Пабло Пикассо является, пожалуй, самой влиятельной фигурой в истории искусства 20-го века. Разнообразные произведения Пабло Пикассо не были результатом резких изменений в его стиле на протяжении его карьеры, а были основаны на его стремлении объективно оценить форму и метод, наиболее подходящие для достижения желаемого воздействия для каждого произведения искусства. Произведениям Пикассо, несомненно, суждено быть вплетенными в гобелен человечества как одним из лучших произведений искусства всех времен.
Оглавление
Жизнь и творчество Пабло Пикассо
Еще не достигнув 50-летнего возраста, этот знаменитый художник утвердился как самая известная фигура в современном искусстве, с самой самобытной эстетикой и чувством художественного производства. До Пикассо ни один другой художник не оказывал такого влияния на художественное сообщество и не имел столь значительной репутации как среди поклонников, так и среди критиков.
За свою долгую карьеру Пикассо создал около 20 000 рисунков, картин и скульптур, включая другие объекты, такие как костюмы и театральные декорации.
Пабло Пикассо, 1962 год; Аргентина. Revista Vea y Lea, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Во всем мире он считается одним из самых значительных и признанных художников 20-го века. Как художественный новатор, он является одним из основателей движения кубизма вместе с Жоржем Браком. Кубизм был культурным движением, которое навсегда изменило ландшафт европейской скульптуры и живописи, а также архитектурные стили, музыку и письменность.
Кубистские темы и артефакты разбираются и собираются в абстрактном виде.
Когда Пикассо и Брак создавали основы кубизма во Франции в 1910-1920 годах, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило такие ответвления, как дада, футуризм и конструктивизм в других странах. Пикассо также признан за изобретение строенной скульптуры и за изобретение формы искусства коллажа. Он также входит в тройку художников 20-го века, которые признаны за развитие принципов пластического искусства.
Портрет Пабло Пикассо (1912), автор Хуан Грис; Хуан Грис, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Активно манипулируя веществами, которые раньше не поддавались резке или лепке, этот инновационный вид искусства подтолкнул цивилизацию к социальным улучшениям в живописи, скульптуре, печати и гончарном деле. Эти вещества были не просто пластичными; им можно было придать определенную форму, как правило, в трех измерениях. Гипс, металлы и дерево использовались художниками для создания новаторских скульптурных произведений, с которыми публика еще никогда не сталкивалась.
Но когда родился Пикассо и когда умер Пикассо? Давайте сначала рассмотрим биографию Пабло Пикассо, прежде чем углубляться в его стиль и примеры известных картин Пикассо.
Биография Пабло Пикассо
Склонность Пикассо к созданию работ в широком диапазоне жанров принесла ему высокое признание на протяжении всей его жизни. Его значение как художника и влияние на других живописцев только возросло после его смерти в 1973 году. Чтобы понять, как он добился славы, давайте рассмотрим его детство, образование и периоды творчества.
| Национальность | Испанец |
| Дата рождения | 25 октября 1881 года |
| Дата смерти | 8 апреля 1973 года |
| Место рождения | Малага, Испания |
Ранняя жизнь
Пикассо родился в семье Дона и Марии Пикассо в Малаге, Испания. Его отец, художник и преподаватель рисования, был поражен талантом мальчика к рисованию с самого раннего возраста. Пикассо начал академическое обучение у своего отца в возрасте семи лет.
Руис считал, что обучение заключалось в воспроизведении шедевров и срисовывании человеческой фигуры с живых объектов, а также с гипсовых слепков, благодаря традиционному академическому образованию.
Пабло Пикассо со своей сестрой Лолой, 1889 год; Аноним Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Когда Пикассо было десять лет, его семья переехала в А-Коруну, где в Школе изящных искусств его отец работал преподавателем. Они прожили там четыре года, в течение которых Руис решил, что в возрасте 13 лет сын обогнал его как художник, и решил прекратить рисовать. Хотя Руис еще много лет создавал картины, он, несомненно, был потрясен врожденным талантом и мастерством своего сына. Семья Пабло Пикассо была потрясена, когда его младшая сестра скончалась в 1895 году от дифтерии.
Раннее обучение
Они переехали в Барселону, где отец Пабло Пикассо начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил администраторов разрешить его сыну сдать вступительный экзамен в экспертный класс, и Пикассо был зачислен в возрасте 13 лет. В 16 лет он был принят в Королевскую академию Сан-Фернандо, самую престижную художественную школу Испании. Пикассо презирал формальные уроки и бросил занятия вскоре после поступления. Он проводил свои дни в мадридском Прадо, где были выставлены работы Эль Греко и Гойи.
Коллекция работ Пикассо обширна и охватывает период с раннего детства до самой смерти, что позволяет проследить его развитие более тщательно, чем, возможно, у любого другого художника.
Плакат для ретроспективной художественной выставки Пабло Пикассо и его работ в Чикагском институте искусств, 1936-1940 годы; Коллекция плакатов Администрации рабочих проектов, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Изучая архивы его первых исследований, сообщается, что был переходный момент, когда детский аспект его рисунков поблек, что указывает на формальное начало его профессии. Этим годом считается 1894 год, когда юному Пабло Пикассо было всего 13 лет. В возрасте 14 лет он создал «Портрет тети Пепы», замечательную картину, которая считается одним из величайших портретов в истории Испании. В 16 лет Пикассо также создал отмеченную наградами картину «Наука и благотворительность». Его метод реализма, привитый ему отцом и ранним образованием, расширился после знакомства с идеями символизма.
Это вдохновило Пикассо на создание своей собственной интерпретации современности и на первое путешествие в Париж.
Пикассо выучил французский язык у своего парижского знакомого, поэта Макса Жакоба. Они жили в одной квартире, где узнали, каково это — быть «борющимся художником». Им было холодно и бедно, и им приходилось сжигать собственные работы, чтобы поддерживать тепло в квартире. Несмотря на то, что на этом этапе он начал заниматься скульптурой, критики называют его «голубым периодом», по имени синей цветовой палитры, характерной для его холстов.
Тон работ был также безошибочно меланхоличным.
В качестве истоков этого можно рассматривать переживания художника по поводу самоубийства Карлоса Касегемаса, друга, с которым он познакомился в Барселоне, в то время как темы большинства работ голубого периода были взяты из бездомных и проституток, которых он встречал на улицах города. Старый гитарист» (1903) является прекрасной иллюстрацией тематики и эстетики этого периода. В 1904 году цвета Пабло Пикассо начали светлеть, и он работал в манере, известной как «Розовый период», в течение года или дольше. Он сосредоточился на артистах и цирковых людях, изменив свою палитру на более жизнерадостные розовые и красные цвета.
А вскоре после знакомства с художником Жоржем Браком в 1906 году его палитра углубилась, фигуры стали более плотными и конкретными на вид, и он начал двигаться в сторону кубизма.
Зрелый период
Ранее комментаторы прослеживали истоки кубизма до его ранней работы «Авиньонские демуазели» (1907). Хотя сегодня эта работа считается промежуточной (в ней нет драматических аберраций, присущих его более поздним работам), она определенно стала поворотной в его развитии благодаря сильному влиянию африканских скульптур и старых иберийских произведений искусства.
Считается, что она побудила Брака создать свою первую серию работ, и в последующие годы они начали одну из самых необычных совместных работ в современном искусстве, время от времени с волнением учась друг у друга, время от времени пытаясь превзойти друг друга в своем стремительном и агрессивном соревновании за прогресс.
Во время разработки этого радикального подхода Брак и Пикассо регулярно встречались, и Пикассо характеризовал себя и Брака как «двух альпинистов, связанных друг с другом». В их общем видении одновременно представлены несколько точек зрения на предмет, которые разделены и реорганизованы в раздробленные формы. Форма и пространство были наиболее важными аспектами, и в результате оба художника ограничили свою палитру нейтральными тонами, что резко противоречит ярким цветам, использовавшимся фоверами до них.
Пикассо всегда сотрудничал с отдельными художниками или коллективами, но, по словам историка Брака Алекса Данчева, «фаза Брака» Пикассо была «самой интенсивной и продуктивной за всю его карьеру».
Пикассо ненавидел название «кубизм», особенно когда критики начали различать два основных метода, которым он, как утверждалось, следовал — синтетический и аналитический. Он рассматривал свое творчество как единое целое. Однако мало кто сомневается в том, что после 1912 года его творчество изменилось. Он стал менее озабочен изображением расположения предметов в пространстве и более заинтересован в использовании форм и мотивов в качестве подсказок, намекающих на их существование в причудливой манере.
Портретная фотография Пабло Пикассо перед его картиной «Афисионадо» (Кунстмузеум Базель) на вилле ле Клошетт, Сорг, Франция, лето 1912 года; анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он изобрел метод коллажа, а от Брака научился родственному методу papiers colles, который включал вырезанные листы бумаги в сочетании с частями ранее существовавших исходных материалов. Из-за своей зависимости от различных ссылок на предмет для построения его описания, эта фаза позже стала рассматриваться как «Синтетическая» фаза кубизма.
Пикассо использовал этот подход для создания более декоративных и юмористических композиций, и его универсальность вдохновила его продолжать использовать его далеко в 1920-е годы.
Однако растущий интерес художника к танцу переместил его работы в новые области примерно в 1916 году. Отчасти это произошло благодаря знакомству с писателем, художником и кинорежиссером Жаном Кокто. Через Кокто ему удалось познакомиться с Сергеем Дягилевым, и в дальнейшем он разработал несколько декораций для «Русского балета». Пикассо уже несколько лет экспериментировал с классическими темами, прежде чем дать им полный ход в начале 1920-х годов. Его персонажи стали намного крупнее и внушительнее, и он часто изображал их в контексте средиземноморского Золотого века.
Фотография семьи Пикассо у самолета с членами труппы Ballets Russe; без даты, без фотографа, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Они долгое время были связаны с более широкими консервативными тенденциями Европы так называемого rappel a l’ordre, периода искусства, который сейчас определяется как межвоенный классицизм. В середине 1920-х годов он попал под влияние сюрреализма, что заставило его переосмыслить свой творческий путь. Его искусство стало более экспрессивным, часто агрессивным и провокационным. Этот момент в его карьере соответствует времени в его личной жизни, когда его отношения с балериной Ольгой Хохловой начали рушиться, и он начал новый роман с Мари-Терезой Вальтер.
Несомненно, критики часто отмечали, что изменения в стиле живописи Пабло Пикассо часто совпадают с изменениями в его интимных отношениях; его отношения с Хохловой растянулись на годы его участия в танцах, а его последующий момент с Жаклин Роке связан с его поздним этапом, когда он стал зациклен на своем месте в истории рядом со старыми мастерами. В конце 1920-х годов он начал работать со скульптором Хулио Гонсалесом.
Это было его самое крупное творческое сотрудничество после работы с Браком, результатом которого стали работы из сварного металла, оказавшие впоследствии огромное влияние.
Металлическая работа Пабло Пикассо «Железная дружба», представленная на выставке Хулио Гонсалеса; DeuxPlusQuatre, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.
Политические проблемы начали искажать видение Пикассо в 1930-х годах и продолжали это делать в течение некоторого времени. В 1937 году под впечатлением от обстрела баскской деревни Герника во время гражданской войны в Испании он создал картину «Герника». Во время Второй мировой войны он жил в Париже, и немецкие власти оставили его в покое достаточно надолго, чтобы он смог возобновить свою работу.
Тем не менее, война оказала значительное влияние на Пикассо, поскольку нацисты забрали его парижскую коллекцию произведений искусства и убили некоторых из его самых дорогих друзей-евреев.
Пикассо создал работы в их честь, в том числе скульптуры из грубых, жестких материалов, таких как металл, в «Доме в карнеле», особенно ужасающем преемнике «Герники» (1945). После войны он стал глубоко активным членом Коммунистической партии, и многочисленные большие фильмы этой эпохи, такие как «Война в Корее» (1951), демонстрируют его вновь обретенную преданность делу.
Поздние годы и смерть
В 1950-х и 1960-х годах Пабло Пикассо сосредоточился на создании собственных копий великих произведений таких художников, как Диего Веласкес, Николас Пуссен и Эль Греко. В последние годы жизни Пикассо искал убежища от своей звездной славы, женившись в 1961 году на Жаклин Рог.
Его поздние работы были в основном портретными, с почти аляповатой цветовой палитрой.
Критики обычно считали их уступающими его предыдущим работам, однако в последние десятилетия они получили более положительную оценку. В этот поздний период он также создал большое количество керамических и металлических скульптур. В 1973 году он умер от сердечного приступа на юге Франции.
Ныряющая чайка (1969) Пабло Пикассо, скульптура художника в Кунгшамре; Gumisza, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Различные периоды творчества Пикассо
Пикассо провел большую часть своей профессиональной взрослой жизни во Франции. Его работы были разделены на периоды времени, в течение которых он полностью разрабатывал сложные темы и настроения, чтобы создать единое произведение. Первый период известен как «Голубой период».
Голубой период (1901-1904)
Фаза меланхолии Пикассо, во время которой он непосредственно переживал трудности, а также влияние лишений на окружающих его людей, отмечена в основном монохромными работами в синих и сине-зеленых тонах, лишь иногда скрашиваемых другими цветами. Картины Пикассо этого периода изображают голод, проституцию, портреты друга Карлоса Касагемаса после его смерти, кульминацией которых стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь» (1903). La Vie изображает внутренние страдания его друга перед лицом подруги, которую он пытался убить.
Рассматривая Пикассо и его «Голубой период», журналист и писатель Шарль Морис знаменито заметил: «Не суждено ли этому тревожному юноше придать святость шедевра неприятному ощущению существования, болезни, от которой он, похоже, страдает больше, чем кто-либо другой?».
Период розы (1904-1906)
Согласно этому термину, у Пикассо наступила более жизнерадостная эпоха, включающая розовые и оранжевые цвета и живой мир цирковых артистов и арлекинов, после того как он достиг определенного прогресса и преодолел часть своего отчаяния. Затем художник встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая также стала его возлюбленной. Позже она появляется в нескольких из этих более позитивных работ. Пабло Пикассо был очень хорошо принят коллекционерами искусства Гертрудой и Лео Стайн. Они были не только его главными спонсорами, но и Гертруда была изображена на одной из самых известных его картин «Портрет Гертруды Стайн».
Африканское влияние (1907-1909)
Выставка Поля Сезанна, организованная в Салоне д’Автом через год после смерти художника в 1906 году, стала переломным моментом для Пикассо. Хотя Пикассо был знаком с Сезанном еще до ретроспективы, только на выставке Пикассо осознал всю степень его творческой гениальности. В работах Сезанна Пикассо открыл для себя модель отбора основных моментов из реальности для создания целостной поверхности, передающей особую перспективу художника.
Примерно в тот же период качества африканской скульптуры коренных народов начали оказывать сильное влияние на европейских художников.
Первым шедевром Пикассо стала картина «Авиньонские демуазели». На картине изображены пять обнаженных дам, тела которых состоят из плоских, изломанных поверхностей, а лица — под влиянием африканских масок. Злобно изогнутый срез дыни в натюрморте с фруктами в нижней части картины висит на неестественно поднятой столешнице; замкнутое пространство, в котором находятся персонажи, кажется, выпирает вперед острыми фрагментами.
В этой работе Пикассо отходит от традиционного европейского искусства, используя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу плоской, двухмерной плоскости изображения. Казалось, что мир искусства пал, когда дебютировали «Авиньонские демуазели». Форма и представление, как мы их знали, были полностью отброшены. В результате ее назвали «самой изобретательной картиной в истории современного искусства».
С помощью новой тактики живописи Пикассо открыл для себя свободу самовыражения в отрыве от современных и традиционных французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные принципы, созданные в это время, проложили путь для последующего периода кубизма.
Кубизм (1909-1912)
Примерно в 1907 году Пикассо был вынужден придать своим фигурам большую серьезность и форму под влиянием множества факторов, начиная от Винсента Ван Гога и Поля Сезанна и заканчивая древними и племенными произведениями искусства. В конечном итоге они привели его к кубизму, в котором он разрушил стандарты перспективы, характерные для живописи эпохи Возрождения. В этот период стиль, созданный Пикассо и Браксом, использовал в основном нейтральные тона и был сосредоточен на «расчленении» предметов и их «оценке» с точки зрения их форм.
Кубизм, особенно второй вариант, известный как синтетический кубизм, оказал значительное влияние на эволюцию западного мира искусства.
В работах этого этапа подчеркивается интеграция, или синтез, форм в изображении. Цвет становится все более значимым в формах предметов по мере того, как они становятся больше и красивее. Неокрашенные вещи, такие как газеты или сигаретные обертки, регулярно наклеиваются на холст рядом с окрашенными областями — включение широкого спектра лишних материалов особенно связано с революционным методом коллажа Пикассо. Этот коллажный подход подчеркивает контрасты текстур и поднимает вопрос о том, что представляет собой правда и иллюзия в живописи.
Пикассо повлиял на развитие искусства для будущих поколений благодаря использованию цвета, формы и математических фигур, а также своему уникальному методу изображения предметов.
Неоклассицизм (конец 1910-х — начало 1920-х годов) и сюрреализм (середина 1920-х годов)
Пикассо совершил свое первое путешествие в Италию в 1917 году, обладая непревзойденной техникой и талантом, и сразу же начал этап почитания неоклассического стиля. Оторвавшись от жесткого модернизма, он создал рисунки и картины, напоминающие Ингреса и Рафаэля. Это был лишь пролог к появлению Пикассо, органично объединившего свои модернистские мысли и способности в шедевры сюрреализма, такие как «Герника» (1937), неистовый и мощный сплав стиля, изображающий опустошение войны.
«Герника» часто рассматривается как самое разрушительное антивоенное послание современного искусства.
Помещение «Герники» Пикассо (1937) в музее Стеделийк, 1956 год; Герберт Беренс / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Это было сделано для того, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо завершения войны и его общее осуждение нацизма. Пикассо с самого начала решил не изображать трагедию Герники в реалистическом или романтическом ключе. Ключевые персонажи, такие как дама с распростертыми руками, бык и агонизирующая лошадь, оттачиваются на рисунке за рисунком, прежде чем переносятся на обширную картину, которую он также многократно переделывает. Мрачная цветовая гамма и монохроматическая тема были использованы для изображения трудных времен и печали, которую он испытывал. Герника» ставит под сомнение героический характер битвы и показывает ее как ужасающий акт саморазрушения.
Эта работа была не только функциональным докладом или картиной, но и остается мощным политическим образом в современном искусстве, превзойденным лишь несколькими фресками мексиканского художника Диего Риверы.
Знаменитые картины Пикассо
Участие Пабло Пикассо в кубизме привело к росту коллажа, в котором он отказался от концепции изображения как окна в мир и начал думать о нем просто как о сборке сигналов, использующих различные, часто метафорические, техники для связи с этими вещами. Это также будет иметь далеко идущие последствия для будущих десятилетий.
Пикассо отличался разнообразным отношением к форме, и хотя его работы обычно определялись одним доминирующим подходом в любой момент времени, он часто попеременно переходил от одного стиля к другому — иногда даже в рамках одного произведения.
Его опыт сюрреализма повлиял не только на тонкие формы и нежную чувственность картин его подруги Мари-Терезы Вальтер, но и на резко зазубренную иконографию «Герники» (1937), самого признанного антивоенного произведения века. Пикассо всегда стремился утвердиться в истории, и некоторые из его самых известных работ, такие как «Авиньонские демуазели» (1907), ссылаются на множество предшественников — даже при этом ниспровергая их.
С возрастом он все больше заботился о сохранении своего наследия, и его поздние работы отличает откровенный разговор со старыми мастерами.
Суп (1903)
| Дата завершения | 1903 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 38 см x 46 см |
| Местонахождение | Институт искусств Чикаго |
Картина «Суп» является примером мрачной грусти «голубого периода» Пикассо, и она была создана одновременно с чередой других картин, посвященных темам лишений, старения и инвалидности. Картина выражает беспокойство Пикассо по поводу плачевных ситуаций, которые он пережил, когда рос в Испании, и, несомненно, была вдохновлена религиозными произведениями искусства, на которых он вырос, особенно Эль Греко. Тем не менее, картина представляет более широкое направление символизма того времени.
В конечном итоге Пикассо считал свои работы «голубого периода» «ничем, кроме чувств»; рецензенты, как правило, были на его стороне, несмотря на то, что многие из этих работ являются классическими и, конечно, довольно дорогими.
Портрет Гертруды Стайн (1905)
| Дата завершения | 1905 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 83 см |
| Местонахождение | Музей Метрополитен |
Гертруда Стайн была автором, личным другом и даже покровителем Пикассо, и она сыграла важную роль в его становлении как художника. Эта картина, на которой Стайн одета в свое любимое коричневое бархатное пальто, была завершена всего за год до «Авиньонских демуазелей» и представляет собой значительный шаг в становлении его стиля.
По сравнению с плоским видом нескольких картин периода «Голубой и розовой», формы этого портрета кажутся почти резными, и они были вдохновлены изучением античной иберийской скульптуры.
Повышенный интерес Пикассо к изображению человеческого лица как последовательности плоских плоскостей практически осязаем. Стайн говорила, что она сидела у Пикассо 90 раз, и хотя это может быть преувеличением, Пикассо, несомненно, долгое время боролся с изображением ее головы. После многочисленных попыток и неудач он однажды полностью закрасил ее, заявив: «Я больше не могу воспринимать вас, когда смотрю», и в конце концов отказался от этого образа.
Он закончил работу над головой лишь много позже, но уже без объекта перед глазами.
Авиньонские демуазели (1907)
| Дата завершения | 1907 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 243 см x 233 см |
| Местонахождение | Музей современного искусства |
Это произведение искусства поразило даже самых дорогих Пикассо коллег-художников, как по содержанию, так и по технике исполнения. Тема обнаженных женщин не была редкостью, но то, что Пикассо изобразил девушек как проституток в откровенно сексуальных позах, было новаторским. Увлечение Пикассо произведениями искусства иберийских и коренных народов особенно очевидно в лицах трех женщин, похожих на маски, намекая на то, что их сексуальность не только жестокая, но и первобытная.
Пабло Пикассо также пошел дальше в своих пространственных изысканиях, отказавшись от ренессансного впечатления трехмерности в пользу представления резко уплощенной плоскости изображения, разделенной на геометрические фрагменты, — технику, которую Пикассо частично перенял у кисти Поля Сезанна.
Например, нога дамы слева написана так, как будто она видна одновременно с нескольких точек зрения; трудно выделить ногу из окружающего ее негативного пространства, создавая впечатление, что оба они находятся на переднем плане.
Когда в 1916 году картина была выставлена на всеобщее обозрение, ее сочли безнравственной.
Брак был одним из немногих художников, кто тщательно изучил ее в 1907 году, что сразу привело к его кубистическому партнерству с Пикассо. Поскольку «Демуазели» предвосхитили некоторые черты кубизма, эта работа считается прото- или предкубизмом.
Натюрморт со стульями (1912)
| Дата завершения | 1912 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 29 см x 37 см |
| Местонахождение | Национальная галерея, Лондон |
Эта знаменитая работа считается самым ранним коллажем в современном искусстве. Пикассо и раньше прикреплял к своим картинам уже существующие предметы, но впервые он сделал это с такой юмористической и драматической целью. На картине накидка на стул сделана из набивной ткани, а не из настоящей накидки, как следует из названия.
Веревка, обернутая вокруг холста, напротив, очень натуральна и помогает имитировать резной бордюр столика в кафе.
Более того, зритель может представить холст как стеклянный стол, а канитель на стуле — как реальное сиденье стула, воспринимаемое через стол. В результате изображение не только значительно контрастирует визуальное пространство, что характерно для экспериментов Пикассо, но и искажает наше восприятие того, на что мы смотрим.
Чаша с фруктами, скрипка и бутылка (1914)
| Дата завершения | 1914 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 92 см x 73 см |
| Местонахождение | Национальная галерея, Лондон |
Это произведение является представителем его синтетического кубизма, в котором он использует многочисленные техники, намекающие на изображаемые вещи, такие как нарисованные точки, тени и песчинки. Это сочетание красок и смешанных материалов — пример того, как Пикассо «синтезировал» текстуру и цвет, придумывая целое после когнитивного расчленения имеющихся предметов.
Пикассо подавлял цвет в период аналитического кубизма, чтобы больше сосредоточиться на формах и размерах предметов, и эта логика, безусловно, определила его пристрастие к натюрмортам на протяжении всего этого периода.
Жизнь в кафе, несомненно, подводила итог современной парижской жизни для художника — он проводил там много времени, общаясь с другими художниками, — но основной набор вещей также гарантировал, что проблемы метафоры и отсылки можно держать под контролем.
Ма Жоли (1912)
| Дата завершения | 1912 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 64 см |
| Местонахождение | Музей современного искусства |
В этой картине Пикассо исследует границу между высоким искусством и обычной культурой, продвигая свои эксперименты в новые области. Пикассо продвигается к абстракции, уменьшая цвет и усиливая иллюзию скульптуры с низким рельефом, расширяя геометрические очертания «Авиньонских демуазелей».
С другой стороны, Пикассо включил в холст написанный текст.
Фраза «ma Jolie» на обложке не только еще больше сжимает пространство, но и связывает произведение с рекламным щитом благодаря использованию рекламного шрифта. Это первый случай, когда художник публично использовал элементы популярной культуры в создании высокого искусства.
Песня «Ma Jolie» была также названием популярной в то время мелодии, а также прозвищем Пикассо для его девушки, что еще больше связывает картину с популярной культурой.
Три музыканта (1921)
| Дата завершения | 1921 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 204 см x 188 см |
| Местонахождение | Музей искусств Филадельфии |
Существует две версии картины Пабло Пикассо «Музыканты». Несколько меньшая версия выставлена в Филадельфийском музее искусств, хотя обе они исключительно огромны для кубистической фазы творчества Пикассо, и, возможно, он решил создать картину в таком огромном масштабе, чтобы отметить окончание своего синтетического кубизма, который занимал его более десяти лет.
Он создал ее в то же лето, что и чрезвычайно непохожую на нее классическую картину «Три женщины весной». Некоторые считают эти картины ностальгическими воспоминаниями о ранних годах Пикассо; Пикассо сидит в центре, как всегда, в образе Арлекина, а по бокам — старые знакомые Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, от которых он был отчужден.
Три женщины у источника (1921)
| Дата завершения | 1921 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 204 см x 174 см |
| Местонахождение | Музей современного искусства |
Пикассо провел обширную исследовательскую работу, готовясь к написанию этой картины, своего самого сложного изображения старой классической темы. Она отдает дань уважения старым работам Пуссена и Ингреса, двух титанов классической живописи, но также заимствует элементы греческой скульптуры, а огромный вес фигур выглядит вполне скульптурно.
Критики говорят, что эта тема привлекла его в связи с рождением первого сына, а торжественность фигур может быть объяснена нынешней одержимостью Франции памятью о погибших в Первой мировой войне.
Герника (1937)
| Дата завершения | 1937 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 250 см x 777 см |
| Местонахождение | Национальный музей Центр искусства Рейна София |
Пикассо написал эту картину в ответ на обстрел Герники, баскской деревни, 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании. Картина была закончена за один месяц и стала центральным элементом испанского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже.
Несмотря на то, что во время выставки она произвела настоящий фурор, впоследствии ее запретили показывать в Испании вплоть до свержения милитаристского тирана Франсиско Франко в 1975 году.
Было проведено много работы по расшифровке значения этого произведения искусства, и некоторые считают, что страдающая лошадь в центре полотна относится к гражданам Испании. Минотавр может относиться к корриде, популярному национальному развлечению в Испании, но он также имеет глубокий личный смысл для художника.
Хотя «Герника», без сомнения, является самой знаковой реакцией современного искусства на конфликт, мнения критиков о влиянии картины разделились.
Рекомендуемое чтение
Биография Пабло Пикассо — это подробный и долгий путь. Не всегда возможно уместить все сведения в одной статье. Возможно, вам захочется еще больше изучить рисунки и картины Пикассо в свободное время. Здесь вы найдете больше информации о картинах и жизни Пабло Пикассо.
Жизнь с Пикассо (2019) Франсуа Жило
Честная книга Франсуазы Жило является наиболее полным изображением Пикассо из когда-либо опубликованных, предоставляя интригующий взгляд на эмоциональную и творческую жизнь двух современных художников. В 1943 году Франсуазе Жило было около 20 лет, когда она встретила Пабло Пикассо, которому в то время был 61 год. Родившись в семье, принадлежавшей к высшему классу, где предполагалось, что она станет юристом, молодая женщина пренебрегла желаниями родителей и выбрала карьеру художника. Она была одной из муз Пикассо, но в то же время она была довольно самостоятельной личностью, стремившейся стать тем выдающимся художником, которым она в итоге стала.
- Самый откровенный портрет Пабло Пикассо из когда-либо написанных.
- Получите захватывающее представление о напряженной и творческой жизни двух художников.
- Блестящий автопортрет молодой женщины, обладающей огромным талантом.
Пикассо: живопись голубого периода (2021) Кеннет Бруммель
Передовая технология раскрывает скрытые композиции, темы и модификации, а также ранее нераскрытую информацию о материалах и методе творца, что позволяет по-новому взглянуть на «Голубой период» Пикассо. Эта междисциплинарная книга объединяет историю искусства и передовую науку о сохранности, чтобы показать, как молодой Пикассо создавал уникальный облик и отличительную художественную идентификацию по мере того, как он эволюционировал от художественных наставлений Парижа конца xix века к политической ситуации неспокойной Барселоны.
- Получите новое представление о знаменитом «голубом периоде» Пикассо.
- Богато иллюстрированный том, в котором заново рассматривается «голубой период» Пикассо.
- Сочетание истории искусства и передовой науки о сохранности.
Склонность Пикассо к созданию произведений в самых разных жанрах принесла ему широкое признание на протяжении всей его карьеры. В заключение этой статьи приведем еще несколько известных цитат Пикассо, чтобы заглянуть внутрь сознания этого причудливого и творческого художника: «У каждого молодого человека есть потенциал стать художником. Вопрос в том, как оставаться художником по мере взросления» и «Я всегда делаю то, что не могу сделать, чтобы узнать, как это сделать».
Часто задаваемые вопросы
Когда родился Пикассо и когда умер Пикассо?
Пабло Пикассо родился в творческой семье 25 октября 1881 года. Он родился в Испании, в городе Малага. В 1973 году он умер от сердечного приступа на юге Франции.
Кем был Пабло Пикассо?
Большую часть своей профессиональной взрослой жизни Пикассо провел во Франции. Его творчество условно разделено на временные периоды, в течение которых он полностью развивал сложные идеи и чувства, чтобы создать целостное произведение. Первый этап был назван «голубым периодом». Разнообразный спектр произведений искусства Пабло Пикассо не был результатом значительных изменений в его стиле в течение его карьеры, а скорее его преданностью объективной оценке формы и подхода, наиболее подходящих для достижения желаемого эффекта для каждого произведения искусства.
