Черно-белые художники используют отсутствие цвета для достижения максимального эффекта. Резкий контраст между черным и белым доказал свою эффективность в подчеркивании контрастных реалий и идеалов нашего мира в различных художественных изображениях на протяжении всей истории. Многим из нас знакомо мнение, что белый цвет символизирует чистоту, а черный — нечто более темное. Художники, которых мы включили в наш список, по-своему интерпретировали эти два разных оттенка. Продолжайте читать, чтобы ознакомиться с нашим списком 10 самых известных черно-белых картин!
Оглавление
Наш список знаменитых черно-белых картин
В самом строгом смысле белый — это отсутствие цвета, но верно и то, что черный и белый существуют в одном спектре. В нейтральном сером цветовом спектре черный и белый находятся на крайних противоположных концах, что означает, что ограничение цветов картины только черным и белым делает ее монохроматичной. На самом же деле черное и белое могут существовать как единое целое, в гармонии, а не всегда обозначать четкое различие.
Давайте посмотрим, как эти разные художники мастерски создавали великолепные черно-белые произведения искусства.
Одалиска в гризайли (ок. 1824 — 1834) Жан-Огюст-Доминик Ингр
| Художник | Жан-Огюст-Доминик Ингр |
| Дата написания | c. 1824 — 1834 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 83,2 см x 109,2 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки |
Великолепная картина Жана-Огюста-Доминика Ингра «Одалиска в гризайлях» является неполным повторением его широко известной «Большой одалиски» (1814), произведения, которое стало основой его абстракции идеальной красоты. Картины, выполненные в оттенках серого, обычно создавались граверами в качестве ориентира для определения различий в тоне для черно-белых репродукций. Однако замысел «Одалиски в гризайли» остается неизвестным, поскольку она не была официально связана с «Большой Одалиской».
Одалиска в гризайли (ок. 1824-1834), Жан-Огюст-Доминик Ингр; Jean Auguste Dominique Ingres, CC0, via Wikimedia Commons
Тщательная переработка Ингром упростила композицию по сравнению с его «Большой одалиской», а также уменьшила масштаб. Ингр поместил фигуру перед простым черным фоном, что побуждает зрителя уделять больше внимания самой фигуре. Мотив лежащей женщины был популярен со времен Ренессанса. Плавные линии, которые Ингр использовал для изображения женщины, подчеркивают нежные изгибы ее тела.
Ритмичная кривая, повторяющая все тело женщины, демонстрирует художественный выбор Ингра в пользу стилизации ее фигуры, поскольку ее тело искажено в иллюзорной манере.
Ингр сохраняет плоскую плоскость в своем изображении, чтобы ее фигура оставалась декоративной. Картина «Одалиска в гризайлях» показывает мастерство Ингра, поскольку демонстрирует уровень его абстракции. Картина существует как чистый образ. Свобода Ингера в работе с человеческой формой побудила других художников к экспериментам, а его наследие позволило ему стать провозвестником современного искусства.
Черный квадрат (1915) Казимира Малевича
| Художник | Казимир Малевич |
| Дата написания | 1915 |
| Средство | Масло на льне |
| Размеры | 79,5 см x 79,5 см |
| Где в настоящее время хранится | Третьяковская галерея, Москва, Россия |
Трепетная картина «Черный квадрат» русского художника-авангардиста Казимира Малевича была первым из четырех вариантов. Малевич часто работал с необычайно простыми концепциями. Его знаменитое черно-белое абстрактное искусство представляет собой изображение огромного черного квадрата, который доминирует над полотном, на котором он написан. Со временем «Черный квадрат» Малевича потрескался. Впервые Малевич выставил эту работу в Петрограде на выставке «0,10» в 1915 году. Художники, кураторы, историки считают «Черный квадрат», который Малевич называл «нулевой точкой» искусства.
Черный квадрат (Черный супрематический квадрат) (1915), Казимир Малевич; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Малевич указывал, что его работа является частью движения супрематизма, которое сосредоточилось на главенстве художественного чувства. Единственным изобразительным элементом композиции является сам квадрат, но такие тонкости, как видимые отпечатки пальцев, мазки кисти и цвета, проглядывающие сквозь трещины под краской, — все это придает великолепие этой картине.
Только тяжесть черной краски на белом полотне создает ощущение визуального веса и усиливает важность самого квадрата на простом фоне и чувства, которые он вызывает.
Черный квадрат» приобрел огромное значение и считается одним из самых важных художественных произведений 20-го века. Непритязательное на первый взгляд произведение было относительно небольшим, но когда оно было выставлено на всеобщее обозрение, то вызвало бурную реакцию. Черный квадрат» претендует на звание первого публично выставленного произведения абстрактного искусства в западном мире. Он стал окончательной декларацией редукционизма, поскольку убрал все фигурации, естественные образы и повествование, и продемонстрировал, что содержание неважно, что чувство имеет первостепенное значение.
Череп лошади с белой розой (1931) Джорджия О’Киф
| Художник | Джорджия О’Кифф |
| Дата написания | 1931 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 76,3 см x 40,9 см |
| Где в настоящее время хранится | Частная коллекция |
Картина Джорджии О’Кифф «Лошадиный череп с белой розой» — одна из самых известных ее черно-белых картин на холсте. Ее впечатляющая картина отразила ее опыт жизни в Нью-Мексико и очарование пустыней, а также найденные ею там обесцвеченные кости, поскольку художница все меньше времени проводила в Нью-Йорке.
Череп лошади стал новым исследованием для ее работ, но цветочный мотив был ей знаком, и она возвращалась к нему в своих работах. О’Кифф изображает смерть с намеком на жизнь в черно-белых тонах.
Понятие контраста еще больше раскрывается в ее изображении черепа, знакомой детали смерти, с белой розой, символом жизни, при игре с монохроматической палитрой. Работы О’Кифф исследуют различные восприятия, которые мы используем для определения перспективы, поскольку она объединяет эти два объекта в характерном стиле. Использование О’Киффом черно-белой палитры, кажется, еще больше наводит на мысль о хрупкости самой жизни.
Череп лошади с белой розой — одно из величайших монохроматических произведений искусства современной эпохи. Работы О’Киффа сыграли важную роль в развитии американского модернизма и его связи с европейскими авангардистскими движениями начала XX века. О’Кифф запечатлела силу и эмоции предметов, сделав мир природы абстрактным.
Она была признана первой женщиной американского модернизма, а ее работы стали основой иконографии и мифологии художественного пейзажа в Америке.
Герника (1937) Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата написания | 1937 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 349,3 см x 776,6 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей Рейна София, Мадрид, Испания |
Пабло Пикассо, имя которого многие из нас уже слышали, создал свой шедевр «Герника» в 1937 году. Эта знаменитая черно-белая картина является одним из его самых сильных политических заявлений, которое он сразу же создал как реакцию на разрушительную кампанию нацистских бомбардировок Герники, расположенной в Стране Басков в Испании, во время гражданской войны в Испании. Пикассо использовал «Гернику», чтобы продемонстрировать ужас и разрушения войны и травмы, которые она наносит невинным людям.
Сотрудники музея Стеделийк размещают картину Пикассо «Герника» (1937) на стене, 1956 год; Herbert Behrens / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Выбор Пикассо черно-белого цвета для своей картины усилил ее драматизм, придав картине качество фотографии, как будто она является частью фотографической записи. Это также подчеркивает сущность войны как зла, сводящего окружающую жизнь к дихотомическим композициям добра и зла. В «Гернике» Пикассо изобразил обломки людей и городской пейзаж, превратившийся в руины от попадания немецких бомб. На картине изображена мать, плачущая над телом своего ребенка, а также страдания лошади, попавшей в ужасную сцену.
Картины Пикассо были признаны символами характерных аллегорических произведений.
Герника приобрела монументальное значение, служа постоянным напоминанием о бедствиях войны. Герника стала олицетворением антивоенного движения и воплощением мира. Когда картина была завершена, она была выставлена по всему миру в рамках краткого турне, что позволило ей получить признание критиков.
Зебра (1937) Виктора Вазарели
| Художник | Виктор Вазарели |
| Дата написания | 1937 |
| Средство | Акрил на холсте |
| Размеры | 52 см x 60 см |
| Где в настоящее время хранится | Частная коллекция |
Черно-белое абстрактное искусство Виктора Вазарели стало пионером движения оптического искусства в 20 веке. Вазарели изобразил на черном фоне двух переплетенных зебр с перекрещивающимися конечностями. Белые полосы, составляющие их форму, определяют их и создают впечатление объема, поскольку вокруг фигур нет никаких очертаний или границ. Пересекающиеся конечности имитируют рисунок шахматной доски, что обеспечивает ощущение пространственной глубины, а также создает ощущение энергии.
Вазарели, один из самых известных черно-белых художников, сосредоточился на освоении использования линий и взаимодействия света и тени для создания перспективы в своих картинах.
Контраст между белыми полосами и черным фоном порождает сложные отношения между реальным и абстрактным. Мы видим двух зебр, но в тот же момент они исчезают друг в друге и распадаются на абстрактные конфигурации. Использование Вазарели оптического обмана создает шедевр, полный яростного движения и силы.
Зебру» Вазарели называют «дедушкой оптического искусства», и, возможно, это самое важное произведение черно-белого искусства, поскольку оно заложило основы движения оптического искусства. Вазарели не стремился сделать свое черно-белое абстрактное искусство осмысленным или несущим эмоциональный посыл, но он стремился играть с восприятием зрителя.
Вазарели продолжал использовать зебру в качестве визуального мотива в своих более поздних работах, и, в частности, в 1965 году он создал скульптуру на основе этой картины.
Махонинг (1956) Франц Клайн
| Художник | Франц Клайн |
| Дата написания | 1956 |
| Средство | Масло и бумага на холсте |
| Размеры | 204,2 см x 255,3 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, США |
Франц Клайн был художником, связанным с движением абстрактных экспрессионистов в 1940-х и 1950-х годах. Хотя в ряде его картин присутствовал цвет, он был одним из выдающихся черно-белых художников, принадлежавших к Нью-Йоркской школе. Хотя он исследовал те же направления в искусстве, что и другие художники, входившие в эту группу, он смог отличиться своим особым стилем, благодаря которому получил признание критиков. Картина Клайна «Махонинг» представляет собой монументальное произведение искусства с черными яркими мазками эмали на белом фоне.
Картина отличается грубыми мазками и штрихами пигмента, демонстрирующими свободное движение кисти Клайна по холсту.
Хотя внешний вид картины, казалось бы, предполагает непосредственность, движения Клайна были намеренно спланированы. Картина «Махонинг» сначала представляла собой предварительный набросок на телефонной книге, который затем был завершен на холсте. В эту картину Клайн включил компоненты коллажа, которые могут быть отсылкой к его первоначальному рисунку, поскольку он прикрепил кусочки бумаги к холсту, закрасив их слоями черной краски.
Мощная внутренняя структура композиции играет против рамы холста, с сильными диагоналями, которые, кажется, прорезают края картины.
Работы Клайна были продуманными и своеобразными, он выделялся среди других художников своего поколения. Он стремился создать ощутимое взаимодействие со зрителем. Зритель должен был ощутить присутствие и структуру его картин. Властные работы Клайна хранятся в коллекциях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и галерею Тейт в Лондоне.
Брак разума и убожества, II (1959), Фрэнк Стелла
| Художник | Фрэнк Стелла |
| Дата написания | 1959 |
| Средство | Эмаль на холсте |
| Размеры | 230 см x 337 см |
| Где в настоящее время хранится | Музей современного искусства, Нью-Йорк, США |
Картина «Брак разума и убожества, II» входит в знаменитую серию черно-белых картин Фрэнка Стеллы на холсте — «Черные картины». На картине Стеллы изображены толстые черные полосы, которые образуют перевернутые U-образные полосы, идущие параллельно друг другу и краям холста. Черные полосы разделены тонкими белыми полосками неокрашенного холста, они служат промежутками между красками. Черные полосы имеют ту же толщину, что и кисть, которой пользовалась Стелла, и равномерны по своей ширине.
Стелла решил не использовать экспрессивную кисть в «Браке разума и убожества», II, так как хотел, чтобы его картина имела организованную структуру, которую можно было бы распознать как плоскую поверхность и как трехмерную. Картина «Брак разума и убожества, II» представляет собой акт живописи и результат, который он приносит, где то, что вы, как зритель, видите перед собой, это то, что есть на самом деле. Это поверхность, покрытая краской, а не изображение чего-то другого. По словам самого Стеллы, «то, что вы видите, это то, что вы видите».
Стелла не оставляет места для жеста; его работы лишены эмоционального или тематического содержания.
Чередующийся геометрический узор в картине «Брак разума и убожества, II» демонстрирует, что картина — это всего лишь холст с краской на нем. Он использовал кисть маляра, промышленную эмаль и очень толстый подрамник, чтобы подчеркнуть этот факт. Стелла использовал исключительно буквальный подход к своим картинам, и его признают и хвалят за его работы в области пост-живописной абстракции и минимализма.
Движение в квадратах (1961) Бриджет Райли
| Художник | Бриджет Райли |
| Дата написания | 1961 |
| Средство | Темперная краска на картоне |
| Размеры | 123,2 см x 121,2 см |
| Где в настоящее время хранится | Коллекция Совета по искусству, Лондон, Великобритания |
Картина «Движение в квадратах» стала первым значительным шагом Бриджет Райли к успеху в абстракции. Знаменитые черно-белые работы Райли побуждают зрителя к созерцанию чувств, которые вызывает произведение. Ее картины олицетворяли движение оптического искусства, которое использовало оптические иллюзии, чтобы изобразить движение на двухмерных поверхностях.
Райли исследует структурные единицы знакомых форм, таких как полосы, овалы и, в данном случае, квадраты, а затем использует их в различных конфигурациях, чтобы изучить психологические и физические реакции, которые мы испытываем.
Мысль, лежащая в основе монументального черно-белого абстрактного искусства Райли, заключалась в том, что каждый знаком с квадратом, его формой, углами и размером, что дает стабильное и симметричное изображение. Затем она обратилась к концепции квадрата в попытке открыть что-то новое, и, учитывая успех «Движения в квадратах», можно с уверенностью сказать, что она открыла нечто невероятное! Она завершила свою знаменитую черно-белую картину за один присест, создав контраст путем окрашивания каждого чередующегося квадрата в черный цвет, и таким образом она создала движущееся изображение.
Райли определила квадрат как основной компонент картины, который модулируется по всему полотну.
Высота квадрата сохраняется на протяжении всей картины, но ширина каждого квадрата уменьшается по мере приближения к центру с любой стороны картины, таким образом Райли имитирует движение. Она создает блестящий образ двух поверхностей, изгибающихся друг в друга. Картина «Движение в квадратах» провоцирует зрителя бросить вызов своему восприятию и перспективе. Эксперименты Райли побуждают нас бросить вызов стабильности и определенности.
Без названия (черное на сером) (1969), Марк Ротко
| Художник | Марк Ротко |
| Дата написания | 1969 |
| Средство | Акрил на холсте |
| Размеры | 203,3 см x 175,5 см |
| Где в настоящее время хранится | Гуггенхайм, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки |
Марк Ротко был одним из выдающихся художников своего поколения. Ротко использовал множество различных художественных стилей, пока не разработал свои мягкие, прямоугольные поля краски, поскольку он заметил выразительный потенциал уложенных друг на друга цветовых блоков. На Ротко оказали большое влияние Фридрих Ницше и его русско-еврейское наследие. В его абстрактных работах основное внимание уделялось глубине, балансу и масштабу. Они были наполнены эмоциональным содержанием, которое он хотел, чтобы зрители ощущали на бессознательном уровне. Картина «Без названия (Черное на сером)» — одна из его самых известных черно-белых картин на холсте.
Ротко насытил свой большой холст черно-серым цветом. Чтобы создать тонкие вариации цвета, текстуры и тона, он наносил множество слоев и менял кисть, создавая сильные или тонкие модуляции.
Наложение слоев различных оттенков черного создает светящийся поглощающий блок черного. Четкое различие между серым цветом, который, кажется, исчезает по мере приближения к черному, усиливает загадочный смысл картины. Картина поразительно двусмысленна с пустыми, заброшенными образами, которые способствуют богатому визуальному опыту.
Ротко использовал абстрактные образы и цвет, чтобы выразить свои чувства относительно человеческого состояния, показав, что картина «Без названия (черное на сером)» охватывает трагедию. Его способность переносить свои эмоции на полотна сделала его широко популярным художником, поскольку он поднял статус абстрактной живописи.
Контрастные светлые и темные цвета Ротко были заметными попытками продемонстрировать его восприятие трудностей и конфликтов современной жизни и намекали на универсальные человеческие эмоции.
Апокалипсис сегодня (1988) Кристофера Вула
| Художник | Кристофер Вул |
| Дата написания | 1988 |
| Средство | Эмаль на алюминии |
| Размеры | 213,4 см x 182,9 см |
| Где в настоящее время хранится | Частная коллекция |
Знаменитые черно-белые картины Кристофера Вула выявили влияние различных видов искусства. Черно-белая картина «Апокалипсис сегодня» знаменитого художника представляет собой художественное воплощение цитаты из одноименного фильма. В фильме Фрэнсиса Форда Копполы 1979 года последнее письмо лейтенанта Ричарда М. Колби своей жене гласит: «Продай дом. Продай машину. Продай детей». Работы Вула косвенно ставят под сомнение концепцию «чистого выражения» или «высокого искусства», демонстрируя, что абстрактное искусство также может быть проинформировано и вдохновлено окружающей жизнью и средствами массовой информации.
Вулл использует жирные буквы, которые в противном случае были бы знакомы, таким образом, что они кажутся странными и неузнаваемыми, располагая их в системе сетки.
Ему удается нарушить способность человека читать с легкостью, что заставляет зрителя усомниться в своей способности вывести смысл из работы. Вул призывает зрителя воспринимать буквы и как абстрактные формы, и как нечто, передающее смысл. Это побуждает зрителя пересмотреть свои эстетические наблюдения и манеру восприятия окружающего мира.
Подрывные и экспериментальные картины Вула привели к тому, что одни критики признали его творчество, а другие назвали его поверхностным. Тем не менее, он, безусловно, сделал себе имя в мире искусства. Черно-белая картина художника «Апокалипсис сегодня» была продана за $26 485 000 на аукционе Christie’s неназванному покупателю. Аукционный дом Christie’s описал картину как вневременное, затрагивающее, впечатляющее произведение, которое не теряет своей актуальности и сегодня. Своим новаторским искусством Вул занял место «обязательного художника».
На протяжении веков художники ограничивали свою палитру и придерживались черно-белой гаммы как средства придания своему искусству большей сложности и нюансов. Эти знаменитые черно-белые картины из нашего списка демонстрируют, как многого можно достичь благодаря отсутствию цвета. Если вам понравилась эта статья, вам стоит заглянуть на остальные страницы нашего сайта! У нас есть широкий спектр тем по искусству, некоторые из которых обязательно вызовут у вас интерес!
Часто задаваемые вопросы
Как называются черно-белые картины?
Черно-белые художники создают картины, которые называются монохромными. Монохромный означает одноцветный; в терминах художественных произведений это означает искусство, которое включает в себя только один цвет. В нейтральном сером цветовом спектре черный и белый находятся на крайних противоположных концах, что означает, что ограничение цветов картины черным и белым делает ее монохромной.
Почему искусство черно-белое?
Ограничивая палитру картины только черным и белым, можно добиться многого. Отсутствие цвета может побудить вас обратить внимание на различные элементы картины, такие как значение, освещение, композиция и форма. Черно-белые художники используют отсутствие цвета для достижения максимального эффекта. Суровый контраст между черным и белым доказал свою эффективность в подчеркивании контрастных реалий и идеалов нашего мира в различных художественных изображениях на протяжении всей истории.
