В этой статье мы рассмотрим вопрос: «Что такое символизм в искусстве?». Художники, использовавшие символизм, передавали понятия через символы и подчеркивали значение, лежащее в основе форм, линий, узоров и тонов, в отличие от художников-импрессионистов, которые фокусировались на реальности самого нарисованного объекта. Творчество некоторых художников-символистов представляет собой гибель традиций изобразительного искусства эпохи классицизма. В определении искусства символизма говорится, что это движение было в авангарде модернизма, поскольку оно создало новые, иногда абстрактные техники для изображения познавательной истины и веры в существование духовного бытия за пределами физического мира.
Оглавление
Что такое символизм в искусстве?
Акцент на чувствах, настроениях, концепциях и индивидуальности, а не на реальности — вот что связывает многочисленных художников и формы, связанные с движением символистов. Многие образцы символистского искусства содержат личную информацию и передают собственную философию, в частности, уверенность художника в своей способности раскрыть истину.
Смерть могильщика (1895 — 1900) Карлос Швабе; Карлос Швабе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Символы в искусстве представляли собой смесь религиозной мистики, гротеска, сексуальности и дегенеративности в зависимости от конкретной темы. Сверхъестественное, макабр, царство сновидений, печаль, зло и смертность — общие темы среди художников, использовавших символизм.
Художники-символисты стремились к сложности и подтексту интимных, полусказанных и загадочных аллюзий, которых требовали их интеллектуальные и музыкальные эквиваленты, а не к непосредственному символизму один к одному, присутствовавшему в предыдущих формах коммерческой иконографии.
Движение символизма послужило мостом между романтизмом начала 19 века и модернизмом 20 века. Более того, глобализм символизма ставит под сомнение общепринятое историческое направление современного искусства во Франции, начиная с эпохи импрессионизма и заканчивая периодом кубизма.
Концепции и стили искусства символизма
Движение символизма развивалось в период смятения этических, общественных, теологических и академических взглядов. Земной шар выходил за рамки европейских условностей, и социализм уже не преследовал тех благих целей, с которых он начинался.
Вера, а также связь между любовью и отношениями были поставлены под сомнение.
Художники, использовавшие символизм, особенно чувствовали себя одинокими и оторванными от элиты. Однако концепция мистического имела решающее значение для формирования символов в искусстве и выражала антиматериалистические идеи, озабоченные мистицизмом.
Плачущий паук (1881), Одилон Редон; Odilon Redon , Public domain, via Wikimedia Commons
Это понятие было связано с любопытством к миру духов, а также со вкусом к макабрическому и развратному, поскольку эта эпоха часто определяется как эпоха «индульгенции», эпоха творческой или этической деградации, которая проявлялась в стремлении к нереальному, а не к органическому, и, как следствие, в представлении о том, что цивилизация находится в упадке. Художники-символисты (и авторы) подчеркивали понятие искусства ради искусства, поскольку они в целом выступали против практического использования искусства (в отличие от художников модерна), а также считали, что живопись не обязательно должна быть связана с повседневной реальностью.
Синтетизм и символизм
Понимание эстетики символизма требует понимания синтетизма. Художники-синтетики смешивали аспекты реального мира с компонентами, взятыми из предыдущих произведений или видов искусства, чтобы построить альтернативную реальность. Среди некоторых склонностей символистов был акцент на впитывании звука в искусство; эта концепция была мотивирована Артуром Шопенгауэром, который рассматривал звук как художественное средство, непосредственно передающее его значение.
Портретная фотография Артура Шопенгауэра (1859); Schäfer, Johann , Public domain, via Wikimedia Commons
Эта особенность музыки была повторена визуальными творцами. Они также использовали музыкальные подходы к организации произведений, такие как лейтмотивы — повторяющиеся части, объединяющие произведение. Художников-символистов особенно привлекала музыка Рихарда Вагнера, которая, по его мнению, содержала духовные энергии и предусматривала широкий союз искусств.
Таким образом, используя оптические или слуховые стимулы, художники, использовавшие символизм, стремились перевести туманные переживания в некий вид чувственного представления.
Модерн и символизм
Считается, что модерн является подтипом символизма. В символизме и модерне есть много общего, например, снисходительная тематика работ Обри Бердсли, но модерн — это, скорее, декоративная эстетика, основанная на естественной форме и воплощенная во всех видах искусства, а также в любом предмете, который можно сделать «выразительным», например, в брошах, мягкой мебели и так далее.
Изольда (1899) Обри Бердсли; Обри Бердсли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Невозможно точно определить его происхождение, хотя большинство экспертов считают, что он зародился в Бельгии благодаря работам Виктора Орта. Тем не менее, стиль сразу же получил международное признание. Целью креативного модерна было создание стиля, который мог бы распространяться на все виды искусства и сосуществовать с потребностями машинной эпохи и современного мира.
Глобальный символизм
В изобразительном искусстве большинство ученых определяют художественное определение символизма как подход к предмету, а не как стиль, как это было более очевидно в литературе. Большинство художников-символистов конца 19 века находились под влиянием социальных и моральных потрясений того времени, что вылилось в интимные, метафизические, эзотерические, а иногда и загадочные символы и темы, относящиеся к очевидной испорченности того времени. На разных уровнях и из разных графических источников в этой концепции участвовали произведения художников многих стран.
Мы начнем с Франции, где слово «символизм» было впервые использовано для характеристики этого явления, а эстетика была стандартизирована.
Французский символизм
Одилон Редон и Гюстав Моро были двумя самыми выдающимися французскими художниками-символистами. Моро находился под влиянием художников-романтиков, таких как Эжен Делакруа, а также иностранцев в целом. В создании фантастических сновидческих пейзажей Редон руководствовался мотивами романтиков, а также Франсиско Гойи, что объясняет тревожное качество его работ.
Майя и Селестина (1808 — 1812) Франсиско Гойя; Франсиско де Гойя, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Набис
Наби — это группа художников, использующих символизм, созданная в 1889 году Полем Серюзье и вдохновленная его произведением «Талисман» (1888). Хотя они не разделяли политические или религиозные убеждения других символистов, «наби» хотели установить связь с высшими силами; они считали, что художник играет роль святого человека, способного открыть невидимое.
Однако тематика отличалась, поскольку они фокусировались на жилых интерьерах, как Пьер Боннар и Эдуард Вюйар. Многие из художников-набистов публиковались вместе со своими научными эквивалентами в символистском журнале La Revue Blanche.
Росикрусианство и символизм
Розикрусианцы были группой художников во главе с писателем Сар Жозефином Пеладаном, которые придерживались эзотерических доктрин предполагаемого ясновидца XV века Кристиана Розенкрейца. Они осуждали потребительство эпохи и воскрешали католицизм и искусство Ренессанса, но с духовным, оккультным подтекстом. Для этого сообщества искусство было средством приобщения к религиозному просвещению.
Карикатура на Жозефина Пеладана (1890), Альфред Ле Пети; Альфред Ле Пети, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Их работы повторяли тип мистической метафоры, но были более традиционными по стилю. В эту группу символистов входили художники Арман Пойнт, Шарль Филигер и Марселин Десбутен, которые в течение пяти лет, начиная с 1892 года, выставлялись в парижских салонах «Роза и Круа». Эти салоны были примечательны тем, что в них были представлены работы множества художников из других стран, кроме Франции.
Символизм в Бельгии и Англии
Фернан Хнопф, чьи работы сохраняют определенную долю разврата, и более эксцентричный Джеймс Энсор, который исследовал значение масок, были двумя наиболее заметными художниками в Бельгии. Символизм можно наблюдать в творчестве Обри Бердсли и Оскара Уайльда в 1890-х годах, которое можно считать «снисходительным», с упором на чувственность. Бердсли исследовал такие темы символизма, как концепция роковой женщины, средневековое фэнтезийное царство короля Артура и музыка Рихарда Вагнера.
Подход Бердсли, с другой стороны, больше напоминает модерн, с которым он также связан.
Символизм в остальном мире
Арнольд Бёклин создавал свои «пейзажи настроения» в Швейцарии, комбинируя картины из своего сознания. Его соотечественник Фердинанд Ходлер создал такие работы, как «Ночь» (1889 — 1890) и «День» (1899 — 1900), которые отличаются более экспрессивными и стилизованными фигурами, а также использованием представлений и аналогий, а не икон как таковых — хотя позы и выражения его фигур, по-видимому, представляют различные состояния бытия.
Ночь (1889 — 1890) Фердинанд Ходлер; Фердинанд Ходлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джованни Сегантини, итальянский художник, создавал волшебные виды швейцарских Альп. Значительная, хотя и короткая, группа художников-символистов прибыла из Голландии, в частности Йохан Торн Приккер и Ян Тоороп, оба из которых создали квинтэссенцию символистских образов. Сценические эскизы были предоставлены русскими художниками-символистами, такими как Леон Бакст.
День (1899 — 1900) Фердинанда Ходлера; Фердинанд Ходлер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Важные художники-символисты и их произведения
Теперь мы рассмотрим несколько избранных примеров искусства символизма. Эти художники и их произведения искусства правильно представляют и воплощают определение искусства символизма. Их использование символов в искусстве всемирно известно.
Гюстав Моро (1826 — 1898)
| Национальность | Француз |
| Дата рождения | 6 апреля 1826 года |
| Дата смерти | 18 апреля 1898 года |
| Место рождения | Париж, Франция |
Мистические работы Гюстава Моро связаны с современной озабоченностью неземным, болезненным и жизнью разума, что делает его одним из самых привлекательных художников 19 века для современной публики. Моро изображал творения своего разума на холсте с точным реализмом, отчасти вдохновляясь своей своеобразной теологической философией, которую называли неоплатонистской, подчеркивающей недостатки и хрупкость физического мира.
Он считал, что таким образом дает возможность небесному видению общаться с ним через кисть. Работы Моро, на которых обычно изображены сцены из библейских или легендарных сюжетов, переполнены запутанным символизмом, который он принимал за отражение конкретных желаний и эмоций в абстрактных формах, святых и смертных существах, схватившихся в битве, и странных образах секса и страдания.
Автопортрет (1850) Гюстава Моро; Гюстав Моро, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его искусство предвосхищает не только такие направления, как символизм (предшественником которого он был) и сюрреализм, но и специфические проблемы нашего времени, считающиеся тем, что дало свободу самым глубоким и скрытым побуждениям человеческой психики.
Юпитер и Семела (1895)
| Художник | Гюстав Моро |
| Дата создания | 1895 |
| Средство | масляная краска |
| Текущее местонахождение | Национальный музей Гюстава Моро |
На этой картине изображена история Юпитера, небесного монарха богов, и Семелы, которая, по совету супруги Юпитера Юноны, просит Юпитера заняться с ней любовью в его великолепном великолепии. Юпитер не может устоять перед ее привлекательностью, хотя и знает, что она будет поглощена его блеском и огнем его величия. В результате картина представляет связь человечества с божественным, которая завершается смертью.
Юпитер и Семела (1895), Гюстав Моро; Гюстав Моро, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Тем не менее, как отмечал художник, «все изменено, очищено и прославлено. Начинается бессмертие, и Божественное проникает во все». Смерть, распад и возрождение — все эти темы возникают в картине.
Моро, как и Вагнер, пошел по стопам Вагнера, создавая образы в манере симфонической поэзии в их богатстве цвета и внешнего вида, хотя эта же черта не позволила ему выделить более современные части символизма. Художник использовал более ортодоксальную технику для передачи информации, но, как и в символизме, смысл проистекает из самих форм; человечество мелкомасштабно и хрупко в своей тягучей сочности.
Двусмысленный облик Юпитера намекает на одиночество мечтающего художника и существование мыслей.
Моро, который имеет решающее значение для любого исследования символизма, дополнил более литературные компоненты символизма, взяв свои темы из Священного Писания или, как в данном случае, мифологии — в то же время указывая на некоторые страхи и тревоги современной эпохи.
Одилон Редон (1840 — 1916)
| Национальность | Француз |
| Дата рождения | 20 апреля 1840 года |
| Дата смерти | 6 июля 1916 года |
| Место рождения | Бордо, Франция |
Одилон Редон считается одним из самых выдающихся и уникальных художников-символистов. Его образные работы вдохновлены миром мечты, воображения и фантазии. Он стал известен благодаря своей серии «Нуар» — коллекции монохроматических работ, в которых используются эмоциональные и провокационные возможности черного цвета.
Портретная фотография Одилона Редона (ок. 1880 г.); Guy et Mockel (Pierre Mockel) , Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его литографии, которые часто изменяли конфигурацию более ранних иллюстраций, стали для него способом расширить круг зрителей, а также открыть для себя различные темы или литературные произведения в сериях — его особенно привлекали романтические и символистские произведения По, Флобера и Малларме. Позже Редон постепенно начал использовать более яркую палитру, и его работы пастелью и маслом изобилуют цветом, в основном это портреты и цветочные натюрморты.
Встреча с Наби открыла ему более орнаментальный стиль, и в его поздних работах появился японизм, а также акцент на уплощенные абстрактные узоры и орнаментальные группы. Редон оказал огромное влияние на творчество своих коллег, таких как Поль Гоген, а также последующих современных художников, таких как Марсель Дюшан.
Его литографии обожали писатели-символисты того времени, а также последующие сюрреалисты за их порой странные и магические темы, многие из которых объединяли научные исследования с образным видением.
Глаз, как странный воздушный шар, устремленный в бесконечность (1882)
| Художник | Одилон Редон |
| Дата создания | 1882 |
| Средство | Литография |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства |
Несмотря на то, что к моменту создания литографии Редона Эдгар Аллан По был уже мертв около 33 лет, это не воспроизведение произведений По, а, скорее, созвучие с ними в своем заклинании мрачной вселенной писателя. Единственный глаз — старая эмблема, но здесь она изменена. Огромный глаз представляет собой дух, выходящий из безжизненного тела болотника.
Эдгар По (Глаз, как странный воздушный шар, устремляется в бесконечность) (1882), Одилон Редон; Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Это физический инструмент, который устремлен в небо к всемогущему, унося с собой мертвый череп. Бесплотная область, а также ореол света вокруг основного изображения способствуют представлению о сверхъестественном. Находясь в царстве фантазии, картина вызывает чувство удивления. Картины Редона, однако, не следует путать с сюрреализмом, поскольку их цель — создать целостное, точное представление — голова как генезис творчества и душа, заключенная в материю.
Более того, картины Редона отличаются от сюрреализма тем, что идея может быть сконструирована. Образы Редона бесплотны и гротескны, но при этом они являются высшей реальностью. «Я обращался к маловероятному через необычное и таким образом предлагал визуальную связность замеченным мною образным аспектам», — заявлял художник. Редон был увлечен модернизмом, больше, чем другие символисты.
Несмотря на то, что он был символистом, его также увлекал материализм того времени, например, исследования Чарльза Дарвина по адаптации, изучение зоологических видов и, как показано в этой работе, конструирование воздушных шаров.
Его искусство было изображением его собственной внутренней вселенной, представленной в личных символах, что делало его более доступным для интерпретации и позволяло зрителям постичь скрытые истины, заключенные в формах.
Джеймс Энсор (1860 — 1949)
| Национальность | Фламандец |
| Дата рождения | 13 апреля 1860 года |
| Дата смерти | 19 ноября 1949 года |
| Место рождения | Остенде, Бельгия |
Несмотря на обучение традиционной живописи, Энсор сразу же отказался от нее в пользу разработки нового стиля, который выражал его собственный взгляд на текущую жизнь. Его особенно привлекала популярная карнавальная культура, структурированная вокруг ежегодного празднования Марди Гра по всей Бельгии, что, вероятно, было вдохновлено тем фактом, что бизнес его семьи в Остенде был крупным розничным продавцом карнавальных товаров.
Автопортрет в шляпе с цветами (1883 — 1888), Джеймс Энсор; Джеймс Энсор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его работы постоянно сардоничны и насмешливы, демонстрируя почти гротескную версию реализма, нацеленную на хронику напряженности, лежащей в основе современных социальных нравов его времени, и, скорее всего, всех времен. Энсор создал прорывную технику живописи, которая больше подходила для его конкретной цели. Он начал создавать объем с помощью цветовых пятен на поверхности картины, отказавшись от использования иллюзионизма и одноточечной точки зрения для упорядочивания представленного изображения. В результате изображения больше не блекли, а скорее угрожали проникнуть в пространство зрителя.
Фигуры на картинах Энсора приковывают к себе внимание, хотя они заполнены до отказа и лишены пространства для дыхания.
Смерть и маски (1897)
| Художник | Джеймс Энсор |
| Дата создания | 1897 |
| Средство | масляная краска |
| Текущее местонахождение | Музей Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес |
Энсор придает черепу Смерти в центре, с его зловещей улыбкой, и маскам реалистичных черт лица; маска стала лицом, но это все еще маскировка, которая стремится скрыть внутреннюю пустоту элиты и развращенность времени. Собранная композиция подразумевает, что это широко распространенная проблема и что картина отражает обвинительный акт художника против современного общества.
Смерть и маски (1897), Джеймс Энсор; Джеймс Энсор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Энсор интересовался масками, поскольку у его матери был туристический магазин, где продавались такие вещи, как эти маски из папье-маше, которые носили во время карнавала в Бельгии. Энсор желал возвращения к «сырым и органичным» местным ярмаркам и праздникам его родной Бельгии, чтобы способствовать объединению, но он знал, что туристы, капитализм и индустриализация помешают этому.
Кроме того, Энсор был продолжателем всего северного наследия преувеличения, причудливого и фантастического, которое можно наблюдать в работах Иеронима Босха. Однако, в отличие от реалистических корней искусства Босха и Брейгеля, Энсор выбирает светлую, яркую палитру, передающую игривость и безрассудство, а также использует грубое и тактильное распределение краски, что указывает на глубину и трагизм времени.
Таким образом, задолго до экспрессионистов Энсор использовал первобытный цвет и жестокие текстуры, чтобы разоблачиться до уровней человеческой психики, разделив ее глубины — в дополнение к дополнению своего символического лексикона нюансированными политическими коннотациями.
И на этом мы завершаем наше исследование искусства символизма. Мы ответили на вопрос «Что такое символизм в искусстве? Мы рассмотрели несколько примеров искусства символизма и изучили определение искусства символизма. Мы узнали, что символы в искусстве использовались художниками для выражения идей и понятий, которые не могут быть переданы повседневной реальностью и существующими в ней объектами.
Часто задаваемые вопросы
Что такое символизм в искусстве?
Различные художники и жанры движения символистов связаны между собой тем, что в них акцент делается на чувствах, настроениях, концепциях и личности, а не на реальности. Многие примеры работ символистов включают в себя личную информацию и выражают собственные идеологии, в первую очередь веру художника в свою способность раскрыть истину. С точки зрения тематики, символы в искусстве представляли собой смесь религиозной тайны, гротеска, сексуальности и разврата. Оккультизм, макабр, царство сновидений, горе, зло и смертность — все эти темы занимают видное место в творчестве художников-символистов.
Что такое определение искусства символизма?
Движение символизма возникло в период потрясений в этических, социологических, религиозных и научных взглядах. Мир расширялся за пределы европейских стандартов, и социализм больше не воплощал в себе благородные цели, с которых он начинался. Вера, а также связь между любовью и отношениями были поставлены под сомнение. Художники-символисты, в частности, чувствовали себя одинокими и исключенными из элиты. Концепция мистического, с другой стороны, была жизненно важна для создания символов в искусстве и передавала антиматериалистические убеждения, очарованные мистицизмом.
