Произведения Василия Кандинского являются одними из самых влиятельных в жанре абстрактного искусства. Абстрактное искусство Кандинского отражало убеждение, что «вещи вредят образам», поэтому он экспериментировал с формами и цветами, чтобы вызвать мистицизм и человеческие чувства. Картины Кандинского передавали его уникальный визуальный словарь, который превосходил материальную реальность, изображая состояние человека. Портреты Василия Кандинского и знаменитые кружковые работы сделали его одним из самых выдающихся персонажей современного искусства.
Оглавление
Введение в творчество и жизнь Василия Кандинского
Василий Кандинский, пионер абстрактного современного искусства, использовал убедительную взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического ощущения, которое покоряло глаз, слух и чувства публики. Он считал, что абсолютная абстракция позволяет добиться осмысленной, возвышенной артикуляции, а подражание окружающей среде лишь препятствует этому подходу. Он изобрел графический язык, который был лишь поверхностно связан с внешним миром, но многое передавал о внутреннем мире художника. Он стремился создавать работы, которые передавали бы объединяющее чувство духа.
Визуальный язык Кандинского прошел три стадии развития, начиная с ранних реалистических полотен и их небесного смысла, переходя к эйфорическим и драматическим творениям, и, наконец, к поздним, геометрическим и биоморфным плоским поверхностям пигмента.
Портрет Василия Кандинского; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons
Картины и убеждения Кандинского оказали влияние на многие десятилетия художников, начиная с его учеников в Баухаузе и заканчивая абстрактными экспрессионистами после Второй мировой войны. Картины Кандинского были, прежде всего, очень духовными. Он стремился передать глубокий мистицизм и глубину человеческих чувств через глобальную визуальную среду геометрических форм и оттенков, которые пересекали социокультурные границы.
Абстрактное искусство Кандинского рассматривалось как оптимальный визуальный метод для выражения «внутреннего императива» творца и передачи универсальных человеческих чувств и концепций.
Он считал себя посланником, задача которого — донести эту концепцию до остального мира, чтобы улучшить общество. Кандинский считал музыку наиболее трансцендентным видом беспредметного творчества, поскольку музыканты могли создавать картины в воображении слушателей просто с помощью звуков. Он стремился создавать такие же беспредметные, эмоционально сложные произведения искусства, которые отсылали бы к звукам и чувствам через объединение смысла.
Наш список важных картин Василия Кандинского
Абстрактные работы Кандинского, такие как его абстрактные картины с кругами, могут быть самыми известными, но это был не первый стиль, в котором он рисовал. Некоторые из его ранних работ демонстрируют более традиционный подход. Давайте подробнее рассмотрим работы Василия Кандинского, которые были важными в его творческом пути.
Синий всадник (1903)
| Дата завершения | 1903 |
| Средство | Масло на открытке |
| Размеры | 69 см x 55 см |
| Текущее местонахождение | Частная коллекция |
Кандинский, единственный ребенок чайного торговца, родился в Москве в 1866 году. Когда его родители разошлись, он был вынужден жить у тетки, и именно там он познакомился с силой цвета. В университете он решил изучать финансы и право, и сдал экзамены «без труда».
Увидев одну из работ Моне «Стога сена» вскоре после свадьбы со своей кузиной, он оказался перед выбором: стать преподавателем или начать карьеру в искусстве. Он решил изучать живопись, и в 1896 году 32-летний художник отправился в Мюнхен, Германия. На картине изображен всадник в синем плаще, мчащийся по полю на бледном коне, на фоне леса.
Неопределенность формы человека на коне, изображенного в смеси оттенков, которые почти сливаются друг с другом, предвещает его увлечение абстракцией.
Синий всадник» (1903), Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мотив коня и всадника вновь появился в нескольких его последующих картинах. Этот узор символизировал отказ Кандинского от устоявшихся эстетических идеалов, а также перспективы утонченного, более духовного существования через искусство. Сама картина не впечатляет, но она ознаменовала собой важный поворотный пункт в эстетическом движении Кандинского от импрессионизма к современному абстрактному искусству, предтечей которого он был. Это одна из его последних импрессионистских картин, и в ней есть ранние признаки стиля, который станет его специальностью. Синий цвет, в частности, имел для художника глубокое значение.
Еще один важный аспект этой работы заключается в том, что ее немецкое название совпадает с названием организации прогрессивных художников Кандинского, которая выпускала периодический журнал и организовывала выставки своих работ в 1911 году.
Голубая гора (1909)
| Дата завершения | 1909 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 107 см x 96 см |
| Текущее местонахождение | Музей искусств Соломона Р. Гуггенхайма |
Влияние фовистов на цветовую палитру Кандинского заметно в этой работе, поскольку он исказил оттенки и отошел от органической среды. Он изобразил яркую синюю гору, окаймленную с обеих сторон желто-красным кустарником. Всадники на лошадях скачут по местности на переднем плане. Книга Откровения святого Иоанна Богослова стала важной текстовой ссылкой для живописи Кандинского на этом этапе его карьеры, а всадники представляют собой четырех всадников Апокалипсиса.
Хотя всадники изображают огромное разрушение в апокалипсисе, они также представляют возможность спасения в будущем.
Синяя гора (1908-1909) Василий Кандинский; д-р Алексей Яковлев, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons
Яркие цвета и динамичная кисть Кандинского передают зрителю чувство оптимизма, а не печали. Кроме того, яркие цвета и черные контуры восходят к его увлечению русским народным искусством. Эти вдохновения продолжали влиять на подход Кандинского до конца его карьеры, яркие цвета определяли как реалистические, так и беспредметные работы. Кандинский отошел от реалистического и во многом символического искусства и стремился к абсолютной абстракции.
В этой картине формы четко смоделированы на основе их видимого присутствия во внешней среде, и его абстракции развивались только тогда, когда Кандинский совершенствовал свои представления об искусстве.
Композиция IV (1911)
| Дата завершения | 1911 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 159 см x 250 см |
| Текущее местонахождение | Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф |
Композиция IV была завершена в 1911 году как часть серии из десяти частей. Кандинский использовал яркие, противоположные цвета для создания эстетического, метафизического и психологического впечатления на зрителя. В левом верхнем углу изображения два захватчика держат в руках тесаки. Справа пять захватчиков с копьями и один с мечом стоят на фоне голубого склона холма с возвышающимся на нем зданием.
Радуга в левой центральной части изображения представляет собой пешеходный мост. Черные линии подчеркивают желтые и красные оттенки. В искусстве Казимира Малевича присутствуют общие идеи. Резкие линии разной толщины контрастируют с более мягкими цветами, использованными в картине, а две вертикальные линии как бы разделяют композицию.
Внимание зрителя быстро привлекает голубое пятно на фоне, окрашенном преимущественно в мягкие пастельные тона.
Композиция IV (1911), Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Цвета гармонично сочетаются, как и линии и формы, намекая на грядущую гармонию и искупление. На Кандинского оказало большое влияние использование цвета в картине Моне «Стога сена» и оркестровая композиция «Лоэнгрина» Рихарда Вагнера. Он также был заинтригован метафизическими представлениями мадам Блаватской об оккультизме. В Композиции IV он использовал нагромождение хаотичных форм и цветов для передачи духовных и эмоциональных тем. За исключением работ «Едущая пара» (1906) и «Воскресенье, старая Россия» (1904), Кандинский никогда не включал в свои работы людей.
Использование цвета в обеих работах превалирует над изображением предмета.
Композиция VII (1913)
| Дата завершения | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 190 см x 275 см |
| Текущее местонахождение | Третьяковская галерея, Москва |
Композиция VII, часто рассматриваемая как зенит успеха Кандинского до Первой мировой войны, демонстрирует отказ художника от графического представления через вихревой водоворот цветов и узоров. Убежденность Кандинского в том, что произведения искусства могут вызывать звуки так же, как музыка вызывает определенные оттенки и узоры, подтверждается театральным и хаотичным кружением форм вокруг картины. Даже название «Композиция VII» отражает его стремление соединить мелодическое и эстетическое, подчеркивая нерепрезентативный подход Кандинского в этом произведении.
Кандинский стер традиционные намеки на перспективу и обнажил множество стилизованных персонажей, а разнообразные оттенки и узоры вихрем кружатся вокруг друг друга, чтобы раскрыть глубинные понятия и чувства, общие для всех цивилизаций и наблюдателей.
Композиция VII (1913), Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На протяжении 1910-х годов Кандинского волновала концепция Армагеддона и спасения, и он официально связал вращающееся расположение произведений искусства с концепцией циклических циклов уничтожения и спасения. Несмотря на очевидную беспредметность произведения, Кандинский включил в него различные символические связи. Среди множества форм, составляющих его визуальный лексикон, Кандинский создавал глифы судов с веслами, холмов и людей.
Он не хотел, чтобы зрители воспринимали эти эмблемы буквально, вместо этого он наполнил свои работы многочисленными аллюзиями на Страшный суд, потоп и рай в Эдеме, предположительно одновременно.
Москва I (Красная площадь) (1916)
| Дата завершения | 1916 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 49 см x 51 см |
| Текущее местонахождение | Государственная Третьяковская галерея, Москва |
Поначалу переезд в Москву в 1914 году вызвал период отчаяния, и Кандинский почти ничего не создал за первый год своего пребывания там. В переписке со своим близким коллегой Мюнтером, когда в 1916 году ему удалось снова взяться за кисть, он заявил о своем желании написать картину Москвы. Продолжая совершенствовать свою абстракцию, он изобразил достопримечательности города и уловил его суть в этом произведении искусства. Москва I (Красная площадь) — это уникальная городская среда, которая далека от попыток воспроизвести внешний вид площади.
Кандинский изображает сердце Москвы, одно из своих любимых мест. Он вращается посреди площади и показывает ее ключевые достопримечательности, отчасти используя будущую манеру выражения потока форм.
Москва I (Красная площадь) (1916), Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художник описывал свое любимое время суток как «таяние всей Москвы, сведенное к определенной точке, от которой, как от сумасшедшей тубы, начинает гудеть вся душа и весь дух». Этот момент сумерек — «завершающий аккорд концерта, который возносит каждый оттенок к вершине существования и, подобно крещендо великой симфонии, одновременно вынужден и разрешен Москвой».
«Город обозначает дуализм, запутанность, большую степень движения, конфликт и беспорядок различных эстетических частей… Эту внутреннюю и внешнюю Москву я считаю отправной точкой моего голодания». «Москва для меня — графическая вилка», — говорил он.
Композиция VIII (1923)
| Дата завершения | 1923 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 140 см x 201 см |
| Текущее местонахождение | Музей Соломона Р. Гуггенхайма |
Картина состоит из множества геометрических форм, цветов, прямых и извилистых линий, расположенных на кремовом фоне, который в разных местах переходит в пастельно-голубой. Использование в работе колец, квадратов, прямоугольных форм, дуг, пирамид и других геометрических форм отражает убежденность художника в метафизических свойствах геометрических форм, а цвета, представленные на выставке, подобраны с учетом их психологического эффекта.
Кандинский, который с юных лет был очарован цветом и верил, что он обладает мистическими свойствами, намеревался исследовать взаимосвязь между шумом и цветом, которая позволила бы художнику создать произведение так же, как музыканты создают песни.
Композиция VIII (1923), Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Во время создания этой картины Кандинский переехал из зарождающегося Советского Союза в Веймарскую республику — период, который известен как период Баухауса, в связи с растущими ограничениями на творческое самовыражение в рамках марксистско-ленинской государственной системы. Годы, проведенные в старой Российской империи и сменившем ее государстве, в основном потраченные на ремонт музеев и отстаивание своих творческих взглядов, не были плодотворными в плане художественного творчества, но художник вышел из этой фазы своей жизни обновленным и готовым вернуться к творчеству.
Германия 1920-х годов, в которой была создана эта картина, была одним из самых прогрессивных периодов и мест в Европе, совершив переход от аристократии к истинной демократии, и предлагала здоровую атмосферу для авангардного движения, которое так мотивировало Кандинского в его ранние годы.
Сейчас картина выставлена в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.
На белом II (1923)
| Дата завершения | 1923 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 105 см x 98 см |
| Текущее местонахождение | Центр Жоржа Помпиду, Париж |
Кандинский использовал разнообразные геометрические формы и линии в красочном и буйном современном представлении, вдохновляя многих художников подражать ему. Картину «На белом II» можно увидеть в Центре Жоржа Помпиду в Париже, Франция. В этой картине преобладает белый цвет, включая фон, о чем говорит ее название. Белый цвет использовался Кандинским для обозначения жизни, спокойствия и неподвижности.
Энтузиазм художника к свободному излиянию внутренних чувств отражен в основной массе геометрических узоров, которые представлены в цветовой гамме.
На белом II (1923) Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Смелые, шипастые колючки черного цвета пронзают спектр форм и цветов, наводя на мысль о небытии и смертности. Замысловатость музыкальной композиции можно сравнить со сложным и, возможно, завораживающим отображением форм и цветов. Кандинский, один из пионеров абстрактной современной живописи, использовал графическую взаимосвязь между цветом, формой и очертаниями, чтобы возбудить интеллект зрителя и открыть дверь для глубокого духовного выражения.
Искусство, по мнению Кандинского, было методом передачи глубоких душевных и человеческих чувств с помощью высоко абстрактных форм, выходящих за все традиционные рамки.
Круги в круге (1923)
| Дата завершения | 1923 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 98 см x 95 см |
| Текущее местонахождение | Музей искусств Филадельфии |
Считается, что у Кандинского развилась синестезия. Она проявлялась у него в сочетании зрения и слуха. Также считается, что он был глубоко интеллектуальным человеком и художником, в его работах часто исследуется равновесие космоса и понятие духовности.
Несмотря на то, что Кандинский написал множество абстрактных картин с кругами, он использовал форму треугольника, чтобы представить просветление и вознесение человечества.
Круги в круге (1923), Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Цвета и узоры картины «Круги по кругу» создают дезориентирующее впечатление. Внутренние элементы кажутся наполненными жизненной силой или плывущими к вершине какого-то таинственного бассейна, поскольку они окружены толстым черным внешним кольцом. В этом искусстве есть природный элемент — что-то вроде звезд или солнечных лучей — но также и визуальная интенсивность, обусловленная его опытом чтения лекций в Баухаузе с 1922 по 1933 год.
Другие исследовали эту сложную композицию с метафорической точки зрения, углубляясь в толкование оттенков и точного количества кругов и линий.
Несколько кругов (1926)
| Дата завершения | 1926 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 140 см x 140 см |
| Текущее местонахождение | Музей Соломона Р. Гуггенхайма |
Кандинский создал эту абстрактную картину с кругом в шестидесятые годы, и она служит примером его постоянных поисков оптимального выражения эмоциональных проявлений в искусстве. Эта знаменитая работа с кругом, созданная в рамках его исследований линейного подхода к живописи, демонстрирует его увлечение формой круга.
«Круг, — утверждал Кандинский, — это объединение самых сильных противников. Он объединяет круговое и хаотичное в единую форму, которая уравновешена. Это самая очевидная из трех основных форм, указывающая на четвертое измерение».
Несколько кругов (1926) Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В этой работе он сосредоточился на различных возможностях интерпретации круга, чтобы создать ощущение эмоционального и духовного равновесия. Различные размеры и яркие цвета каждого круга выплывают из картины и смягчаются деликатными диссонансами масштаба и цвета Кандинского.
Текучесть круглых форм отражает их всеохватность — от планет в галактике до капель росы; круг — это форма, необходимая для существования.
Композиция X (1939)
| Дата завершения | 1939 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 130 см x 195 см |
| Текущее местонахождение | Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф |
Кандинский считал, что настоящий художник, создающий искусство из «внутренней необходимости», живет на вершине восходящей пирамиды. Эта восходящая пирамида зондирует и движется вперед. То, что вчера было странным или немыслимым, сегодня является обычным; то, что сейчас является авангардным (и постигается лишь избранными), однажды станет общеизвестным. Современный художник стоит один на вершине пирамиды, открывая новые прорывы и привнося реалии будущего.
Кандинский знал о современных технологических прорывах, а также о достижениях современных художников, которые привнесли глубоко новые методы видения и познания мира.
Композиция X и последующие работы в первую очередь направлены на то, чтобы вызвать духовную связь как у наблюдателя, так и у создателя. Кандинский, как в этой картине «Армагеддон у воды» («Композиция X»), ставит наблюдателя в перспективу встречи с этими великими повествованиями, интерпретируя их в современных терминах с чувством страдания, трепета, смятения и срочности.
Композиция X (1939) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В рамках слов и визуальных образов можно сформулировать эту духовную связь наблюдателя, произведения искусства и пророка. Кандинский часто сравнивал написание оттенков и образов на холсте с аранжировкой прекрасной музыки, в результате чего многие его работы были названы вариациями композиции X .
Его метафора художественного произведения — это музыкальное произведение, сосредоточенное вокруг клавиатуры, где глаза представляют молоточки, цвет — клавиши, а душа — музыкальные инструменты и струны. Композиции Кандинского, как и музыка, — это не просто мешанина тонов. Это намеренно расставленные музыкальные партии, точно выверенные, чтобы вызвать наибольшую эстетическую и психологическую реакцию у зрителя.
Картины Василия Кандинского являются одними из самых значительных в области абстрактного искусства. Абстрактные работы Кандинского отражали его идею о том, что «предметы причиняют боль картинам», поэтому он экспериментировал с формами и цветами, чтобы вызвать мистицизм и человеческие эмоции. Картины Кандинского передавали свой собственный визуальный лексикон, который выходил за пределы материальной реальности, чтобы выразить человеческие трудности. Портреты Василия Кандинского и культовые картины с кругами сделали его одной из самых значительных фигур современного искусства.
Часто задаваемые вопросы
Чем был известен Василий Кандинский?
В начале 20-го века Василий Кандинский произвел революцию в абстрактном искусстве. Он утверждал, что геометрические формы, кривые и оттенки могут передать внутреннее существование художника. Этот подход был очевиден в его собственных драматических работах, на которые часто влияла музыка. Работы Кандинского сегодня стоят десятки миллионов долларов на аукционах и хранятся в нескольких музеях по всему миру.
Что такое абстрактное искусство?
Абстрактное искусство использует оптический словарь формы, очертаний, оттенков и контуров для создания произведений, которые могут существовать независимо от визуальных сигналов в окружающей среде. Начиная с эпохи Возрождения и до 19 века, западное искусство основывалось на принципе точки зрения и стремлении воспроизвести впечатление от видимой реальности. К 19 веку многие художники почувствовали потребность в создании нового вида искусства, которое отражало бы глубокие изменения, происходящие в промышленности, физике и мышлении.
