Зародившись во Франции в середине 1800-х годов, реализм внешне отверг предыдущее направление искусства — романтизм, поскольку, как утверждалось, он уже не мог точно отображать жизнь общества. После Французской революции художники начали искать стиль искусства, который мог бы правдиво отобразить новые современные темы и ситуации, и техника и элементы реализма как раз это и предлагали. Многие художники приняли движение реализма, что привело к созданию множества произведений искусства в этом стиле.
Оглавление
За что выступало движение реализма?
Реализм возник в 1850-х годах после революции 1848 года и был в основном французским художественным направлением. Иногда называемый «натурализмом», этот художественный стиль сосредоточился на максимально точном изображении предметов, избегая при этом намеков на искусственность, фантазию и неземные элементы, которые ранее были популярны в искусстве.
По сути, реализм был описан как полный отказ от стилизации и становился все более популярным во многих последующих периодах искусства.
Промышленная революция повлекла за собой серьезные социальные изменения, поскольку она прочно утвердила во Франции «право на труд». Этот бунт привел к тому, что обычные люди и представители рабочего класса, современная обстановка и повседневные сцены стали предметами, достойными изображения в искусстве. Это привело к большему вниманию к реалистическим аспектам, которые были очевидны в этих областях, так как предметы, которые выходили за рамки традиционного высокого искусства, внезапно стали считаться ценными.
Спящая прядильщица (1853), Гюстав Курбе; Гюстав Курбе, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
По мере того как общество приспосабливалось к этим изменениям, художники почувствовали, что для изображения этой новой фазы жизни необходим другой вид искусства, вместо того чтобы просто улучшать сцены, которые в дальнейшем искажали реальность. Отличаясь беспрецедентным вниманием к обычным предметам, реализм полностью изменил идеалы западного мира искусства.
Реализм восстал против вычурного содержания и завышенных эмоций, предпочитая подчеркивать существование простых рабочих и обычных людей, которые занимались осязаемой деятельностью, связанной с реальным миром.
Помимо акцента на более натуралистичных аспектах, художники, работавшие в стиле реализма, полностью отказались от всех стандартов, связанных с романтическим движением. До развития реализма романтизм доминировал во французской литературе и искусстве с конца 18-го века примерно до 1850 года. Если романтические произведения отличались повышенным чувством эмоций, аллегорическими фигурами и грандиозными сценами природы, то художники реализма стремились изображать свои предметы и пейзажи именно так, как они воспринимались.
Эксгумация мастодонта (1806) К. У. Пил; Чарльз Уилсон Пил, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поскольку реализм фокусировался на людях и областях, которые ранее игнорировались в других стилях и жанрах искусства, реализм заходил так далеко, что изображал даже самые неприятные и грязные стороны жизни. Таким образом, картины реалистов были истинным отражением изменений, произошедших в обществе, поскольку они информировали широкую общественность о сдвигах, которые в противном случае не были бы замечены. Это привело к тому, что многие критики клеймили эти произведения искусства как грубые, поскольку на их откровенную определенность часто было неприятно смотреть.
Реализм был тонким, но невероятно прямым отходом от движения романтизма, поскольку жизнь больше не прославлялась в создаваемых картинах. Хотя интерес к обыденным, на первый взгляд, аспектам жизни сегодня, возможно, не столь примечателен, реализм ознаменовал собой серьезный сдвиг в истории искусства.
Из всех художников, работавших в рамках этого направления, лишь некоторые оказались заметными. К ним относятся Гюстав Курбе, Оноре Дюмье и Жан-Франсуа Милле.
Ключевые элементы движения реализма
Сосредоточившись на современных предметах и обстановке, художники-реалисты пытались изобразить людей всех социальных классов в одинаковом свете, чтобы не было постоянного предпочтения одной группы перед другой. В основном избегались образы, склонные к классическому идеализму, драматизму и любой форме сентиментализма. Напротив, подчеркивались хаотичные аспекты жизни, поскольку они выглядели совершенно непривлекательно и полностью исключали элемент претенциозной красоты.
Для воскресного обеда (1888) Уильям Харнетт; William Harnett, Public domain, via Wikimedia Commons
В мире изобразительного искусства считалось, что иллюзионистский реализм изображает все формы, перспективы и точные детали, такие как свет и цвет, чтобы создать как можно более точное изображение. Таким образом, эти натуралистические работы создавали иллюзию того, как выглядела реальность, начиная с 1850-х годов. Считается, что этот период истории также дал толчок развитию других художественных направлений, таких как американский регионализм, социальный реализм и реализм кухонной раковины.
Самым важным элементом реализма было полное избегание искусственности в каждом аспекте создаваемых произведений искусства.
Впервые в истории искусства к человеческим отношениям и эмоциям на картинах отнеслись с уважением, позволив им существовать действительно такими, какие они есть, без каких-либо изменений. Пытаясь передать точное и детальное изображение предметов и эмоций, картины реализма и художники восставали против использования преувеличения, поскольку обычная жизнь не считалась настолько преувеличенной.
The Travelling Companions (1862) by Augustus Egg; Augustus Egg, Public domain, via Wikimedia Commons
По сути, темы, выбранные художниками реализма, демонстрировали социальные изменения, вызванные революцией. Художественное внимание, которое ранее уделялось высшему классу, внезапно переместилось на обычную жизнь простых людей. Это произошло потому, что считалось, что эти люди наиболее точно отображают жизнь в этот период, и художники отображали в своих работах даже самые убогие и неупорядоченные элементы жизни.
Стиль реализма в конечном итоге распространился почти на все жанры искусства и повлиял на будущее появление импрессионизма. Тематика, которой отдавали предпочтение художники-реалисты, привела к тому, что движение так и не было полностью принято меценатами и критиками из высшего и среднего класса, которые считали растущую откровенность в этих работах шокирующей и тревожной.
Реализм положил начало общему отходу от «идеального» и переходу к «обыденному», поскольку художники почувствовали свободу в изображении реальной жизни, лишенной всякой эстетики и универсальных истин.
Наш топ-15 самых известных реалистических картин и художников всех времен
Художественное движение реализма было невероятно заметным периодом в искусстве, поскольку его акцент на обыденности открыл новую эру художественных исследований. Благодаря этому существует множество артефактов реализма, которые отражают истинную сущность этого движения. Из всех созданных произведений искусства несколько картин реалистов выделяются на фоне остальных, поскольку считается, что именно они помогли стать пионерами в развитии этого направления. Ниже мы рассмотрим 15 лучших картин в стиле реализма и художников, созданных в это время.
Камнеломы — Гюстав Курбе
| Художник | Гюстав Курбе (1819 — 1877) |
| Дата написания | 1849 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 170 см x 240 см (65 дюймов x 94 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Уничтожена во время Второй мировой войны |
Картина, в которой воплощены идеалы движения реализма, — «Камнеломы», написанная французским художником Гюставом Курбе в 1849 году. Будучи лидером группы реалистов, Курбе получил заказ на написание нескольких картин, которые в период расцвета движения приобрели одинаковую славу. Выставив эту работу на Парижском салоне в 1850 году, Курбе получил огромную реакцию зрителей и критиков. Однако, как говорят, эта реакция также послужила толчком к серьезным изменениям в развитии реализма.
Гюстав Курбе «Камнеломы» (1849); Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Каменотесы» Курбе изобразил двух крестьян, которые, как оказалось, разбивают камни для строительства дороги. Давая зрителям представление о повседневной жизни этих рабочих, Курбе смог достоверно изобразить сцену, имевшую место в реальном мире и поэтому лишенную каких-либо грандиозных элементов.
Повернувшись спинами к зрителям, Курбе придал своей работе ощущение анонимности, поскольку отказался сосредоточиться на той части изображения, которая обычно привлекает наибольшее внимание.
Изобразив сцену, которая, как известно, требовала больших физических усилий и крайне низкой оплаты, скрыв лица людей, Курбе продемонстрировал вопиющий отход от давно сложившихся обычаев традиционной живописи. Больше внимания было уделено изорванной одежде мужчин и их отношению к земле, что значительно отличалось от привычного обществу искусства. Считалось, что «Камнеломы» слишком обыденны для аристократического общества, рассматривающего искусство, поскольку изображения крестьянской жизни недостойны внимания высшего класса.
Пахота в Нивернэ — Роза Бонёр
| Художник | Роза Бонёр (1822 — 1899) |
| Дата написания | 1849 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 133 см x 260 см (52 дюйма x 100 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Одной из известных женщин-художниц реализма была Роза Бонёр, которую принято считать самой известной женщиной-художником всего 19 века. Ее картина «Пахота в Ниверне», написанная в 1849 году, считается ее лучшей работой. Бонёр продолжала изображать сельскохозяйственных животных и сельские пейзажи на большинстве своих картин, которые получили высокую оценку за предельный реализм. Картина «Пахота в Ниверне» была заказана правительством и получила Первую медаль на Салоне того года.
Пахота в Нивернэ (1849), Роза Бонёр; Роза Бонёр, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Согласно названию картины, Бонёр изобразила первую вспашку сезона, которая обычно проводилась ранней осенью, чтобы разрыхлить поверхность почвы на зиму. На ее картине двенадцать волов мирно пашут землю, готовясь к пахоте, но основное внимание на картине сосредоточено на спокойствии, присутствующем в пейзаже. Картина «Пахота в Ниверне» рассказывает благодатную историю о бесконечных тяготах крестьянства, включая их работу, жизнь и традиции. Атмосфера этой картины вызывает скромное чувство реализма.
Представляя образ волов и людей, работающих вместе, чтобы собрать урожай с земли, Бонёр комментирует отношения между человеком и природой.
Изображена цельная сцена, в которой животные предстают как настоящие герои работы, оставляя мало места для внимания мужчин. Таким образом, работа Бонхёра — это восхваление сельскохозяйственного труда, которым должны были заниматься крестьяне, причем это обычное занятие возвышается в статусе благодаря привлекательной сцене, которую оно создает. Интересно, что эта картина в стиле реализма была одной из немногих, получивших одобрение критиков.
Погребение в Орнане — Гюстав Курбе
| Художник | Гюстав Курбе (1819 — 1877) |
| Дата написания | 1849 — 1850 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 315 см x 660 см (124 дюйма x 260 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Картина «Погребение в Орнане», написанная в 1849-1850 годах, является самым знаменитым произведением Гюстава Курбе. Благодаря своим огромным размерам, это произведение искусства вызвало как одобрение, так и осуждение критиков и общественности, когда оно было первоначально выставлено, поскольку в нем стандартные провинциальные похороны рассматривались с нелестными элементами реализма. Картина «Погребение в Орнане» размером 3,1 м на 6,6 м подверглась резкой критике за свои масштабы, поскольку картины такого размера традиционно предназначались для героических и религиозных сцен в современной живописи.
Погребение в Орнане (1849-1850), Гюстав Курбе; Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Курбе изобразил похороны своего двоюродного деда в 1848 году, которые состоялись в Орнане, Франция, в сентябре. Однако, несмотря на мрачное событие, Курбе бросил вызов всем ожиданиям, связанным со смертью, представив похороны в такой реалистичной манере. Традиционно в таких мероприятиях присутствовали моменты скорби и красоты, чтобы зрители могли легко представить себе душу усопшего, грациозно возносящуюся к небесам. Вместо этого Курбе уделяет больше внимания скорбящим, которые, кажется, не обращают внимания на священника.
В «Погребении в Орнане» заметно отсутствие сентиментальности, ожидаемой в подобных жанровых работах. Лишив произведение всех искусственных признаков скорби, лица скорбящих выглядят более преувеличенными, и критики обвиняли Курбе в том, что он намеренно пренебрегает религией, добиваясь в своей картине ощущения неприятности.
Создав фон из нескольких безымянных лиц, Курбе смог изобразить такую обыденную вещь, как похоронная служба, с неизвестными людьми, без каких-либо духовных ценностей и в большом масштабе.
Лошадиная ярмарка — Роза Бонёр
| Художник | Роза Бонёр (1822 — 1899) |
| Дата написания | 1852 — 1855 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 244,5 см x 506,7 см (96,25 дюйма x 199,5 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Еще одна знаменитая реалистическая картина Розы Бонёр — «Лошадиная ярмарка», написанная между 1852 и 1855 годами. Поскольку большинство ее работ, как правило, посвящены животным, эта картина не отличается от других, поскольку основное внимание уделено группе лошадей на переднем плане картины. Картина «Лошадиная ярмарка» считается наиболее знаковым произведением реализма, созданным в период расцвета движения. Монументальная по размерам, Бонхер посвятила себя изучению ломовых лошадей в течение года.
Ярмарка лошадей (1852-1855), Роза Бонёр; Rosa Bonheur, CC0, via Wikimedia Commons
В течение полутора лет, маскируясь под мужчину, чтобы не привлекать к себе внимания, Бонёр посещала конный рынок на бульваре I’Hôpital в Париже и делала бесконечные зарисовки животных. В этих рисунках использовались как простые линейные рисунки, так и более детализированные элементы. Хотя Бонхер изображала торговцев, которые продавали своих лошадей на рынке, настоящим центром этой работы была напряженная сила, красота и мощь лошадей, которые ей удалось запечатлеть.
Искусная передача движения и водоворот темного и светлого вокруг необъезженных животных контрастировали со спокойными и опытными дрессировщиками, которые вели лошадей по холсту. Несмотря на то, что это невероятно напряженная картина, Бонхер смог сбалансировать движение в центре с простотой и неподвижностью, которые можно увидеть на переднем плане.
Эта картина оказалась очень популярной, так как ее хвалили за безупречную детализацию лошадей и всадников, и после Салона 1853 года она приобрела всеобщую славу.
Встреча (Bonjour Monsieur Courbet) — Гюстав Курбе
| Художник | Гюстав Курбе (1819 — 1877) |
| Дата написания | 1854 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 129 см x 149 см (51 дюйм x 59 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Музей Фабра, Франция |
Последняя работа Гюстава Курбе, включенная в этот список, — «Встреча» (Bonjour Monsieur Courbet), написанная в 1854 году. Будучи одной из первых картин, получивших противоречивый ярлык «авангард», эта картина продемонстрировала готовность Курбе рисковать своей репутацией в поисках нового метода визуального выражения. Этот новый метод реализма помог ему разрушить старые подходы к художественному творчеству, что можно увидеть в различных элементах картины La rencontre.
La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) (1854) by Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons
На этой большой картине Курбе создал разновидность автопортрета, изобразив себя на правой стороне холста на встрече с Альфредом Бруйясом, который был важным покровителем и сторонником его творчества. Изображая себя путешественником, который только что встретил двух дворян, Курбе подчеркивал понятие собственной значимости через то, как он себя изобразил.
Поместив себя под прямым светом и слегка откинув голову назад, Курбе подразумевает, что фокус работы должен быть направлен на него, а палка, которую он несет, еще больше подчеркивает его огромную силу.
Картина «Встреча» примечательна тем, что Курбе нарушил границы, поскольку в этой работе он задал новый темп художественного поиска. Поскольку оба мужчины находятся в сельской местности, чтобы писать картины, Курбе провел сравнение между ними через их позу. Он предположил, что он намного превосходит Бруйяса, поскольку несет все свои художественные принадлежности в рюкзаке, в то время как последнему нужен слуга, чтобы ходить за ним с тем, что ему нужно. Таким образом, эта работа подчеркивает идею о том, что и Брюйас, и зрители работы находятся на территории Курбе.
Уборщики — Жан-Франсуа Милле
| Художник | Жан-Франсуа Милле (1814 — 1875) |
| Дата написания | 1857 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 83,8 см x 111,8 см (33 дюйма x 44 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Художником, который считался одним из знаменитых реалистов, был Жан-Франсуа Милле. Он написал картину «Гуляки» в 1857 году, которую многие считают одной из самых важных работ всего движения реализма. Хотя Милле прошел через этап сосредоточения на пейзажах, концепция уборки урожая неоднократно возвращалась к нему на протяжении более семи лет. Под уборкой подразумевается тяжелая работа по уборке зерна, оставшегося на полях после сбора урожая, причем эта работа ложилась на плечи женщин и детей.
The Gleaners (1857) by Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, via Wikimedia Commons
Картина «Уборщицы» является лучшим произведением Милле благодаря тому, что на ней изображены реалии низшего класса. На этой картине он изобразил трех обычных женщин, занимающихся очень обычным для рабочего класса делом. Поскольку в то время уборка урожая считалась уделом самых низших слоев французского общества, Милле изобразил эту трудоемкую работу таким образом, что эти работницы оказались в центре нашего внимания.
Таким образом, Милле делает резкий комментарий о том, что нельзя забывать об этой неотъемлемой части рабочей силы, поскольку без них урожай не будет собран.
Несмотря на бедственное положение, в котором они находились, Миллет наделил женщин спокойным достоинством, которые выполняли свою работу с твердой стойкостью, несмотря на ее монотонность. Милле рассматривал тему уборки урожая как вечную, что позволило ему связать «Уборщиц» с историями, взятыми из Ветхого Завета. Несмотря на эту религиозную связь, его картина оказалась очень непопулярной, когда была представлена в Салоне в 1857 году. Ее безвкусная и обыденная тематика сильно разгневала публику после просмотра, так как она не считалась достойной внимания.
Ангелус» — Жан-Франсуа Милле
| Художник | Жан-Франсуа Милле (1814 — 1875) |
| Дата написания | 1857 — 1859 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 55,5 см x 66 см (21,9 дюйма x 26 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Еще одна из лучших реалистических картин Жана-Франсуа Милле — «Ангелус», которую он написал между 1857 и 1859 годами. Это произведение демонстрирует желание Милле пролить свет на жизнь французских крестьян и лишения, которые они терпят, чтобы просветить представителей аристократического общества о жизни за пределами их социального круга. Эта картина появилась после того, как ее специально заказал коллекционер искусства Томас Голд Эпплтон, однако, как известно, он так и не приехал забрать работу после ее завершения.
Ангелус (1857-1859) Жан-Франсуа Милле; Жан-Франсуа Милле, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Ангелус» Милле изобразил двух сельскохозяйственных рабочих со склоненной головой, читающих молитву «Ангелус» после тяжелого трудового дня в поле. Оба человека склонились над корзиной с картофелем, мужчина слева держит в руках шляпу, а женщина справа молитвенно сложила руки.
Ангелус» был известной молитвой об избавлении во времена римского католицизма, и эта картина демонстрирует простой акт преданности и молитвы о спасении, совершаемый представителями низшего класса общества.
На фоне заходящего вдали солнца «Ангелус» обозначил момент начала молитвы в 6 часов вечера, так как из церкви на заднем плане доносился звон колокола, возвещающий об окончании дня. Несмотря на изорванную одежду и склоненные плечи, в рабочих чувствуется спокойное достоинство. Это произведение искусства повлияло на сюрреалиста Сальвадора Дали, который вместо этого увидел, что рабочие молятся над своим похороненным ребенком. В 1963 году Лувр провел рентгеновское сканирование работы, которое действительно показало скрытый контур геометрической формы, похожей на гроб.
Старый музыкант — Эдуард Мане
| Художник | Эдуард Мане (1832 — 1883) |
| Дата написания | 1862 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 187,4 см x 248,3 см (73,8 дюйма x 97,8 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия. |
Хотя французский художник Эдуард Мане чаще всего изучается в контексте импрессионизма, в течение своей карьеры он создал несколько заметных произведений в стиле реализма. Считаясь ключевой фигурой в переходный период от импрессионизма к реализму, Мане рисовал с выдающимся модернизмом, что привело к тому, что он изображал рабочий класс в своих реалистических картинах. Картина «Старый музыкант», написанная им в 1862 году, является самой большой картиной, когда-либо созданной Мане, в которой заметно влияние Гюстава Курбе на его художественный стиль в то время.
Старый музыкант (1862), Эдуард Мане; Эдуард Мане, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина «Старый музыкант» является ярким примером способности Мане передавать впечатления от повседневной жизни. На картине изображены несколько человек, стоящих вокруг музыканта в центре произведения, который собирается играть на скрипке, чтобы они могли послушать. Предполагается, что музыкант — это Жан Лагрен, который в то время был лидером местной цыганской группы.
Лица, изображенные на этой сцене, постоянно подвергались пристальному вниманию, поскольку ни одно из них не создавало впечатление сплоченной группы.
В самом правом углу картины изображен восточный мужчина в тюрбане и длинном халате, который стоит прямо напротив молодой матери без обуви и ее новорожденного ребенка. При одном только взгляде на эти две фигуры видно, что их одежда и последующие социальные классы сильно различаются, что подчеркивает существующий разлад. В «Старом музыканте» содержится ряд отсылок к другим картинам Мане, например, мужчина в шляпе, который также фигурирует в его картине 1859 года «Пьющий абсент».
Карета третьего класса — Оноре Дюмье
| Художник | Оноре Дюмье (1808 — 1879) |
| Дата написания | 1862 — 1864 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 65,4 см x 90,2 см (25,7 дюйма x 35,5 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Одним из самых известных художников-реалистов считается французский художник Оноре Дюмье, создавший серию картин под названием «Карета третьего класса» в период с 1862 по 1864 год. Известный как очень графичный живописец, Дюмье часто характеризовал средства к существованию низшего класса и влияние индустриализации на современную городскую жизнь во Франции. Дюмье писал и другие сцены поездов из купе первого и второго классов, но «Вагон третьего класса» оказался самым влиятельным из трех работ.
Вагон третьего класса (1862-1864), Оноре Дюмье; Оноре Дюмье, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Постоянно повторяющаяся тема, которую можно увидеть в этой работе, — влияние, которое урбанизация оказала на рабочий класс Парижа. Хотя «Карета третьего класса» по-прежнему уделяет особое внимание форме общественного транспорта, в ней больше внимания уделяется тому, как социальная иерархия все еще соблюдалась в якобы такое современное время.
Изображая представителей низшего класса в карете третьего класса — сцена, которая отнюдь не была редкостью, — Домье комментирует социальную политику, все еще действующую во Франции.
Находящиеся в карете люди выглядят уставшими после долгого рабочего дня, при этом внимание картины сосредоточено на фигурах, сидящих на деревянной скамье на переднем плане. Мягкий свет проникает через окно, что еще больше подчеркивает кормящую мать, старушку и спящего мальчика, которые излучают умиротворение, не часто сопутствующее общественному транспорту. Более состоятельные пассажиры сидят позади них и разделены скамейкой, разделяющей два класса, что еще больше намекает на разделение, существовавшее во Франции.
Олимпия — Эдуард Мане
| Художник | Эдуард Мане (1832 — 1883) |
| Дата написания | 1863 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 130,5 см x 190 см (51,4 дюйма x 74,8 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Другой заметной и предположительно реалистической картиной Мане была «Олимпия», которую он написал в 1863 году. Мане очень любил женскую фигуру и изобразил множество обнаженных женщин в нескольких своих работах. Он также был склонен фокусироваться на жизни французского общества, что также можно увидеть в его картинах. В картине «Олимпия» Мане использовал две свои любимые темы, изобразив проститутку из низшего класса, позирующую в обнаженном виде. Из-за предположительно вульгарной сцены, эта работа сразу же вызвала споры с момента ее появления на выставке.
Олимпия (1863) Эдуарда Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Женщина, имя которой, как полагают, было Олимпия, изображена лежащей на открытой кровати, приглашая зрителей присоединиться к ней. На заднем плане видна служанка, приносящая ей цветы, которые, вероятно, были подарком от любовника. Мане создал резкий контраст между этими двумя женщинами не только благодаря цвету их кожи, но и тому, что служанка была полностью одета в свой рабочий наряд, в то время как проститутка лежала совершенно голая. Однако, несмотря на эту уязвимость, женщина кажется совершенно спокойной за отсутствие одежды.
Бесстыдный и вызывающий взгляд, которым женщина обращена к зрителям, был способом Мане бросить вызов лицемерным представлениям общества высшего класса о приличиях.
Выбрав для изображения проститутку, Мане сделал открытый комментарий буржуазному обществу того времени, которое предпочитало скрывать подобные непристойные занятия, несмотря на то, что это была хорошо известная часть общества. Таким образом, «Олимпия» была сделана нарочито провокационной, поскольку Мане хотел шокировать зрителей Салона 1865 года, которые, кстати, стекались посмотреть на эту картину.
Баржи на Волге — Илья Репин
| Художник | Илья Ефимович Репин (1844 — 1930) |
| Дата написания | 1870 — 1873 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 131,5 см x 281 см (51,8 дюйма x 111 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Государственный Русский музей, Санкт-Петербург |
Знаковым русским художником в движении реализма был Илья Репин, который написал картину «Баржевозчики на Волге» в 1870-1873 годах. Считающийся ответственным за внедрение реализма в России, Репин был большим сторонником соцреализма, что можно увидеть в некоторых его работах. Рассматриваемая как критика наживы на человеческом труде, картина «Бурлаки на Волге» посвящена трудностям простых моряков и грузчиков в известных портах вдоль Волги в это время.
Баржеперевозчики на Волге (1870-1873) Илья Репин; Илья Репин, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Проводя месяцы, сидя на берегу Волги и документируя суда и их трудолюбивых моряков, Репин написал картину «Бурлаки на Волге» после множества подготовительных эскизов. Это позволило ему создать невероятно точное изображение трудовой жизни этих моряков, которые ежедневно трудились на палубах судов. В этой работе Репин изобразил 11 мужчин-тягачей, которые, судя по их внешнему виду, принадлежат к разным этническим группам, медленно тянущих баржу вверх по течению Волги.
Физическое истощение видно по тому, как идут эти мужчины, они сгорбились от усталости. Теплые тона реки и берега контрастируют с их обветренной кожей и темной тенью, которую создают их тела, прижавшиеся друг к другу. Только один мужчина выделяется из группы благодаря своей яркой одежде и молодому виду. Он выглядит более прямолинейным, чем его товарищи по работе, так как кажется, что он освобождается от своих уз.
Это движение передает дух протеста против эксплуатации и возвращения достоинства.
Мать Уистлера — Джеймс МакНилл Уистлер
| Художник | Джеймс Макнейл Уистлер (1834 — 1903) |
| Дата написания | 1871 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 144,3 см x 162,4 см (56,8 дюйма x 63,9 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Американский художник Джеймс Макнейл Уистлер был известен тем, что отказался от реализма в пользу разработки собственного стиля современной живописи. Его самая заметная работа была написана в 1871 году и называлась «Мать Уистлера», хотя она также известна как «Аранжировка в серо-черных тонах № 1». Эта картина стала первой американской работой, приобретенной французским правительством в 1891 году, что значительно повысило репутацию Уистлера как художника и обеспечило ему множество богатых американских покровителей.
Мать Уистлера (1871), Джеймс Макнейл Уистлер; Джеймс Макнейл Уистлер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На первый взгляд «Мать» Уистлера выглядит довольно мрачно и серьезно, но искусствоведы и зрители на протяжении многих лет остаются очарованными способностью Уистлера изобразить свою мать с такой высокой степенью детализации. Одетая в длинное черное платье и белый кружевной чепец, остается неясным, была ли его мать в трауре или просто в скромном наряде, соответствующем моде того времени.
Сидящую в профиль «Мать Уистлера» прозвали «американской Моной Лизой», поскольку она обладает таким же уровнем секретности и мастерства, как и картина да Винчи.
Живя в то время с сыном, Уистлер попросил свою мать позировать ему после того, как модель отменила запланированную сессию. Поскольку в то время ей было 67 лет, Уистлер изменил композицию так, чтобы ее можно было изобразить в сидячем положении для ее удобства. Интерпретируемая как символ материнства, «Мать» Уистлера является столь важной картиной, поскольку она была одной из немногих работ, которые были оценены буржуазным обществом и в то же время нашли отклик в массах. Это объясняется тем, что она не требует особых объяснений.
Клиника Гросса — Томас Икинс
| Художник | Томас Икинс (1844 — 1916) |
| Дата написания | 1875 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 240 см x 200 см (94,4 дюйма x 78,7 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Филадельфийский музей искусств, Филадельфия |
Еще один американский художник-реалист, которого мы включили в наш список, — Томас Икинс, написавший картину «Клиника Гросса» в 1875 году. В середине 1800-х годов происходило множество медицинских разработок, которые помогли проложить путь к инновациям, изменившим мир. В это время Икинс проявил большое увлечение медициной, а его работа стала снимком лекции, проходившей в Медицинском колледже Джефферсона. На протяжении всего времени «Клиника Гросса» печально известна как одна из лучших американских картин.
The Gross Clinic (1875) by Thomas Eakins; Thomas Eakins, Public domain, via Wikimedia Commons
Известный как один из главных медицинских институтов в мире в 1800-х годах, Икинс запечатлел урок, который ведет доктор Сэмюэл Д. Гросс, бывший в то время 70-летним лектором. Гросс, одетый в черный халат, стоит в центре композиции и, предположительно, читает лекцию об операции, которая в данный момент проходила рядом с ним, аудитории, полной жаждущих студентов. Через плечо Гросса, справа от работы, находится его коллега по клинике доктор Франклин Вест, который вел записи о проходящей в данный момент ортопедической операции.
В левом верхнем углу Икинс вставил себя в аудиторию. Говорят, что на это повлияли его собственные курсы анатомии и препарирования, так как он уделял большое внимание деталям операции. Проявляя большое художественное мастерство, научные усилия этой картины резко контрастировали с эмоциональной реакцией единственной присутствующей женщины в левом нижнем углу.
«Клиника Брутто» рассматривалась с пристальным вниманием из-за ее неприглядного характера, поскольку зрители пытались постичь истинную правду реальности в этой работе.
Ночные ястребы — Эдвард Хоппер
| Художник | Эдвард Хоппер (1882 — 1967) |
| Дата написания | 1942 |
| Медиум | Масло на холсте |
| Размеры | 84,1 см x 152,4 см (33,1 дюйма x 60 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Институт искусств Чикаго |
Картина «Ночные ястребы», написанная в 1942 году, почти через столетие после того, как движение реализма достигло своего пика, по-прежнему считается важной реалистической картиной. Американский художник Эдвард Хоппер был хорошо известен своим использованием реализма, поскольку общий стиль жанра мало изменился, несмотря на прошедшее время. Картина «Ночные ястребы» считается одной из самых узнаваемых американских картин, которые когда-либо были созданы, поскольку на ней изображена типичная сцена в Америке в эпоху после Второй мировой войны.
Ночные ястребы (1942) Эдвард Хоппер; Эдвард Хоппер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1940-х годах индустриализация изменила жизнь в западном мире. На картине Хоппера он изобразил четырех одиноких людей в скудно обставленной ночной закусочной в центре города. Изображен единственный источник света, который освещает все помещение, проливается на тротуар и сильно контрастирует с другими тенями на улице. Несмотря на то, что картина кажется довольно простой, манипуляции Хоппера с декорациями и драматическим освещением иллюстрируют темы отчуждения, депрессии и двусмысленности, которые существовали в Америке после войны.
Ни одна из фигур в «Ночных ястребах» не взаимодействует друг с другом, что еще больше подчеркивает изоляцию, ощущаемую в этой сцене. Через это изображение Хоппер отразил тяжелую жизнь и борьбу, которую люди переживали в самые мрачные дни американской истории, поскольку ужасы и разврат войны навсегда изменили общество.
Нарисовав картину с открытым повествованием, Хоппер потребовал от зрителей завершить историю, что было типично для его стиля в то время.
Мир Кристины — Эндрю Уайет
| Художник | Эндрю Уайет (1917 — 2009) |
| Дата написания | 1948 |
| Медиум | Яичная темпера на грунтованной панели |
| Размеры | 81,9 см x 121,3 см (32 ¼ дюйма x 47 ¾ дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Последняя картина в нашем списке, которая также была написана спустя долгое время после завершения движения реализма, была создана американским художником Эндрю Уайетом. Картина «Мир Кристины», написанная в 1948 году, является одной из самых известных американских картин середины 20 века, несмотря на первоначальную медленную реакцию на нее. На картине, написанной в период, когда по всей Америке свирепствовал полиомиелит, Уайет изобразил Анну Кристину Олсон, свою знакомую, страдавшую от калечащего дегенеративного заболевания мышц.
Изображая фигуру, сидящую в высокой траве и смотрящую в сторону одинокого фермерского дома, Уайет изобразил Ольсон неспособной ходить из-за своего состояния. Несмотря на то, что кажется, будто она просто отдыхает в поле, Олсон пыталась ползти и беспомощно двигаться по полю в сторону дома. В «Мире Кристины» представлена суровая реальность, с которой приходится сталкиваться людям, страдающим от полиомиелита. Однако вместо мрачной картины Уайет изобразил Ольсон с огромным желанием увидеть мир, о чем свидетельствует ее готовность ползти через поле.
Хотя Уайет вложил в картину небольшое чувство решимости, Олсон все равно осталась ограниченной лишь обычным участком травы в этой сцене. Тощие руки и ноги Олсон, а также ее небольшая фигура создают атмосферу уязвимости. Это еще больше подчеркивается тем, что ее тело обращено в сторону от зрителей, так что мы не можем даже мельком увидеть ее лицо. В этой работе Уайет смог создать ощущение предчувствия, поскольку остается неясным, что собирается сделать фигура в траве, чтобы добраться до фермерского дома.
Движение реализма в истории искусства оказалось невероятно влиятельным, о чем свидетельствуют виды произведений искусства, созданные в этот период. Хотя наш список известных художников-реалистов и их знаковых произведений отнюдь не является исчерпывающим, мы рассмотрели 15 лучших картин, которые обычно признаются, когда речь заходит о важных постулатах реализма. Если вам понравилось читать об этих картинах, мы рекомендуем вам продолжить знакомство с более неизвестными картинами реалистов, которые были созданы в эту эпоху.
