля эпохи Возрождения эта картина неизменно признается его самой значительной работой.
Заказанная в качестве алтарного образа для церкви Сан-Систо в Пьяченце, Италия, «Сикстинская мадонна» изображает Марию и младенца Христа очень озабоченными, в то время как святой Сикст смиренно смотрит на нее, протянув руку к небу. Дополняя атмосферу неуверенности, два святых словно парят под Марией, как будто не зная, куда идти. Однако самым знаковым элементом этой картины является пара лукавых херувимов в нижней части полотна, которым, кажется, невероятно скучно наблюдать за происходящим.
Сикстинская Мадонна (1512-1513), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В то время как один херувим смотрит вверх и опирается подбородком на руку, другой смотрит в сторону произведения, положив голову на скрещенные руки. Искусствоведы утверждают, что именно их общая угрюмость еще больше подчеркивает их присутствие и помогает им выделиться на фоне остальных работ. Кроме того, их угрюмость заметно отличала их от других типичных розовощеких и радостных херувимов, встречающихся на других картинах. Считается, что Рафаэль изобразил своих херувимов таким образом в знак укора Микеланджело.
Поскольку Рафаэль написал двух самых знаковых херувимов в истории искусства, «Сикстинская мадонна» вызвала немало споров, когда впервые попала в Германию. Некоторые задавались вопросом, не размыл ли он в этой работе границы между искусством и религией.
Хотя эта картина остается поистине культовой для эпохи Возрождения, два херувима получили всемирное признание. Их присутствие в популярной культуре продолжало расти на протяжении многих лет, и они появились на многих современных предметах.
Успение Богородицы (1516 — 1518) Тициана
| Художник | Тициан |
| Дата написания | 1516 — 1518 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 690 см x 360 см |
| Где находится в настоящее время | Базилика Санта-Мария Глориоза деи Фрари, Венеция, Италия |
Поскольку большинство произведений искусства эпохи Возрождения были посвящены религиозным образам, картины Тициана не стали исключением. Одна из его знаменитых картин эпохи Возрождения — «Успение Богородицы», написанная им в 1516-1518 годах. Написанное в качестве алтарного образа для базилики Санта-Мария Глориоза деи Фрари в Венеции, «Успение Богородицы» сохранилось в первоначальном виде, и его можно увидеть там и сегодня.
Тициан разделил картину на три части, которые являются неотъемлемой частью общей атмосферы произведения.
В «Успении Богородицы», завершенном Тицианом на ранней стадии его карьеры, использованы невероятно яркие цвета. Это был первый заказ Тициана в Венеции, благодаря которому он утвердился в качестве ведущего живописца города. Изображая «Успение Девы», которое празднуется каждый год 15 августа, Тициан увековечил вознесение Марии на небо, прежде чем ее тело начало разлагаться. В центральной части картины Мария возносится группой ангелов на небо, в то время как ее апостолы прощаются с ней с земли.
Успение Марии (1516-1518), Тициан; Тициан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На верхней панели Бог смотрит на Марию, в то время как она поднимается к нему. Мария образует фокусную точку работы, поскольку и Бог, и апостолы сосредотачивают свое внимание на ней, что также помогает направить на нее взгляд зрителя. Бог, кажется, терпеливо ждет прихода Марии, а апостолы в изумлении воздевают руки, наблюдая за настоящим чудом, разворачивающимся прямо перед ними.
Несмотря на то, что произведение заметно разделено на три части, каждая из них связана вытянутыми руками и повторением выражений лица.
Структурированное использование цвета и композиции в работе Тициана оказалось ключевым элементом многих картин эпохи Возрождения, поскольку произведения часто делились на трети. После своего создания «Успение Богородицы» стало самым большим алтарным образом в Венеции и остается таковым по сей день. Эта картина продемонстрировала первую попытку Тициана скопировать современные и динамичные сцены, которые встречались в работах Рафаэля и Микеланджело, становившихся все более популярными.
Венера Урбинская (1534) Тициана
| Художник | Тициан |
| Дата написания | 1534 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 119 см x 165 см |
| Где находится в настоящее время | Галерея Уффици, Флоренция, Италия |
На протяжении всего существования этого движения Ренессанса картины Тициана оказались невероятно влиятельными. Другая его работа, «Венера Урбинская», которую он написал в 1534 году, была вдохновлена «Спящей Венерой» Джорджоне (1510). Являясь представителем давней традиции различных изображений Венеры, Тициан пошел дальше, интерпретируя богиню в гораздо более эротическом смысле.
Благодаря этому картина сильно выделяется на фоне других картин, находящихся рядом с ней в галерее Уффици во Флоренции, где она хранится.
Изобразив Венеру в домашней обстановке, когда она лежит на кровати, Тициан создал впечатление, что она — трогательная, домашняя и чувственно откровенная женщина. Все это было достигнуто благодаря ее расслабленной позе, так как она выглядела совершенно непринужденно, несмотря на то, что была обнажена. Поскольку это произведение искусства не имеет прямого религиозного подтекста, считается, что Тициан специально придал ему эротический характер. Сексуальность работы усиливается благодаря прямому взгляду Венеры на зрителей, а ее слабая улыбка говорит о том, что она знает, что на нее смотрят.
Венера Урбинская (ок. 1538), Тициан; Тициан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя ее нагота контрастирует с пышным и роскошным фоном, что делает это изображение Венеры таким интересным, так это то, что оно лишено каких-либо аллегорических или мифологических символов, которые обычно ассоциировались с ее присутствием. Вместо этого Тициан сделал акцент на реалистичной и соблазнительной природе Венеры, контрастируя теплые тона ее кожи с темным фоном, чтобы сделать ее присутствие еще более отчетливым. Его тонкое использование кьяроскуро придало ее телу скульптурность, подчеркивающую ее изгибы.
На протяжении многих лет давались различные интерпретации этой картины.
Наиболее распространенное объяснение заключается в том, что картина была заказана как брачный портрет. Элементы, подтверждающие это предположение, включают спящую собаку, двух слуг и сундук на заднем плане, который обычно дарили невесте члены семьи ее мужа. Венера Урбинская» считается одним из самых известных и совершенных образцов искусства эпохи Возрождения, поскольку множество других картин были вдохновлены этой работой и заимствовали ее элементы.
Страшный суд (1536 — 1541) Микеланджело
| Художник | Микеланджело |
| Дата написания | 1536 — 1541 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 13,7 м x 12 м |
| Где находится в настоящее время | Сикстинская капелла, Ватикан |
Последним знаменитым произведением искусства эпохи Возрождения в нашем списке является «Страшный суд», написанный Микеланджело в 1536-1541 годах. Расположенный на всей алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане, «Страшный суд» является одной из печально известных фресок, написанных Микеланджело в знаменитой капелле.
Из-за своего гигантского размера и сложности, поскольку в картину было включено более 300 фигур, это произведение искусства заняло у Микеланджело чуть более пяти лет.
Страшный суд (1536-1541) Микеланджело, роспись на потолке Сикстинской капеллы; Микеланджело, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Страшный суд» примечателен тем, что Микеланджело начал работать над ним через 24 года после завершения потолка Сикстинской капеллы, то есть в то время ему было уже за шестьдесят. Первоначально он изобразил всех мужчин обнаженными, но позже они были скрыты драпировками.
Первоначально реакция, которую получил Микеланджело после завершения фрески, была смешанной между похвалой и критикой, поскольку мускулистые обнаженные мужчины стали главным предметом обсуждения, так как на них было сосредоточено наибольшее внимание.
В «Страшном суде» изображено Второе пришествие Христа — день, когда Бог, как говорят, в последний раз судит все человечество. Изобразив Христа в центре, с его израненными руками и ногами, и окружив его выдающимися святыми, Микеланджело изобразил сцену тревожного действия. Внимание Христа приковано к душам людей, которые идут навстречу своей судьбе, в то время как он смотрит вниз на хаотическую сцену, разворачивающуюся перед ним.
Деталь из «Страшного суда» Микеланджело, 1534-1541; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons
В верхней части картины изображено воскрешение мертвых на небесах, а в нижней — схождение грешников в ад. Некоторые элементы «Страшного суда» тщательно изучались на протяжении веков, например, решение Микеланджело изобразить Христа без бороды, что было очень необычно для того времени. Использование Микеланджело цвета, а также его исключительная работа кистью сделали эту картину одним из самых почитаемых произведений искусства в мире, поскольку она считается самой влиятельной фреской, появившейся в западном искусстве.
Искусство эпохи Возрождения оказалось чрезвычайно важным, поскольку о некоторых произведениях говорят и восхищаются ими и сегодня. Кроме того, некоторые элементы известных картин эпохи Возрождения послужили источником вдохновения и информации для последующих художественных направлений, что свидетельствует о значимости этого периода. Мы рассмотрели только 15 самых известных произведений искусства эпохи Возрождения, но существует еще много замечательных примеров. Если вам понравилось читать об этих поистине невероятных картинах, мы советуем вам продолжить знакомство с ними!
