Художники-керамисты создавали керамические скульптуры на протяжении тысячелетий. Эти древние гончары создавали все — от глиняных скульптур для религиозных целей до керамики для хранения жидкостей и художественной керамики для удовольствия. От древних гончаров до современных художников по керамической плитке, творческие люди на протяжении всей истории человечества использовали это легкодоступное и дешевое средство для создания прекрасных керамических произведений искусства.
Оглавление
Знаменитые художники-керамисты
Художественная керамика — одно из старейших ремесел, поэтому за многие века появилось и исчезло множество художников по глине, из которых лишь немногие оставили свой след. Поэтому нам необходимо выделить художников керамической плитки, керамической скульптуры и гончарных дел мастеров, которые выделились среди своих коллег своей художественной керамикой.
Беате Кун (1927 — 2015)
| Национальность | немка |
| Жила в | Дюссельдорф |
| Родилась в | 15 июля 1927 года |
| Известен | Керамическая скульптура |
Беате Кун — известная художница керамической скульптуры, родилась в Дюссельдорфе 15 июля 1927 года. Образы природы обычно аллегоричны и фигуративны; они изображают сложное взаимодействие человека с окружающей средой. В ее творчестве органическая среда сочетается с материальным миром, рукотворное окружение — с замысловатыми структурами природы. В работах Кун сочетаются ее собственный уникальный взгляд на окружающую среду и технические методы строительства, имитирующие определенные органические и неорганические образования.
Поскольку ее искусство сочетает в себе эмоциональные и логические элементы, оно одновременно сложное и чувствительное, интеллектуальное, но технически привлекательное; оно представляет как дикую природу, так и общество.
Немецкая художница Беате Кун, 2014 год; Себастьян Шайд, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Ее искусство основано на изучении органических форм и действий, а также на ее личной инстинктивной реакции на них. Сила работ заключается в том, что зрители не могут узнать ни одну из ее форм; они имитируют множество разнообразных элементов и живых образований, а не что-то конкретное. То, что она создает, можно идентифицировать как встречу с потоком природы. Ее ресурсы — это широкие природные узоры и структуры, которые она использует, используя дихотомию микро- и макрокосмоса.
Маленькая семья в полукруге (1988), Беата Кун; Фред Ромеро из Парижа, Франция, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Ее лаконичные и мощные работы вмещают в себя много интенсивности на небольшом пространстве. Кун любит исследовать старые формы керамических произведений искусства, и ее работы придерживаются традиционного пласта ремесла. И учитывая время ее появления на горизонте искусства, это неудивительно. Искусство Кун, каким бы традиционным оно ни было, всегда выделяется в компании.
Ее удивительная способность замечать красоту даже в самых обыденных вещах придает ее работам точность и отполированность, которой не может похвастаться ни один другой художник по глине.
Роберт Арнесон (1930 — 1992)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Калифорния, Соединенные Штаты |
| Родилась в | 4 сентября 1930 года |
| Известен | Керамические работы |
Роберт Арнесон родился в Бенисии, штат Калифорния, и провел там большую часть своей жизни. Он изучал карикатуру в соседнем колледже Марин, а затем в Калифорнийском колледже искусств и ремесел. После нескольких лет преподавания искусства в местных средних школах он увлекся керамикой и поступил в колледж Миллс. Традиционные представления о связи между керамикой и искусством изменились к тому времени, когда он получил степень магистра искусств.
Хотя Арнесон учился как гончар, он быстро начал экспериментировать со скульптурой, увидев работы таких художников, как Питер Вулкос, которые расширяли границы этого вида искусства.
Глазурованный керамический бюст Джорджа Москоне работы Роберта Арнесона, 1981; Art Poskanzer, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
В 1962 году Арнесона пригласили создать курс керамики в Калифорнийском университете, где он познакомился с такими художниками, как Уильям Т. Уайли, Рой Де Форест, Мануэль Нери и Уэйн Тибо, которые стали его соратниками и близкими друзьями. Программа Дэвиса была исследовательской, поскольку художественному факультету было всего несколько лет, и там чувствовалось сотрудничество между преподавателями и студентами, включая Дэвида Гилхули, Брюса Наумана и Ричарда Шоу.
В 1970 году он начал экспериментировать с автопортретом как средством исследования человеческого опыта.
Он понял, что ему позволено «подтрунивать над собой», а также то, что его самовосприятие так же важно для его искусства, как и сама керамика. Его первая ретроспектива, организованная Музеем современного искусства Чикаго, была представлена в 1974 году как сигнал его растущей известности. Однако в следующем году он впервые заболел раком, потребовались операции и постоянная борьба с болезнью, которая будет мучить его до конца жизни.
Джон Глик (1938 — 2017)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Детройте и Калифорнии |
| Родилась в | 1 июля 1938 года |
| Известен | Художественная керамика |
Джон Паркер Глик был керамистом из США. Хотя Глик был открыт для творческих экспериментов, в первую очередь его вдохновляли формы и красота восточной керамики, что видно по использованию орнаментальных мотивов и выбору глазури. Его опыт работы с керамикой побудил Глика написать множество эссе на эту тему. Во второй половине своей карьеры Глик, помимо керамики, начал производить настенные панели на экологическую тематику.
Впервые он стал известен в начале 1960-х годов после того, как его внушающие трепет работы вызвали ажиотаж в мире керамического искусства.
Ему нравится экспериментировать и исследовать свои темы, хотя многие из его творений традиционны, в его творческом репертуаре нет недостатка в работах, которые огромными скачками выходят за рамки ортодоксальности. Многие работы художника по глине были представлены на всемирных государственных и частных выставках.
Он известен своими домашними, деревенскими керамическими скульптурами, которые охватывают такие жанры, как современный и классический.
Он основал компанию Plum Tree Pottery после возвращения в Мичиган со службы в 1964 году. Глик решил создать частную коллекцию своих работ в течение своей карьеры после того, как его вдохновил один знакомый арт-дилер. За 50 лет он сохранил около тысячи предметов, что является большим количеством, но лишь небольшой частью примерно трехсот тысяч работ, которые он сделал в общей сложности.
Исайя Загар (1939 — настоящее время)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Филадельфия |
| Родилась в | 1939 |
| Известен | Скульптура, мозаика, керамика |
Исайя Загар — один из единственных художников по керамической плитке в этом списке, поскольку большинство художников по глине, похоже, сосредоточены на керамических скульптурах и вазах. Он родился в Филадельфии в 1939 году и в основном известен своими фресками, созданными на улицах города. Получив степень бакалавра в Институте Пратта, он женился и отправился в Перу, где на него повлиял перуанский стиль искусства.
После возвращения на родину он открыл галерею и начал создавать собственные мозаики.
Филадельфийский художник-мозаичист Исайя Загар в своих «Волшебных садах»; TexasDex в английской Википедии, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons
Волшебные сады», самая большая уличная мозаичная работа Загара, представляет собой одновременно трехмерную интерактивную выставку и музейное пространство. В плитки инкрустированы стихи, цитаты, имена художников, оказавших на него влияние, а также лица и фигуры людей и животных. В садах используются различные материалы, такие как бутылки, велосипедные обода и предметы народного творчества.
Волшебные сады Исайи Загара; KimonBerlin, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Выставка «Искусство ассамбляжа» стала прорывом в Нью-Йорке в 1961 году. Поскольку выставка содержала ассамбляжи таких художников, как Жан Дюбюффе, Пабло Пикассо, Курт Швиттерс и Антонио Гауди, а также неумелых брикольеров Фердинанда Шеваля и Саймона Кларенса, он смог обосновать включение их концепций в качестве выражений высокого искусства как подготовленный художник.
Это позволило ему начать то, что можно считать делом всей жизни, — превратить город Филли, штат Пенсильвания, в музей мозаики, объединяющий все его разнообразные знания и способности, в критический момент его жизни.
Виктор Спински (1940 — 2013)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Польша, Соединенные Штаты |
| Родилась в | 10 октября 1940 года |
| Известен | Керамическая скульптура |
Виктор Спински был художником-керамистом из США и родился 19 октября 1940 года. Первоначально он привлек к себе внимание общественности, когда был представлен в 1971 году на выставке Музея современных ремесел «Глиняные работы: 20 американцев». Выставка Clayworks позиционировала Спински как равного другим пионерам керамики, включая Патти Варашину, Роберта Арнесона, Дэвида Гилхули, Джека Эрла, Ричарда Шоу, Клейтона Бейли и Мэрилин Левин. Бейли, в частности, стал партнером и другом на всю жизнь.
Сначала работа Спински была сосредоточена на создании воображаемых машин и технического оборудования, которые изготавливались по частям на гончарном круге, а затем объединялись в скульптуры высотой более четырех футов.
Спински сыграл важную роль в формировании направления trompe l’oeil в глине. Попытки обмануть зрителей, вообразив, что они рассматривают трехмерные объекты, восходят к древним грекам, где часто повторяемая история, в которой участвовали художники Паррасий и Зевксис, получила награду, когда Паррасий создал на своем холсте вуаль, настолько правдоподобную, что она обманула его соперника, заставив принять ее за настоящую. Спински начал изготавливать литые фарфоровые скульптурные натюрморты. Спински, как и большинство его современников, избегал использования красок, предпочитая керамические лаки, люстры и фарфоровые краски, которые более стойкие, но значительно более трудные в обращении.
Спински, выросший в эпоху, когда инновации и творчество в глиняной скульптуре были на пике популярности, взял на вооружение метод воспроизведения некерамических вещей до их керамических аналогов. Его темы состояли из повседневных предметов, которые превращались в глиняные скульптуры с безупречным мастерством опытного художника. Картины Спински особенно известны своей технической точностью и преданностью.
Даже спустя пять лет после его смерти его работы продолжают вызывать любопытство зрителей. Его работы можно найти почти в каждой галерее керамического искусства в Интернете.
Патти Варашина (1940 — настоящее время)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Вашингтон, США |
| Родилась в | 1940 |
| Известен | Керамические скульптуры |
Патти Варашина — художница из Америки, известная своими креативными керамическими работами. Она родилась в 1940 году в Спокане, штат Вашингтон, младшей из трех братьев и сестер. Варашина, младшая из трех детей, родилась в 1940 году и выросла в Спокане, штат Вашингтон. Ее отец был дантистом японского происхождения, а мать — американкой японского происхождения. Она приехала в Сиэтл, чтобы изучать скульптуру у скульпторов Гарольда Майерса, Руди Аутио, Шоджи Хамады и Рут Пенингтон в Университете Вашингтона. Варашина окончила Вашингтонский университет со степенью бакалавра изящных искусств в 1962 году и магистра изящных искусств в 1964 году.
На протяжении большей части своей 55-летней творческой карьеры она была заинтригована человеческой формой.
Ее постоянное увлечение человеческой формой, скорее всего, связано с тем, что ее собственное телосложение является ближайшим источником, из которого она черпает вдохновение. Использование фигуры подтверждает ее повседневное существование и служит темой ее собственного «графического журнала», который служит напоминанием, созерцанием и наблюдением за личным временем и обществом, в котором она существует.
Она черпает из своей повседневной жизни и испытывает необычное восхищение глупостью и недостатками человеческого поведения, в результате чего ее фигурки становятся персонажами ее созерцательных историй.
Вместо того, чтобы рисовать одежду на фигуре, она предпочитает свести работу с материалом к минимуму и вместо этого использовать простой цвет в абстрактной структуре, как будто она «левитирует» над человеком, создавая ощущение столкновения двух отдельных географических пространств. Она хочет, чтобы поверхность функционировала в согласии с простотой тела. Абстрактная природа поверхности также устраняет и отвергает ассоциацию работы со временем, периодом и этнической принадлежностью. Она стремится говорить об общих странностях, которые существуют в каждой человеческой натуре.
Эллен Шён (1953 — настоящее время)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Массачусетс |
| Родилась в | 12 января 1953 года |
| Известен | Керамика |
С конца 1970-х годов эта художница активно демонстрировала свои керамические работы на культурной сцене, и она стала известной благодаря своим глиняным скульптурам, изображающим человеческие чувства и ситуации. Ее работы, в основном аллегорические, отличают ее от других современных художников того периода. Сейчас она дает уроки в Художественном институте Бостона. Там она учит своих учеников создавать керамические скульптуры, которые исследуют многие грани человеческого существования.
Люди открывают и ценят ее искусство в ряде галерей керамических скульптур в Интернете.
Ее всегда восхищала способность глиняного сосуда намекать на нечто большее, чем он сам, служить символом. Керамические сосуды с изображением шеи, плеч, живота и ног могут напоминать о позе и неясной гуманоидной позиции тела; они могут раскрывать глубокие грани человеческого восприятия и природы реальности.
Страстное увлечение Шён керамическими контейнерами побудило ее открыть для себя различные формы и поверхности. В ее недавнем исследовании рассматриваются три варианта типа глиняного сосуда: керамический сосуд как источник или колыбель, с возможностями плодородия и стерильности; сосуд как флакон, формы которого напоминают вытянутую позу кикладских богов и грубую текстуру глиняных голов йоруба; ее серия «Планеты» исследует клубящиеся красочные поверхности на сферических сферах, подразумевая планеты и глубины земных пластов.
Эти серии демонстрируют разрозненные, но связанные между собой художественные интересы. Каждая работа в серии является частью постоянно развивающегося ответа на ряд проблем или ограничений, в рамках которых она решила работать. По мере развития серии условия могут меняться. Она пытается вдохнуть жизнь в форму посредством импульсивных манипуляций с инертной глиной. Ее художественный подход основан на рефлексивной практике, которая предполагает выражение идей на материале в итеративных циклах развития.
По мере того, как она направляет его, материал направляет ее. Между ними существует взаимовыгодная связь.
Тони Марш (1954 — настоящее время)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Нью-Йорк |
| Родилась в | 27 мая 1954 года |
| Известен | Керамические работы |
Основным средством творческого выражения Тони Марша всегда был керамический сосуд. В серии работ Марша «Перфорированные сосуды» он берет густую глиняную смесь и удаляет из нее материалы по одному отверстию за раз, создавая в ней графическую интенсивность, чтобы показать формы, которые плавают. Марш описывает это как «добавление путем уменьшения».
Мы можем наблюдать, как тени, создаваемые светом, проникающим в кристаллическое образование, отражающим свет обратно и проходящим прямо сквозь него, способствуют структурной согласованности его творений.
Его опыт и история в керамике очевидны в этих ярких и сложных узорах, которые имитируют компоненты клеток и формы, вдохновленные биологией. Марш в течение четырех лет учился у азиатского художника Шимаока в Машико, Япония. Его подход развивался по мере того, как он ежедневно знакомился с опытом работы и влиянием региона. После отъезда из Японии Марш получил степень магистра в Колледже керамики Университета Альфреда штата Нью-Йорк, а затем вернулся в свое прежнее учебное заведение, Калифорнийский государственный университет в Лонг-Бич, где он до сих пор является директором отделения керамики.
Фернандо Касасемпере (1958 — настоящее время)
| Национальность | Чили |
| Жила в | Чили и Лондоне |
| Родилась в | 1958 |
| Известен | Керамические скульптуры |
Фернандо Касасемпере, который родился в Чили в 1958 году, а в настоящее время живет и работает в Лондоне, является скульптором, который использует керамику, традиционный вид гончарного искусства, для исследования понятий ландшафта и окружающей среды. Его использование земли/глины и рассмотрение вопросов природы и окружающей среды роднит его с творцами, связанными с движением Earth Art, но он работает на основе культурно разнообразного наследия, находясь под глубоким влиянием латиноамериканской архитектуры и искусства доколумбовой эпохи.
В своей керамике он исследует концепцию ландшафтов и экосистем.
Его использование керамики выходит за рамки физического носителя, устанавливая связь между цивилизацией и самой почвой. Его работа под названием Out of Sync была показана в Лондоне в Сомерсет Хаус и заслужила похвалу критиков. Эта работа, установленная на настоящем травяном поле, состояла из массивного поля из 10 000 фарфоровых полевых цветов и была призвана исследовать конфликты между периодами и уязвимостью жизни. Эти цветы были созданы из 12 тонн чилийской керамики, которую он привез в Лондон в 1997 году.
Джонсон Цанг (1960 — настоящее время)
| Национальность | Китаец |
| Жила в | Гонконг, Китай |
| Родилась в | 1960 |
| Известен | Искусство из керамики и нержавеющей стали |
Джонсон Цанг, художник-керамист из Гонконга, создает работы, стирающие границы между скульптурой, сюрреализмом и реализмом. Причудливые темы Цанга мастерски выполнены с использованием материала глины, вытянуты, растянуты и выглядят немного неуклюже. Движения рук интегрированы в его работы в коллекции «Открытый разум», чтобы образно (и очень буквально) отобразить дух экспансивного мышления в их повествовании.
Он не всегда был творческой личностью. В действительности он страдал не только в денежном, но и в академическом плане на протяжении всего своего детства. Он работал помощником кондиционера, поваром картофеля и сотрудником правоохранительных органов, прежде чем стал художником.
Цанг посещал занятия по лепке из глины на протяжении 13 лет своей службы в полиции. Это было его первое знакомство с лепкой, и именно благодаря этому он впервые ощутил добрый и успокаивающий характер глины.
Сейчас Цанга называют прославленным художником. Правительство Гонконга наградило его «Благодарностью секретаря по внутренним делам» за отличные успехи на международных художественных мероприятиях благодаря его прекрасным и причудливым скульптурам. Он также завоевал многочисленные призы на конкурсах в Тайване, став первым художником из Китая, получившим обе международные награды за выдающиеся достижения в области керамического искусства.
Грейсон Перри (1960 — настоящее время)
| Национальность | Британец |
| Жила в | Эссекс, Англия |
| Родилась в | 24 марта 1960 года |
| Известен | Керамические работы |
Грейсон Перри — воплощение радикализма. Несмотря на то, что его называют ремесленником, который просто создает керамические произведения искусства, его работы хорошо известны. Перри стал известен в эпоху художников YBA, таких как Трейси Эмин и Дэмиен Херст, благодаря своему выбору материала, который шокировал как художественное, так и керамическое сообщество.
Он всегда будет известен своей художественной керамикой, независимо от того, насколько разнообразными и обширными становятся его работы.
Перри посещал уроки гончарного мастерства и изучал основы, экспериментируя с керамикой на протяжении всего времени обучения в художественной школе, что дало ему прочный фундамент в этой области. Он предпочитал сидеть за столом, а не за колесом. Вместо того чтобы валять на круге, Перри использовал метод, включающий ручную лепку. Он изготавливал вазы высотой 60-70 см в течение нескольких месяцев.
Грейсон Перри на частном просмотре ретроспективы Гилберта и Джорджа в Tate Modern, 2007; Kirsteen, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
На аукционе работы Перри, сделанные вручную, такие как «Мужчины потеряли свой дух», были проданы более чем за 50 000 фунтов стерлингов. Он опирается на славное прошлое керамики, используя при этом широкий спектр методов, которые позволяет использовать этот материал.
Когда его спрашивают, почему он создает керамическое искусство своим уникальным способом, он объясняет, что на протяжении тысячелетий скульпторы и дизайнеры всегда отображали свои самые большие усилия на вазе, и именно этой традиции он следует.
С раннего возраста он любил переодеваться в женские наряды, а в подростковом возрасте обнаружил, что является трансвеститом. В возрасте 15 лет он переехал к родителям отца в Челмсфорд и начал выходить на улицу, переодеваясь в женскую одежду. Когда отец обнаружил его, он пообещал завязать, однако его мачеха поставила всех в известность и через несколько месяцев выгнала его из дома. Он вернулся в Грейт-Бардфилд, Эссекс, чтобы жить с отчимом и матерью.
Йесокюн (1963 — настоящее время)
| Национальность | Кореец |
| Жила в | Сеул |
| Родилась в | 1963 |
| Известен | Керамические скульптуры |
Есукюн — южнокорейская художница из Сеула. Она известна своими сложными и захватывающими фарфоровыми узорами и скульптурами. Серия «Переведенные», как и некоторые другие ее работы, состоит из фрагментов и кусочков разбитой глины, которые тщательно собираются вместе, как кусочки головоломки. В 2002 году она создала вазу «Translated» после того, как заметила брошенный мусор от маэстро глины Лим Ханг Тхэка, сверкающий в лучах солнца.
Ее работа была вдохновлена светом, отраженным от осколков, и естественными формами изломов.
Она получает раздробленные фрагменты от других корейских художников, которые пытаются воссоздать древние сосуды эпох Чосон и Корё. Она описывает, как она «морфирует» эти вазы, нанося на изломы 24-каратное сусальное золото. Разбитая керамика, по ее словам, теряет свои черты и назначение, она «свободна от напряжения и риска быть разрушенной», и поэтому «свободна от давления быть копией». Она вмешивается, восстанавливая разрушенное и трансформируя его в безграничные перспективы.
Она превращает их в новые состояния, устраняя их хрупкость.
Одна из переведенных ваз Йесокюнг; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Антропоморфная форма кувшина мгновенно привлекает внимание, а переработанный фаянс стремится превзойти изначальную элегантность емкости. Ваза Translated Vase сочетает в себе хрупкую нежность глиняной керамики с усиленной прочностью клея и золота, что дает очень красивый результат. Поскольку корейские слова «золото» и «трещина» похожи, она покрыла трещины золотом. Использование предметов с таким же названием придает работе юмористический аспект.
Лэй Сюэ (1974 — настоящее время)
| Национальность | Китаец |
| Жила в | Дармштадт, Пекин |
| Родилась в | 1974 |
| Известен | Керамическое искусство |
Лэй Сюэ, родившийся в 1974 году, занимается живописью, производством керамики и участвует в съемках фильмов. Он признанный фанатик керамики. Он создает необычные алюминиевые банки из глины, а затем использует их в качестве форм для своих керамических шедевров. Лей переходит на тонкую щетину после первого из нескольких циклов обжига.
Ему нравится рисовать традиционные узоры и символы родного Китая, особенно драконов эпохи Мин, танцы самураев и вишневые деревья.
Но не в обычном, повседневном стиле, который можно встретить на чашках, блюдах и посуде Китая, а на таких вещах, как банки из-под газировки общества потребления, одноразовая культура, которая в итоге выбрасывается, раздавливается и сминается. Крышка банок Лея даже снабжена откидной крышкой. Дизайнер внимательно следит за каждым этапом обжига, чтобы гарантировать, что его творения не уменьшатся и выйдут правильного размера. Со времен Энди Уорхола ни одна банка не вызывала столько любопытства и внимания.
В своих работах он сочетает старое и современное. Для своей серии «Питье чая» он изготавливает фарфоровые банки в стиле династии Мин, эффектно демонстрируя связь между древним и новым. Этот новый подход к реконтекстуализации материала и реализации приводит к созданию помятых банок с узорами и темами династии Мин.
Сюэ добавляет современный штрих, противопоставляя крупномасштабное изображение классической ручной работе, сравнивая потребление консервированных напитков с чайными церемониями.
Кристофер Дэвид Уайт (1976 — настоящее время)
| Национальность | Американец |
| Жила в | Индиана, Соединенные Штаты |
| Родилась в | 1976 |
| Известен | Керамические скульптуры |
Кристофер Дэвид Уайт — художник из США, который сейчас живет и работает в Ричмонде, штат Вирджиния. Наброски и живопись были его первыми шагами в искусстве. Серьезно работать с глиной он начал только в 2008 году, а в 2012 году получил степень бакалавра изящных искусств по керамике в Университете Индианы. Его скульптурные творения в основном выполнены из керамики и тщательно детализированы, имитируя разлагающееся дерево, ржавый металл и другие предметы в различных состояниях деградации.
Его последние работы посвящены связи между природой и людьми, а также восприятию человеком окружающей среды.
Все, что производится из окружающей среды, проходит один и тот же повторяющийся цикл развития и разрушения в жизни и смерти — ведь природа всегда меняется. Постоянство — самая большая иллюзия, и перемены — постоянное напоминание об этом. Он исследует связь между окружающей средой, человечеством и понятием смертности, создавая гиперреалистичные скульптуры.
Он хочет показать величие, которое может возникнуть в результате разрушения, и одновременно заставить зрителя переосмыслить собственное восприятие окружающего мира.
Для этого он начинает с поиска примеров износа в окружающей среде, которые кажутся мне интересными благодаря форме, оттенку или текстуре. Затем он тщательно воспроизводит эти компоненты вручную, используя глину как предпочтительное средство, используя естественную способность глины воспроизводить широкий спектр материалов. Он использует trompe l’oeil как стиль, чтобы подчеркнуть идею о том, что наше восприятие мира обманчиво. Контраст органических и искусственных характеристик, а также искажение размеров, пропорций и материалов способствуют изменению перспективы, заставляя зрителя присмотреться.
На этом мы заканчиваем наш список знаменитых художников-керамистов. Мы обнаружили множество художников, которые использовали керамику совершенно уникальным образом. Во всем мире художники, работающие с керамикой, разработали свои собственные отличительные стили. Сегодня эти гончары продолжают создавать глиняные скульптуры и вазы, которые расширяют границы среды.
Взгляните на нашу веб-историю художников-керамистов здесь!
Часто задаваемые вопросы
Что такое керамическое искусство?
Керамические произведения искусства создаются из глиняных материалов. Оно может принимать форму красивой керамики, например, столовой посуды, мозаики, фигурок и других скульптур. Хотя некоторые виды керамики, такие как скульптура или керамика, считаются изобразительным искусством, большинство из них рассматриваются как декоративные, коммерческие или практические художественные изделия.
Для чего использовалась керамика?
Керамические скульптуры создавались мастерами из глины на протяжении тысячелетий. Эти древние гончары делали все — от священных скульптур из глины до керамики для хранения жидкостей и красивой керамики для удовольствия. От древних художников по керамике до современных художников по керамической плитке — творческие люди использовали этот легкодоступный и недорогой материал для создания потрясающих керамических произведений искусства на протяжении всей истории человечества.
