С тех пор, как люди начали рисовать, художники запечатлели красоту цветов. Стилистически художники на протяжении веков рисовали цветы в стиле голландского реализма, импрессионизма, модернизма, поп-арта и др. Мы собрали некоторые из самых известных картин с изображением цветов за всю историю человечества, чтобы дать вам возможность заглянуть в прекрасный, благоухающий мир цветов.
Оглавление
Почему цветы?
Первый вопрос, который может возникнуть у вас в голове в этот момент: «Почему цветы так популярны? Цветы веками вдохновляли художников своей нежностью и яркой жизненной энергией. Цветы могут напомнить нам о красоте и разнообразии жизни, которую может предложить нам природа. Картины с цветами, которые мы рассмотрим ниже, вызывают вечное и сильное чувство радости, которое свойственно всем людям, независимо от контекста.
В зависимости от времени, из картин художников, рисовавших цветы, можно извлечь различные культурные смыслы. Считалось, что лотос в древнеегипетской керамике, украшениях и папирусных картинах обозначает солнце, а художники средних веков видели в плюще символ супружеской верности. Цветочная живопись расцвела в XV и XVI веках, когда появились специализированные художники-ботаники. Цветочные картины этого периода часто имеют глубокий символический подтекст и очень декоративные образы.
15 лучших картин с изображением цветов
Наш список знаменитых картин с изображением цветов расположен в хронологическом порядке. Мы надеемся, что это поможет вам оценить развитие стилей цветочной живописи на протяжении веков. Хотя этот список включает только 15 картин, существует бесчисленное множество художников, которые рисовали цветы, поэтому мы советуем вам продолжить поиски, если вам это интересно.
Цветочный натюрморт — Амброзиус Боссхерт (1614)
Будучи одним из первых художников, специализировавшихся на цветочных картинах, Босшаэрт был пионером в создании замысловатых и ярких цветочных композиций. Этот натюрморт Босшаэрта обусловлен растущим увлечением ботаникой в Германии и Нидерландах XVI века. Сам Босшаэрт был ведущим голландским художником, специализировавшимся на цветах и фруктах. Будучи главой семьи художников, Босшаэрт заложил основы целого поколения нидерландских живописцев цветов и фруктов.
Большинство цветочных композиций Босшаэрта написаны на медных поверхностях и, как этот пример, симметричны с деталями, которые настолько точны, что почти научны. На этой картине изображены желтый тюльпан, розовая гвоздика и белая роза на переднем плане корзины, полной ярких цветов. Цветы в корзине не принадлежат к одному сезону. Ландыши, гиацинты, розы, незабудки, тюльпаны, фиалки и цикламены расположены вместе со скрупулезной детализацией.
Поразительная детализация, которой добивается Боссхерт, позволяет нам почувствовать укол шипов роз и шелковистость лепестков. Вы можете увидеть изящных насекомых, ползающих по цветам, сидящих на листьях и садящихся на букет. Детализация, и это нельзя не подчеркнуть, потрясающая. Боссхерт в совершенстве передает крошечные усики бабочки и прозрачность крыла стрекозы.
Многие любители искусства и историки понимают эту картину как изображение хрупкости и краткости жизни. Собранные цветы запечатлевают красоту жизни на земле, но они невероятно недолговечны. Нежные насекомые изображают хитросплетения и хрупкость жизни в прекрасной, но меланхоличной манере. Амброзиус Боссхерт, безусловно, является одним из самых известных художников-цветоводов.
Цветочный натюрморт (1614) Амброзиуса Босхаэрта; Амброзиус Босхаэрт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Бычок и цветущая сакура — Кацусика Хокусай (1834)
Кацусика Хокусай считается одним из величайших японских художников, а его стилистическое влияние распространилось из Японии по всему западному миру. Хокусай — самый известный представитель школы японского искусства укиё-э. На многих работах Хокусая изображены птицы и цветы, как на этой. Хокусай был мастером точной и в то же время плавной линеарной работы, и это умение хорошо видно на этой цветной ксилографии. Ксилография «Бычок и плачущие цветы вишни» входит в серию «Маленькие цветы» Хокусая.
На гравюре изображена маленькая птичка снегирь, висящая вниз головой на ветке плакучей вишни. Плакучая вишня является исконно японским деревом, а снегирь в японской культуре символизирует защиту от несчастий. На новогодней церемонии в святилищах Тендзин по всей Японии изображается снегирь, поскольку люди надеются, что он защитит их от бед в наступающем году. По розовой отметине на груди снегиря видно, что это самец. Расположение цветущей сакуры Хокусая имеет красивый природный ритм, подчеркнутый вкраплениями красного цвета.
Справа от красочной и нежной гравюры находится короткое стихотворение Райбана, которое гласит:
Одна-единственная птица, мокрая от росы, Вылетела; утренняя вишня
Эта ксилография Хокусая, пропитанная культурным смыслом и естественной красотой, является прекрасным воплощением японского искусства и красоты цветочных картин.
Сирень в окне — Мэри Кассат (1880-1883)
Мэри Кассат — всемирно известная художница, которая считается одним из первых американских художников-импрессионистов. Хотя на большинстве ее картин изображены человеческие фигуры, Кассат также любила рисовать сады и букеты. Начиная с 1860-х годов, цветочные натюрморты становились все более популярными среди художников-импрессионистов. В 1880-х годах, когда Кассатт создала эту яркую картину, импрессионистская цветочная живопись по-настоящему вступила в свои права.
Хотя натюрморты, подобные этому, редко встречаются в творчестве Кассатт, во многих ее картинах присутствуют цветочные и пейзажные элементы. Несмотря на то, что она не была известна как один из знаменитых художников-цветоводов своего времени, эта картина свидетельствует о мастерстве Кассатт.
На этой яркой картине изображена ваза с сиренью, стоящая на открытом подоконнике. Эта работа — яркий пример расцвета импрессионистской флористики. Ваза темно-баклажанного цвета прекрасно контрастирует с белой и фиолетовой сиренью внутри. С помощью своих фирменных плавных мазков Кассатт удается представить эту композицию как мимолетный момент времени.
Угловатые оконные фермы добавляют контраст к цветочной композиции, которая выглядит как бы в движении жизни. Оконная рама дополняет плавные изгибы вазы. Картина обладает непринужденной атмосферой, как будто вы нашли ее, бродя по дому друга.
Сирень в окне (ок. 1880), Мэри Кассатт; Mary Cassatt, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Натюрморт «Ваза с двенадцатью подсолнухами» — Винсент Ван Гог (1888)
Талантливый и беспокойный художник-импрессионист явно любил подсолнухи. Этот натюрморт с подсолнухами является частью его Арльской серии, одной из двух серий, посвященных подсолнухам. Хотя, согласно названию, в вазе двенадцать подсолнухов, Ван Гог переработал эту картину позднее, и на самом деле на ней изображено 15 цветов.
Натюрморт «Ваза с двенадцатью подсолнухами» — одно из самых известных изображений цветов и самая известная его картина.
Многие считают этот натюрморт с подсолнухами одной из самых известных картин, созданных в этом жанре. Эта картина также является одним из самых известных примеров цветочной живописи импрессионистов. Желтые тона подсолнуха проникают в каждый аспект этой великолепной картины.
Светло-голубой фон выдвигает цветы вперед и эффективно переводит внимание на подсолнухи, расположенные под разным углом в центре холста. На этой картине Ван Гога подсолнухи находятся на разных стадиях жизни и смерти. Отголоски тщетности, хрупкости и краткости жизни пронизывают эту картину.
Натюрморт: Ваза с двенадцатью подсолнухами (1888) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Розы и лилии — Анри Фантен-Латур (1888)
В отличие от цветочных картин импрессионистов, окружавших Анри Фантен-Латура как в этом списке, так и при его жизни, Фантен-Латур придерживался более традиционного подхода. Цветочные картины Фантен-Латура напоминают о золотом веке реализма.
На светло-коричневом фоне справа стоит высокая стеклянная ваза с длинными белыми лилиями, а слева — более короткая ваза с розовыми и белыми розами. Вазы относительно большого размера и формы, кажется, отражают формы цветов, которые в них находятся. Высокая, прямая и тонкая стеклянная ваза вмещает лилии с удлиненными стеблями и длинными нежными белыми лепестками. Напротив, круглые и сочные розы стоят в маленькой изогнутой вазе, которая едва видна под цветами.
Композиция прекрасно сбалансирована, несмотря на разницу в высоте между двумя цветочными композициями. Стебли лилий естественно простираются влево над розами, связывая композицию воедино. Фантин-Латур передал цветы и воду в вазе в изысканных реалистичных деталях. Румяные розовые тона контрастируют с темно-коричневым столом внизу и подчеркнуто белым цветом лилий. Это потрясающее использование цвета делает картину невероятно романтичной.
Розы и лилии (1888), Анри Фантен-Латур; Henri Fantin-Latour, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Ирисы — Винсент Ван Гог (1890)
Тот факт, что цветочные картины Ван Гога дважды представлены в этом списке, свидетельствует о его невероятном таланте передавать хрупкую красоту жизни. Существует две версии этой композиции: одна — на мягком и гармоничном розовом фоне, а другая — более выраженная. Винсент Ван Гог создал эту картину во время пребывания в психиатрической больнице Сен-Реми.
Яркие и, кажется, бешеные мазки кисти на ярком цитронном фоне придают картине ощущение срочности и движения. На этом бешеном фоне стоит ваза с ярко-фиолетовыми ирисами, некоторые из которых стоят прямо и полны жизни, а другие опускаются на желтый стол внизу. Благодаря контрасту ярких дополнительных цветов каждый из них кажется еще более смелым и полным жизни.
Винсент Ван Гог закончил эту картину в психиатрической больнице за год до своей смерти. Говорят, что он назвал ее «проводником молнии моей болезни». Вероятно, яркое выражение движущейся жизни в этой картине показалось ему надеждой на выздоровление и продолжение жизни. Связь между творчеством и безумием очень меланхолична. Сегодня мы чтим боль, скрывающуюся за душевными изображениями Ван Гога красоты всего живого.
Ирисы (1890) Винсент Ван Гог; Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Букет роз — Пьер-Огюст Ренуар (1890-1900)
Яркие и сладострастные розы, изображенные на этой импрессионистской картине Пьера-Огюста Ренуара, почти спрыгивают с холста. Хотя Ренуар начал рисовать цветы только в конце своей жизни, розы были его любимой темой.
Эта картина маслом с изображением букета роз невероятно чувственна. Плавные и яркие мазки кисти Ренуара передают розы, как будто они находятся в движении жизни. Прекрасно окрашенные красные и розовые розы находятся на разных стадиях жизни. Полные и пышные лепестки распускаются из букета, а одна увядшая роза лежит на столе внизу. Розы обладают энергией, которая, кажется, излучается из холста, придавая им тактильное качество.
Цветочный сад — Густав Климт (1905)
Яркие цветы — обычная черта картин Густава Климпта, и эта картина — прекрасный пример его творчества в период расцвета. Эта картина является частью серии картин, вдохновленных полями цветов, которые он увидел в Лицлеберге.
Искусствоведы часто считают эту картину одним из лучших пейзажей Климпта. На картине изображено беспорядочное множество цветов, которые, кажется, уходят за пределы холста. Ярко окрашенные цветы заполняют эту раму в прекрасном праздновании мира природы. Отсутствие реализма придает деревенское очарование природе без вмешательства человека. Естественная красота, заключенная в этой картине, перекликается с символизмом гармонии и закономерности природы.
Цветы — Анри Матисс (1907)
Яркие цвета, абстракция и относительная двухмерность этой картины характерны для стиля Анри Матисса. Известный как выдающаяся фигура фовизма и один из самых влиятельных художников современной эпохи, Матисс предпочитал искусство, в котором есть спокойствие, равновесие и чистота. Отголоски этих чувств мы можем увидеть в этой яркой и привлекательной картине.
В этой картине, созданной в начале его карьеры, мы видим более смелое, чем естественное, использование цвета и подчеркнутые мазки, характерные для фовизма. Ярко-зеленый фон дополняет белую вазу и смелые желтые, оранжевые и красные цветы в ней. Такой же смелый и яркий стол под вазой подчеркивает цвета цветов.
Водяные лилии — Клод Моне (1908)
Мы не можем говорить о самых известных цветочных картинах всех времен, не упомянув Клода Моне. При упоминании Моне на ум приходят цветы. Прославившись серией прекрасных импрессионистских картин, написанных на пленэре в его саду в Живерни, Моне является мастером передачи сущности природы.
Свободные мазки кисти Моне смешивают отдельные аспекты картины, создавая гармоничное и кажущееся бесконечным изображение мира природы. В этой знаменитой работе Моне цветы, небо, растения и вода сливаются воедино, образуя мечтательный и мягкий пейзаж. Моне удалось передать, как кувшинки и вода вокруг них отражают и преломляют солнечный свет. Некоторые искусствоведы считают, что это произведение является важнейшим преддверием последовавшего за ним движения абстрактного экспрессионизма.
Водяные лилии (1685), Клод Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Амариллис — Пит Мондриан (1910)
Будучи голландским художником, Пит Мондриан происходил из обширного рода художников-цветоводов. Несмотря на культурные традиции голландского реализма, Мондриан прикоснулся к этой потрясающей красной картине своим современным стилем. Этот натюрморт — одна из ранних картин Мондриана, созданная до его самых известных абстрактных и геометрических картин.
В этой шокирующей работе с красными цветами чувствуется дух фовизма. Мондриан разбивает композицию на сегменты смелых цветов. Эффект этой композиционной техники заключается в том, что мы видим цветок в его самой элементарной форме. Оторвавшись от импрессионизма, Мондриан использует акварель, чтобы передать баланс между цветом и живописными качествами.
Белая ваза с цветами — Одилон Редон (1916)
Хотя это скорее пастельный рисунок, чем картина, этот яркий натюрморт с букетом смешанных цветов отражает движение к будущему в искусстве. Прочный и заметный фон и поверхность ранних голландских натюрмортов исчезает в градиенте ярких теплых цветов.
На фоне насыщенного оранжево-розового тона находится ваза с белыми крапинками и букетом полевых цветов. Некоторые из цветов Редона проработаны до мельчайших деталей, в то время как другие более абстрактны. Цветы определяют композицию, и мы могли бы сидеть и смотреть на эту гамму текстур и цветов целый день.
Красный мак — Джорджия О’Кифф (1927)
Джорджия О’Кифф, известная своими эротическими изображениями цветов, за свою карьеру написала более 200 цветочных композиций. О’Кифф создавала потрясающие события из своих натюрмортов. Хотя в начале своей карьеры она использовала акварель, после 1918 года О’Кифф стала почти исключительно пользоваться масляными красками. В это время она также начала создавать крупномасштабные картины цветов, как будто под увеличением. Этот яркий и сладострастный красный мак — яркий пример ее работы в это время.
О’Киф воспринимала цветок как сложный и тонкий мир, и она писала картины, чтобы поделиться этим миром с другими. Ярко-красные и оранжевые лепестки заполняют композицию и выходят за ее пределы. Маленький и нежный цветок превращается в большой и мощный образ. Когда мы рассматриваем цветочные картины О’Кифф, такие как «Красный мак», нас приглашают замедлиться и не спеша наблюдать за тем, что мы обычно не замечаем. Как основатель модернистского движения, О’Кифф является пионером современной цветочной живописи.
Цветы — Энди Уорхол (1970)
Цветы были частым источником вдохновения для поп-художника Энди Уорхола. В 1964 году Уорхол начал серию цветочных картин, где он запечатлел поникший цветок гибискуса в ярких красках и интересных техниках. Эта серия картин имеет противоречивую историю. В качестве основы для цветочной серии Уорхол использовал снимки одного фотографа, и тот попытался подать на него в суд. Несмотря на споры, слава этой серии цветочных работ продолжала расти. Эта серия является потрясающим примером современной цветочной живописи.
Готовность к утреннему цветению — Яёи Кусама (1989)
Яёи Кусама — художник-концептуалист, черпающий вдохновение в сюрреализме, абстрактном экспрессионизме, поп-арте и феминизме. Ее работы пронизаны психологическим и сексуальным автобиографическим содержанием и отличаются узорами в горошек и сетками. Как художник, который действительно использует свое искусство для обработки своего внутреннего мира, широкое использование Кусамой узоров в горошек происходит из детских галлюцинаций.
Эта литография, несомненно, является работой Кусамы. Два одиночных цветка желтого и розового цвета выделяются на фоне темно-красных точек в горошек на черной поверхности. Стиль рисования цветов Кусамы напоминает причудливую детскую манеру. Яёи Кусама признана самой влиятельной из ныне живущих японских художниц.
Цветочная живопись имеет долгую и богатую культурными традициями историю. От голландского реализма, импрессионизма до поп-арта, цветочные картины всегда занимали определенное место в самовыражении человека. Возможно, именно сочетание красоты и хрупкости жизни делает их популярной темой для стольких художников. Различия в художественных стилях столь же обширны, как и коллекция цветов на Земле, поэтому, если вам понравилось знакомиться с этими прекрасными картинами, мы советуем вам продолжить изучение.
