Портретная живопись остается невероятно популярным жанром живописи на протяжении многих веков. Большинство художников на протяжении своей карьеры экспериментировали с той или иной формой портретной живописи, а некоторые из них создали самые известные портретные картины. Несмотря на такое восхищение, портретная живопись является одним из самых сложных для освоения жанров в мире искусства. Ниже мы рассмотрим 15 самых известных художников-портретистов, которые когда-либо жили, а также их знаковые и до сих пор почитаемые произведения искусства.
Оглавление
Что такое портретная живопись?
Считающийся самым распространенным жанром в живописи, портрет в какой-то момент пытались написать большинство художников. Описанный как стиль живописи, предназначенный для изображения конкретного человека, термин «портретная живопись» был разработан для точной классификации как изображенного человека, так и самой картины. Поскольку этот вековой стиль определил себя через изображение других людей, за многие годы была собрана значительная и полная коллекция знаменитых портретов, которую пополнили различные влиятельные художники.
Считается, что портрет — это самый сложный вид живописи, поскольку он требует особой остроты изображения человеческой фигуры в мельчайших деталях. Как правило, художники, создающие портретную живопись, стараются точно передать образ своего объекта, подчеркивая его физические, психические и даже духовные характеристики в восхитительной форме.
Поскольку портреты обычно вызывают сильные эмоции как у художника, так и у зрителей, особое внимание уделяется лицу, выражению и личности человека.
Якоб Корнелисц. ван Оосцанен пишет портрет своей жены (1550) by Dirck Jacobsz. ; Dirck Jacobsz., Public domain, via Wikimedia Commons
Многие из лучших художников в истории обладали удивительным талантом, который позволял им выразить суть человеческих эмоций в одиноком портрете. Зачастую эти художники детально изучали анатомию человека, чтобы досконально разобраться в тонкостях каждого изменения выражения лица и передать это в своих работах. Интересно отметить, что при рассмотрении самых известных портретов, которые когда-либо были написаны, художники, как правило, известны всем, в то время как реальный объект работы остается менее очевидным.
Помимо известных портретов, многие жившие художники на протяжении всей своей карьеры писали исключительно портреты.
Эти знаменитые художники-портретисты, как правило, создавали произведения искусства по заказам как общественных, так и частных групп, при этом картины служили памятью о богатых и влиятельных людях. Если рассмотреть самые известные портреты, созданные за многие годы, включая групповые и автопортреты, то становится ясно, какое огромное влияние оказала эта специализированная форма живописи на мир искусства.
Наш топ-15 самых известных портретных картин всех времен
На протяжении всей истории человечества знаменитые портреты и художники доминировали в мире искусства. Это объясняется высоким уровнем мастерства, необходимого для создания портретов, а также огромным влиянием, которое оказывали определенные художники на зрителей. При сравнении конкретных портретов некоторые из них выделяются больше других исключительно благодаря выбранной теме, способу написания работы или даже самому художнику.
Хотя приведенный ниже список ни в коем случае не является исчерпывающим, мы составили 15 самых известных портретных картин всех времен.
Мона Лиза (1503 — 1506) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата | 1503 — 1506 |
| Средство | Масло на панели из тополя |
| Размеры | 77 см x 53 см |
| Где в настоящее время хранится | Лувр, Париж |
Пожалуй, самым известным портретом в истории искусства, а также самым узнаваемым произведением искусства является «Мона Лиза», написанная Леонардо да Винчи в начале 16 века. Как технические аспекты картины, так и сам портрет на протяжении веков завораживали зрителей и вызывали огромный интерес.
Известный также как «Портрет Лизы Герардини», да Винчи использовал мельчайшие детали, чтобы точно передать любопытное выражение ее лица и глаз, которые, как говорят, следуют за вами, где бы вы ни стояли.
Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503-1506) Леонардо да Винчи; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons
Если посмотреть на композицию Моны Лизы, то треугольник образуется благодаря положению ее сложенных рук, которые ведут к голове. Хотя эта поза была известна как популярная в то время, тонкий способ, которым да Винчи запечатлел ее, помог сосредоточить все внимание на ее интересном лице.
Уверенно глядя на зрителей с мягкой улыбкой на лице, ее блуждающие глаза и лукавая ухмылка стали главной темой дебатов с момента появления картины. Это потому, что ее «загадочная улыбка», как говорят, говорит слишком много и в то же время недостаточно.
Несмотря на то, что Мона Лиза считается величайшим произведением искусства, некоторые искусствоведы называют ее «переоцененной». В основном это связано с ее маленьким размером, а некоторые считают, что да Винчи оставил произведение искусства незавершенным из-за отсутствия бровей. Получив всемирную известность только в 1911 году после кражи, Мона Лиза в итоге стала самым посещаемым, описываемым и пародируемым произведением искусства в мире. В 2016 году она побила рекорд Гиннесса по стоимости страховки в 100 миллионов долларов, а в 2021 году стоимость «Моны Лизы» превысит 870 миллионов долларов.
Вертумн (1591) Джузеппе Арчимбольдо
| Художник | Джузеппе Арчимбольдо |
| Дата | 1591 |
| Средство | Масло на дереве |
| Размеры | 68 см x 56 см |
| Где в настоящее время хранится | Замок Скоклостер, Швеция |
Живописный стиль Джузеппе Арчимбольдо невозможно не узнать, учитывая тот факт, что художник эпохи Возрождения был известен тем, что создавал свои портреты исключительно из фруктов, овощей и растений. Известный своими причудливыми портретами, Арчимбольдо сумел несколько точно изобразить своих подопечных, используя различные предметы. Вертумн был создан для изображения императора Священной Римской империи Рудольфа II, который был римским богом метаморфоз в природе и жизни.
Каждый предмет, использованный в картине, был каким-то образом связан с императором.
Вертумн или Рудольф II Гамсбургский (1590), Джузеппе Арчимбольдо ; Джузеппе Арчимбольдо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Несмотря на игривый подход Арчимбольдо к портрету, «Вертумн» невероятно точен в своем создании, поскольку каждая деталь выразительного лица императора представлена отдельным кусочком пищи или растения. Хотя на первый взгляд знаменитый портрет может показаться глупым, можно увидеть, сколько усилий вложил Арчимбольдо в свою работу, ведь видны даже отдельные зубы.
При просмотре его культовой картины зрителям становится очевидным, сколько воображения и внимания к деталям пришлось проявить Арчимбольдо, чтобы создать безупречный портрет.
Хотя Вертумн далек от реализма, чистый талант Арчимбольдо заслуживает похвалы. Хотя он, возможно, выбрал зеленые бобы, красные фрукты и яблоки для изображения выдающихся черт лица, Арчимбольдо все же следовал большинству принципов типичного портрета того времени. Хотя приглушенный черный фон соответствовал стандартам для портретов, он также тщательно выбирал объекты для изображения.
Изображая цветы и фрукты всех времен года, Арчимбольдо тонко символизировал изобилие и гармонию правления императора Рудольфа. Поскольку он не был популярным правителем, мы можем только предполагать, что Арчимбольдо решил нарисовать странную лестную картину с его изображением. Возможной причиной этого считается то, что император Рудольф был большим сторонником искусства Арчимбольдо.
Доярка (ок. 1658), Йоханнес Вермеер
| Художник | Йоханнес Вермеер |
| Дата | ок. 1658 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 45,5 см x 41 см |
| Где в настоящее время хранится | Рейксмузеум, Амстердам |
Иногда называемую «Кухарка», картину «Молочница» написал голландский художник Йоханнес Вермеер, который был одним из великих мастеров голландского Золотого века. Изображая обычную бытовую сцену, когда кухарка наливает молоко из кувшина, «Доярка» значительно отличается от других работ Вермеера. Это было связано с тем, что он впервые выбрал в качестве сюжета простую и крепкую пожилую женщину, в отличие от богатых и элегантных молодых дам, которых он обычно рисовал.
Находящаяся в Рейксмузеуме, эта картина, несомненно, считается одной из его лучших и наиболее популярных достопримечательностей.
Доярка» (ок. 1660), Йоханнес Вермеер; Johannes Vermeer , Public domain, via Wikimedia Commons
Картина «Доярка» считается одной из самых выдающихся работ Вермеера, поскольку его способность так честно передать обыденную сцену из повседневной жизни вызывает восхищение. Что делает «Молочницу» таким интересным портретом, так это полная неподвижность, которой Вермееру удалось достичь. Кроме наливания молока, которое приковывает к себе все внимание дамы, в композиции больше ничего не движется.
Вермеера высоко оценили за его способность взять такое непримечательное занятие и сделать его темой невероятно впечатляющей картины.
Стоя, как статуя, в ярко освещенной комнате, доярка приковывает наше внимание к своей простой задаче. Поскольку Вермеер изобразил ее фигуру с несколько заниженной перспективой, он предоставил зрителям очень монументальный персонаж, на которого можно смотреть и рассматривать. Благодаря работе с перспективой и светом Вермеер создал реалистично выглядящую кухню, которая кажется пустой, за исключением деятельности доярки.
Автопортрет (1660) Рембрандта ван Рейна
| Художник | Рембрандт |
| Дата | 1660 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 80,3 см x 67,3 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Еще одна из известных портретных картин в нашем списке, созданная известным художником, — «Автопортрет», который написал знаменитый Рембрандт ван Рейн. Известный как художник света, Рембрандт объяснял, что его цветовая палитра состоит только из темных цветов, потому что он считал, что свет должен быть главной темой картины. За свою карьеру Рембрандт написал более 40 различных автопортретов и создал «Автопортрет», когда ему было 54 года. Эта картина была особенно отмечена его морщинистым лбом и озабоченным выражением лица.
При взгляде на эту картину в центре внимания оказывается невероятно озабоченное выражение лица Рембрандта, которое, как говорят, выражает душевное потрясение.
Автопортрет (1660) Рембрандта; Рембрандт, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На этом портрете Рембрандт был беспристрастен в изображении самого себя, так как он явно признал признаки своего старения через то, как он написал свое изборожденное лицо. Помимо линий складок на лбу, Рембрандт изобразил тяжелые мешки под глазами, что говорит о сильной усталости, а также двойной подбородок.
В то время, когда был написан «Автопортрет», в портретах еще не появился подтекст великого личного открытия. Это произошло лишь позднее, в эпоху романтизма, а значит, «Автопортрет» Рембрандта существовал лишь как способ документирования того, кем он был в 17 веке. Когда Рембрандт создал «Автопортрет», он потерял жену, одного из своих детей и едва избежал банкротства, продав большинство своих картин.
Все это может объяснить полное изнеможение и безнадежность, которые видны на его лице.
Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665), Йоханнес Вермеер
| Художник | Йоханнес Вермеер |
| Дата | c. 1665 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 44,5 см x 39 см |
| Где в настоящее время хранится | Маурицхёйс, Гаага |
Самым важным произведением искусства, когда-либо созданным Йоханнесом Вермеером, и, возможно, одной из самых известных его портретных картин является «Девушка с жемчужной сережкой». Первоначально названная «Девушка с тюрбаном», «Девушка с жемчужной сережкой» широко считается значительным произведением западного искусства и часто называется «Моной Лизой Севера». Много спекуляций возникло вокруг личности молодой женщины на портрете, причем наиболее распространенная теория предполагает, что это картина Марии Вермеер, которая была старшей дочерью художника.
Спорный факт о картине «Девушка с жемчужной сережкой» заключается в том, что, хотя она широко считается одним из самых значительных портретов, когда-либо созданных, она не является настоящим портретом в техническом смысле. Вместо этого он был назван «тронье», который был популярным видом живописи во времена голландского Золотого века. Трони обычно изображал неизвестного человека, который становился предметом искусства.
Эти люди также носили роскошные предметы одежды и располагались на простом и ясном фоне, что еще больше подчеркивало их анонимный характер.
Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665), Йоханнес Вермеер; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Девушка, пристально смотрящая на зрителя, изображена с завораживающим выражением лица, которое вызывает любопытство у зрителей при взгляде на эту работу. Вермеера хвалили за невероятный уровень реализма, а также за его способность передавать сдержанные изменения между светом и темнотой. Одетая в синий тюрбан, который красиво контрастирует с ее желтым платьем и куском ткани за ее плечом, создает драматический образ. Это помогло привлечь внимание к главному элементу работы, которым является ее сверкающая жемчужная серьга.
Аранжировка в серо-черных тонах № 1 (1871) Джеймса МакНила Уистлера
| Художник | Джеймс Макнейл Уистлер |
| Дата | 1871 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 144,3 см x 162,4 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей д’Орсэ, Париж |
Американский художник Джеймс Макнейл Уистлер также создал один из самых известных портретов в истории, создав «Аранжировку в гра18ии и черном № 1». Более известный как «Мать Уистлера», Уистлер создал этот известный портрет своей матери, Анны Макнейл Уистлер, после того, как его модель не смогла прийти на встречу, и он попросил свою мать заменить его. Первоначально Уистлер предполагал, что его модель для этого портрета будет стоять, но матери было слишком неудобно стоять долгое время, поэтому он изменил свою первоначальную идею.
Хотя этот портрет существует как известное американское произведение искусства, Уистлер не собирался создавать портрет.
Аранжировка в сером и черном № 1, или Мать Уистлера (1871), Джеймс Макнейл Уистлер; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons
В то время он находил много сходства между музыкой и живописью, что привело к тому, что он называл многие свои произведения искусства именем «гармония» и другими музыкальными словами. Назвав эту работу «Аранжировка в сером и черном № 1», Уистлер стремился поставить тональное значение в своей работе выше всех других интерпретаций.
Однако его мать быстро стала центральной точкой работы, что привело к тому, что картину стали рассматривать как портрет.
Уистлеру удалось запечатлеть свою мать, которой в то время было 67 лет, в состоянии траура. Она была изображена только в черной одежде с очень мрачным выражением на пожилом лице, что вызвало похвалу Уистлера за его способность изображать такие глубокие эмоции, используя только боковой профиль своего объекта. Помимо того, что его мать сидит перед серой стеной, на картине можно увидеть различные оттенки темных и светлых тонов. Это придает картине повышенный уровень реализма, который редко встречается в таких мрачных и печальных работах.
Портрет мадам Х (1884) Джона Сингера Сарджента
| Художник | Джон Сингер Сарджент |
| Дата | 1884 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 234,9 см x 109,8 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Еще один американский художник, попавший в наш список знаменитых портретистов, — Джон Сингер Сарджент, создавший «Портрет мадам Х». Портрет Сарджента покорил сердца любителей искусства во всем мире, когда его работа была впервые представлена, зрители обратили внимание на тонкую красоту, которую ему удалось изобразить. Однако многие критики и официальные лица были иного мнения об этом произведении искусства и заявляли, что оно слишком провокационно, чтобы быть столь почитаемым во Франции того времени.
Объектом картины была Виржини Амели Авегно Готро, молодая светская львица, жена успешного французского банкира Пьера Готро.
Портрет мадам X (мадам Пьер Готро) (1883-1884), Джон Сингер Сарджент; Музей Метрополитен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Портрет мадам X» не был одной из заказных работ Сарджента, поскольку он специально попросил нарисовать свою коллегу-эмигрантку, когда они оба были в Париже. Сарджент изобразил свою жертву в черном атласном платье с украшенными драгоценностями бретельками, которые одновременно открывали и скрывали части ее тела. Бледный тон ее плоти создавал прекрасный контраст с темным цветом платья и фона.
Когда Сарджент представил свою работу на Парижском салоне в 1884 году, он был встречен бурным протестом со стороны консервативных членов французского общества. Эта реакция заставила его покинуть страну и переехать в Лондон. Хотя Сарджент попытался скрыть имя мадам Готро за анонимным названием работы, его попытка оказалась бесполезной.
Газеты опубликовали бесчисленные карикатуры и сатирические стихи, высмеивающие и ее, и Сарджента, причем эти критики не заметили невероятного уровня реализма в его картине.
Портрет молодой женщины (ок. 1885) Эдгара Дега
| Художник | Эдгар Дега |
| Дата | c. 1885 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 27,3 см x 22,2 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Известный художник Эдгар Дега в течение своей карьеры немного экспериментировал с портретами и в результате создал «Портрет молодой женщины». Как известный художник-импрессионист, Дега был наиболее известен своими изображениями балерин и тем влиянием, которое фотография оказала на его картины.
На своем портрете, который, по-видимому, был быстро закончен, Дега изобразил молодую женщину с непонятным выражением лица, которое еще больше подчеркивается тем, что ее взгляд не встречается с глазами зрителей.
Портрет молодой женщины (ок. 1885), Эдгар Дега; Эдгар Дега, CC0, via Wikimedia Commons
Поскольку грубые следы кисти видны как на фоне работы, так и на одежде женщины, в картине чувствуется спешка. Дега, который был хорошо приспособлен к распознаванию тонкостей жеста и выражения, сосредоточил все свое внимание на передаче выражения лица и задумчивого взгляда женщины. Использование жестикуляционных мазков придает некоторое движение неподвижной картине и демонстрирует, что фон и одежда имеют второстепенное значение по сравнению с любопытным выражением лица женщины.
Автопортрет в соломенной шляпе (1887) Винсента Ван Гога
| Художник | Винсент Ван Гог |
| Дата | 1887 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 40,6 см x 31,8 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Художником, который не избегал экспериментов с портретами, был всемирно известный Винсент Ван Гог, написавший более 35 своих портретов. Несмотря на то, что он так много занимался этим стилем живописи, только один его портрет был написан другим художником. Одним из его знаменитых портретов является «Автопортрет в соломенной шляпе», который он написал в пяти различных вариантах в течение 1887 года.
Ван Гогу нравилось быть собственной моделью для отработки техники портрета, и специально для этой цели он купил достаточно хорошее зеркало.
Автопортрет в соломенной шляпе (1887/1888) Винсент Ван Гог; Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ван Гог проявлял большой интерес к человеческому лицу, что можно увидеть в многочисленных автопортретах, которые он создавал. Он начал серию «Автопортрет в соломенной шляпе» в период с 1886 по 1888 год, когда жил со своим братом в Париже, пытаясь точно передать эмоции, которые он испытывал в то время.
На этой конкретной картине Ван Гог показал свое разрушающееся психическое и физическое здоровье через плотно сжатый рот, глубокие цвета и тени, которые он выбрал, а дикий фон еще больше подчеркивает его упадок.
На портрете Ван Гог изобразил себя одетым в желтую соломенную шляпу и синий рабочий халат, который обычно носят крестьяне-рабочие. Все это было выбрано специально, что привело к тому, что Ван Гог надевал этот конкретный наряд несколько раз, продолжая писать различные версии «Автопортрета в соломенной шляпе». Считается, что одежда соответствовала самовосприятию Ван Гога как художника-рабочего, одежда выражала образ, который он пытался изобразить.
Женщина в шляпе (1905) Анри Матисса
| Художник | Анри Матисс |
| Дата | 1905 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 80,6 см x 59,6 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей современного искусства Сан-Франциско, Сан-Франциско |
В начале 20-го века Анри Матисс стал еще одним художником, который пополнил список знаменитых портретистов, создав картину «Женщина в шляпе». Он создал этот многоцветный портрет своей жены, Амели, который выделялся на Парижском салоне того года своей яркостью красок. Матисс использовал совершенно иной подход к портретной живописи, потому что вместо того, чтобы пытаться сделать свое изображение как можно более реалистичным, он использовал столько цвета, сколько мог, чтобы адекватно выразить эмоции, которые он чувствовал в своих работах.
Игривый тон, использованный Матиссом в картине «Женщина в шляпе», был сделан для того, чтобы показать зрителям, как сильно он любит свою жену, в дополнение к веселому указанию на ее фактическое занятие — владелицу шляпного магазина.
Матисс и его жена были женаты более 40 лет, но в конце концов разошлись, потому что он сказал ей, что «всегда будет больше любить живопись». Картина «Женщина в шляпе» существует как память об их долгом браке.
Смелое и беспрецедентное сочетание цветов в картине «Женщина в шляпе» сильно возмутило публику, когда она была выставлена на Салоне 1905 года, причем публика давала в основном негативные отзывы о работе. Это произошло отчасти потому, что стиль фовизма, который Матисс только что представил в своих ранних работах, сильно отличался от стиля, к которому публика уже привыкла.
Эта картина еще больше укрепила стиль фовизма, так как продемонстрировала быстрые изменения, происходящие в искусстве, что сильно разгневало публику.
Портрет Адели Блох-Бауэр I (1907) Густава Климта
| Художник | Густав Климт |
| Дата | 1907 |
| Средство | Масло, серебро и золото на холсте |
| Размеры | 138 см x 138 см |
| Где в настоящее время хранится | Neue Galerie, Нью-Йорк |
Одной из самых известных и признанных портретных картин является «Портрет Адель Блох Бауэр I», написанный австрийским художником Густавом Климтом в 1907 году. Также называемый «Дама в золотом» и «Женщина в золотом», портрет Климта был написан Адель Блох-Бауэр, которая была богатой еврейской женщиной из Вены. Портрет был заказан Климту ее мужем, еврейским банкиром и сахарозаводчиком Фердинандом Блох-Бауэром. В это время Климт утвердился в качестве художника привлекательных женщин в еврейском венском обществе.
Этот портрет является наиболее представительной работой Климта, созданной им в период его «золотой фазы».
Портрет Адель Блох-Бауэр I (1907), Густав Климт; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Используя серебро и золото в дополнение к краске на холсте, Климт смог создать поистине неземное изображение Адель Блох-Бауэр, что еще больше подчеркивает его сильный акцент на женственности в этой работе. Золото, окружавшее госпожу Блох-Бауэр, освещало ее фигуру и четко очерченные черты лица.
Это освещение еще больше подчеркивает то, как ее любили в мире искусства, поскольку она была очень почитаемой сторонницей искусства.
Портрет Адель Блох-Бауэр I предположительно был написан в качестве подарка на годовщину свадьбы для родственников Фердинанда, картина осталась в семье и была передана во временное пользование музеям и галереям для выставок. Однако, когда госпожа Блох-Бауэр умерла в 1925 году, она попросила передать картину в дар Австрийской государственной галерее в Вене. Ее семья не согласилась, и в итоге картина была захвачена нацистами в 1941 году. После войны картина была возвращена семье Блох-Бауэр только в 2006 году, которая продала ее за 135 миллионов долларов несколько месяцев спустя.
Американская готика (1930) Гранта Вуда
| Художник | Грант Вуд |
| Дата | 1930 |
| Средство | Масло на бобровой доске |
| Размеры | 78 см x 65,3 см |
| Где в настоящее время хранится | Институт искусств Чикаго, Чикаго |
Еще одна американская картина, которая входит в список самых известных художественных портретов, — «Американская готика», написанная Грантом Вудом в 1930 году. Вуд создал этот портрет после того, как увидел дом Диббла в Элдоне, штат Айова, и был вдохновлен архитектурой фермерского дома 19 века. Чтобы создать неоготическую сцену, которую он хотел, Вуд включил в картину портреты людей, которые, по его мнению, должны были жить в этом доме.
Сначала он сделал набросок дома на обратной стороне конверта и, получив разрешение от владельцев, начал рисовать.
Американская готика (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя многие считали, что меланхоличная пара была основана на реальной фермерской паре, Вуд решил нарисовать свою младшую сестру, Нэн Вуд Грэм, и дантиста, доктора Брайона Маккиби. Он хотел изобразить их как отца и дочь, но был открыт для интерпретаций зрителей, поскольку стало ясно, что другие воспринимали их как супружескую пару.
Он заявил, что их отношения не имеют большого значения, поскольку наиболее важным элементом работы является то, насколько правдивы их лица и раскрывают ли они аспекты американской жизни.
Две могильные фигуры, стоящие перед скромным фермерским домом, были ярким свидетельством трудностей, с которыми столкнулись американские граждане во время Великой депрессии 1920-х годов. Картина Вуда отражает трудолюбивый американский дух, которым гордились граждане, и стала классическим и часто пародируемым произведением американской культуры. Вуд представил «Американскую готику» на ежегодной выставке в Художественном институте Чикаго в 1930 году, где она получила бронзовую медаль. Музей получил картину, где она находится и по сей день.
Le Réve (1932) Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата | 1932 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 130 см x 97 см |
| Где в настоящее время хранится | Частная коллекция |
Пабло Пикассо, пожалуй, один из величайших художников всех времен, а его самым известным портретом считается Le Réve. Объектом этого портрета была Мари-Тереза Вальтер, которая в то время была 22-летней любовницей Пикассо. В отличие от другой любовницы Пикассо, Доры Маар, которую он регулярно изображал страдающей или угрожающей, он решил изобразить Мари-Терез как жизнерадостную и яркую фигуру с прекрасными светлыми волосами, которая казалась очень приветливой и теплой.
Использование чрезмерно упрощенных линий и контрастных цветов усилило акцент портрета Пикассо, поскольку он напоминал ранний стиль кубизма и фовизма 1910-х годов.
Le Réve относится к периоду искаженных изображений Пикассо, так как его искаженное изображение Марии-Терезы чрезвычайно затрудняет зрителям автоматическую идентификацию фигуры. Пикассо создал много работ с явными элементами эротики, а «Le Réve» вызвала гнев критиков и зрителей, когда она была впервые выставлена, благодаря невероятно чувственным и непристойным участкам, которые можно было увидеть.
Это произошло потому, что Пикассо изобразил то, что выглядело как эрегированный пенис, предположительно символизирующий его собственный, с одной стороны наклоненного лица своей любовницы. Цвет, использованный в этой части произведения, также усиливал мысль о том, что на картине действительно изображен пенис, поскольку Пикассо выбрал очень нейтральный и телесный тон для этой половины ее лица.
В 2013 году «Le Réve» вошла в историю как 5-я самая дорогая картина, когда-либо проданная за 155 миллионов долларов. В 2017 году эта цена оставалась второй по величине ценой, когда-либо заплаченной за картину Пикассо.
Две Фриды (1939) Фриды Кало
| Художник | Фрида Кало |
| Дата | 1939 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 173,5 см x 173 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей современного искусства, Мехико |
Фрида Кало — художница, которую называют одним из самых известных портретистов, когда-либо живших на земле, написала множество знаковых автопортретов на протяжении всей своей карьеры. Картина «Две Фриды» является очень странным, но заставляющим задуматься изображением двойственной природы жизни художницы в то время, поскольку Кало написала этот портрет во время ее развода с коллегой-художником Диего Риверой. Известно, что у них были очень взрывные и непредсказуемые отношения, они часто женились, разводились, а затем снова женились.
В картине «Две Фриды» представлены две версии Кало. Оба изображения Кало сидят в изящной, но загадочной позе, пристально глядя на зрителей. Версия слева одета в элегантное платье европейского дизайна, которое было популярно среди богатых мексиканцев, так как символизировало достаток. Версия справа одета в более традиционное мексиканское платье, состоящее из множества цветов.
Эти две женщины наглядно демонстрируют, какое сильное влияние оказывала Европа на саму суть мексиканского наследия в то время.
Возможно, самым большим центром внимания в «Двух Фридах» являются два реалистичных и ужасных сердца, которые нарисовала Кало. Поскольку более европейская версия ее самой изображена с разорванным сердцем, зрители могут ясно видеть, где на самом деле лежало сердце самой Кало, поскольку у традиционной Фриды справа сердце живое и здоровое.
Эта картина, как и большинство других автопортретов Кало, существует как глубокое символическое изображение физических и психологических травм, с которыми она столкнулась в тот момент, причем этот портрет представляет собой глубокую потерю, которую она чувствовала.
Диптих «Мэрилин» (1967) Энди Уорхола
| Художник | Энди Уорхол |
| Дата | 1962 |
| Средство | Шелкография тушью и акриловой краской на холсте |
| Размеры | 205,4 см x 289,5 см |
| Где в настоящее время хранится | Тейт, Лондон |
Последним художником и произведением в нашем списке знаменитых портретных картин является «Диптих Мэрилин» Энди Уорхола, созданный им в 1962 году. Эта монументальная картина в стиле поп-арт с шелкографией изображала культовую американскую актрису Мэрилин Монро и была отмечена как самая известная работа Уорхола с участием актрисы. Уорхол считал Монро бесконечным источником вдохновения и решил размножить ее портрет в серии красочных гравюр. Этот портрет был сделан вскоре после смерти актрисы от передозировки наркотиков в 1962 году.
Диптих содержит одну фотографию Монро, которая была размножена несколько раз как в цветном, так и в черно-белом варианте.
В качестве исходного материала Уорхол использовал рекламную фотографию из ее фильма 1953 года под названием «Ниагара». Оригинальная фотография была сделана в монохроме, и на ней Монро изображена с ее легендарной улыбкой, застывшей на месте. В цветных портретах, которые создал Уорхол, он использовал яркие цвета для ее лица, чтобы в значительной степени усилить ее макияж.
Из-за чрезмерного использования цвета Уорхолом диптих Мэрилин в определенные моменты может выглядеть как реальное изображение Монро. В другое время этот диптих может принимать совершенно другие образы, так как невероятно яркие цвета многочисленных лиц Монро чрезвычайно жестоки для глаз зрителей. Использование контрастных холстов намекает на столкновение публичного и частного «я» Монро и является странным способом Уорхола восхвалять ее блестящее присутствие в Голливуде в 1950-х и 1960-х годах, поскольку она была одной из самых известных женщин на тот момент.
В развивающемся мире искусства портретная живопись существует как один из немногих древних жанров искусства, которые используются и сегодня. Хотя мы рассмотрели только 15 самых известных портретов, созданных когда-либо, к нашему списку можно добавить множество других жизненно важных и не менее известных портретных картин. Известные художники, специализировавшиеся на портретах, часто создавали более одного известного портрета, а это значит, что существует множество других произведений искусства, которые еще предстоит изучить. Если вам понравилась эта статья, мы рекомендуем вам познакомиться с другими работами.
Часто задаваемые вопросы
Должен ли портрет включать только одного человека?
Некоторые известные художники-портретисты создавали культовые портреты, на которых было изображено более одного человека. Обычно их называют «групповыми портретами», где каждый человек принимает позу и выражает свои лучшие эмоции. Групповые портреты были и остаются невероятно популярными для семейных портретов, причем самые известные примеры были заказаны для королевских семей. Сегодня семейные портреты по-прежнему можно запечатлеть с помощью живописи, но современное изобретение фотографии позволило людям создавать свои собственные портреты, не прибегая к услугам художника.
Какой портрет является самым известным из существующих?
Если бы нам пришлось еще больше сузить список знаменитых портретов до одной картины, то самым знаковым портретом, безусловно, стала бы «Мона Лиза» Леонардо да Винчи. Как самая дорогая картина в мире, «Мона Лиза» считается лучшим произведением искусства, когда-либо созданным, независимо от жанра. Расположенная в музее Лувра в Париже, «Мона Лиза» привлекает более 10 миллионов посетителей в год. В день она принимает от 30 000 до 50 000 человек, причем 80% посетителей музея приходят только для того, чтобы посмотреть на картину да Винчи.
