Картины в стиле модерн были частью революционного мирового движения современного искусства, которое было популярно с 1890 года до Первой мировой войны. Оно возникло в ответ на эстетику XIX века, находившуюся под влиянием идеологии в принципе и неоклассицизма в частности, и пропагандировало концепцию изобразительного искусства как нормальной части жизни. Художники больше не должны пренебрегать ни одним обычным предметом, каким бы утилитарным он ни был. Такой подход считался весьма революционным и новаторским, поэтому его название обозначало новые стили модерна.
Оглавление
Характеристика модерна
Арт-нуво принято считать «стилем», а не идеологией: тем не менее, он был вдохновлен уникальными концепциями, а не просто фантазийными устремлениями. Все величайшие надежные творцы модерна разделяли стремление продвинуться дальше границ неоклассицизма — этого преувеличенного рассмотрения с концепциями истории, характерными для большинства стилей 19 века: они хотели создать новый визуальный стиль на основе грубой оценки цели и пристального исследования органического мира.
Характерные черты модерна трудно определить, хотя отличительными аспектами являются следующие.
Концепция модерна выступала за применение эстетического дизайна к обычным товарам, чтобы сделать привлекательные вещи доступными для всех. Ничто не было слишком обыденным, чтобы быть «украшенным». По сути, модерн не видел различий между изобразительным искусством (картины и скульптуры) и практическим или изящным искусством (керамика и другие практические вещи, такие как мебель).
Эта эстетика была реакцией на мир искусства, для которого была характерна жесткая симметрия неоклассических конструкций. La Maison de l’Art Nouveau — художественная галерея во Франции, которая была известным местом распространения французского модерна и откуда движение получило свое название.
Вход в Дом модерна, 22 улица Прованс в Париже, 1895 год; Эдуард Пурше (1848-1907), общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Знаменитые картины в стиле модерн
Чтобы лучше понять характерные черты модерна, мы можем изучить некоторые из самых известных картин в стиле модерн. Этот список включает в себя несколько выдающихся примеров портретов в стиле модерн, а также познакомит нас с одной или двумя известными женщинами в стиле модерн, как в качестве модели, так и в качестве художницы. Эти работы представляют разнообразие и великолепие различных стилей модерна.
Городские церкви Рена (1883) Артур Хейгейт Макмурдо
| Дата завершения | 1883 |
| Средство | Гравюра на бумаге ручной работы |
| Размеры | 29 см x 23 см |
| В настоящее время находится | Музей искусств Далласа |
Работа Артура Хейгейта Макмурдо «Городские церкви Рена» демонстрирует влияние английского стиля на стили модерна в Европе. Титульный лист отличается сложным взаимодействием негативного и позитивного пространства, графических узоров и абстрактных узоров, взятых из биологического развития растений. Хотя в истории модерна есть единичные примеры английских прото-арт-нуво, идеи Макмердо для мебели, гобеленов и публикаций, созданных в Century Guild между 1882 и 1900 годами, демонстрируют наиболее постоянное использование графического динамизма, присущего модерну.
Джон Рёскин, известный источник мотивации для прерафаэлитов, был первоначальным творческим влиянием Макмердо.
Макмердо изучал принципы стиля прерафаэлитов у Уильяма Морриса, который убедил его создать Гильдию века в 1882 году вместе с Гербертом Хоумом, Клементом Хитоном, Джорджем Эслингом и другими. Журнал «Hobby Horse», который впоследствии стал официальным изданием группы, служил местом для обсуждения философии «Искусства и ремесел» и публиковал образцы ее творений.
Передняя обложка «Городские церкви Рена» Макмердо, гравюра из «The Hobby Horse» (Англия), 1883 год; Артур Хейгейт Макмердо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поскольку деятельность гильдии была совместной, трудно разделить индивидуальные усилия. Макмердо превращает белое пустое пространство вокруг темных фигур в активные элементы плоскости изображения, скручивая стебли в странные, хлесткие узоры.
По сравнению с этим, общий ранний стиль Уильяма Морриса устанавливает четко определенный, оптически последовательный узор поверх красочного фона, акцентируя передний план и игнорируя задний.
Более того, хотя узоры обоев Морриса часто делятся на симметричные части, которые выстраиваются вдоль вертикальной или горизонтальной плоскости, узоры Макмердо сильно связаны с нерегулярностью японских аранжировок.
В Мулен Руж (ок. 1892 г.) Анри де Тулуз-Лотрек
| Дата завершения | c. 1892 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 115 см x 149 см |
| В настоящее время находится | Институт искусств Чикаго |
Тулуз-Лотрек создал одно из своих величайших произведений «В Мулен Руж», проживая на Монмартре, в Париже, недалеко от знаменитого клуба. Зрители картины заметят, как художник смог добавить несколько известных фигур того времени. В центре изображения — кабинка на полу кабаре. Вокруг стола сидит небольшое количество мужчин и женщин.
Среди них известные артисты, фотографы и писатели.
Женщина в стиле модерн с рыжими волосами также сидит вместе с собравшимися у стенда, который служит главной фокусной точкой. Женская фигура — это Джейн Авриль, известная исполнительница. Он часто посещал «Мулен Руж», поскольку он находился недалеко от мастерской Лотрека, занимавшегося живописью в Тулузе.
В Мулен Руж (ок. 1892) Анри де Тулуз-Лотрек; Анри де Тулуз-Лотрек, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Это заведение было одним из самых известных кабаре на Монмартре. Здесь собирались его любимые художники и соратники. Он сумел изобразить их, а также это место в своих работах, используя свой талант восприятия. Он создал ряд работ, связанных с Мулен Руж.
Он использовал цвет для создания атмосферы, но также использовал разнообразные линии для придания графической интенсивности. В таких изображениях, как силуэт исполнительницы, расправляющей волосы, он использует кривые линии. Это контрастирует с использованием сильных диагональных линий перил и пола.
Используя этот метод, а также цвет, он передает посетителю настроение Мулен Руж.
Юбка павлина (1893) Обри Бердсли
| Дата завершения | 1893 |
| Средство | Рисунок пером и тушью |
| Размеры | 178 мм x 127 мм |
| В настоящее время находится | Гарвардский художественный музей |
Обри Бердсли создал «Юбку павлина» в 1893 году. В 1894 году первая английская публикация драмы Оскара Уайльда «Саломея» включала ксилографию его первоначального наброска пером и чернилами. Саломея» была написана на французском языке в 1891 году, когда Уайльд жил в Париже. Презентация этой истории была объявлена вне закона в Англии, предположительно потому, что в ней фигурировали библейские персонажи.
Запрещенный за адаптацию сценарных фигур для театра, его смелое изображение женского эротизма поразило бы поздневикторианскую элиту. Бердсли олицетворяет бунтарский подход Уайльда к гендерным нормам.
Иллюстрация Обри Бердсли «Юбка павлина» к пьесе Оскара Уайльда «Саломея» (1892); Обри Бердсли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Саломея — охотница, и кажется, что она идет на убийство. Ее изысканно украшенная и девичья добыча, «юная сирийка» из Писания, вполне может быть дамой — пока не заметишь колени. Если в последующих рисунках Бердсли к бурной классической комедии «Лисистрата» чувственность не сдерживалась, то здесь она лишь намекается. Эти инстинктивные контуры в стиле модерн, особенно змеевидные стебли павлиньих перьев, дают тонкий намек на кнут, а щекочущие перья имеют пенильный характер.
Хотя Уайльд позже отверг эскизы Бердсли как «грязные каракули глупого юнца», он впервые послал ему рукопись драмы с посланием, в котором говорилось, что он был единственным художником, который понял движение Саломеи.
Награда танцовщицы (1894) Обри Бердсли
| Дата завершения | 1894 |
| Средство | Блок-гравюра |
| Размеры | 34 см x 27 см |
| В настоящее время находится | Частная коллекция |
В картине «Награда танцовщицы», где исполнительница Саломея хвастается своим обезглавленным призом — черепом святого Иоанна Крестителя, Бердсли передает нынешние переживания по поводу гибели патриархального общества от рук напористой современной женщины. Двусмысленное зеркальное отражение лиц Иоанна и Саломеи также наводит на мысль о гендерных проблемах. Дублирующие тактики Бердсли, такие как нубийская рука, служащая платформой, змеящиеся волосы, служащие потоками крови, и белый воротничок, предполагающий пару свисающих грудей, ставят под вопрос власть. The Dancer’s Reward — прекрасный пример иллюстрации викторианской тюрьмы.
В то время как некоторые работы передают моральную точку зрения на последствия правонарушений, а другие изображают ужасы смерти как разложения, произведения Бердсли преувеличены, абстрактны и сатиричны.
The Dancer’s Reward (1894) Обри Бердсли; Обри Винсент Бердсли (21 августа 1872 — 16 марта 1898), Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он лишь предлагает, а не показывает камеру заключенного, где предплечье ключа появляется из подземного резервуара, чтобы представить исполнителю череп убитого человека. Оскар Уайльд был недоволен рисунками Бердсли для своей постановки. Тем не менее, широкая публика ассоциировала Бердсли с Уайльдом, и когда в следующем году сценарист был задержан за серьезное правонарушение — «непристойное поведение», Джон Лейн был вынужден не только исключить Уайльда из списка своих публикаций, но и отпустить Бердсли в качестве художественного редактора небольшого издания, известного как «Желтая книга».
Гисмонда (1894) Альфонса Мухи
| Дата завершения | 1894 |
| Средство | Литография Плакат |
| Размеры | 216 см x 74 см |
| В настоящее время находится | Существует несколько отпечатков |
Дизайн Гисмонды замысловат и обширен, что неожиданно для того, кто пытается применить свежий творческий подход. Альфонс Муха, возможно, намеревался произвести большое впечатление этим изображением, что может привести к тому, что другие заказчики обратятся за подобными проектами. Здесь можно найти многие из основных компонентов, характерных для рекламных плакатов Мухи, включая элегантно выполненную типографику для рекламы мероприятия, орнаментальные детали на женщине в стиле модерн и декоративные акценты на всем остальном фоне.
Здесь была отмечена Сара Бернар, выдающаяся актриса, которая сыграет ключевую роль в его карьере.
Афиша премьерной постановки «Гисмонды» Викторьена Сарду с Сарой Бернар, в главной роли, в Театре Возрождения в Париже, 1894 год; Альфонс Муха, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В начале 1895 года в Париже должна была состояться премьера нового спектакля, и компания, стоявшая за ним, решила нанять Муху для его рекламы с помощью серии плакатов. В конце XIX века нам еще не хватало нескольких лет до появления Интернета или даже телевидения, поэтому печатные издания играли важнейшую роль в рекламе всего и вся. Для любого художника, способного заявить о себе, открывалось множество перспективных возможностей трудоустройства, и Муха был одним из первых.
Бернхардт, кстати, была не только актером в драме, но и ее режиссером, так что, возможно, она имела некоторое влияние на то, кто был выбран для заказа произведения в стиле модерн.
Майская королева (1900) Маргарет Макдональд
| Дата завершения | 1900 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 158 см x 457 см |
| В настоящее время находится | Художественная галерея и музей Келвингроув |
Майская королева» — знаменитое произведение Маргарет Макдональд, которая создала его в 1900 году, в тот самый год, когда она вышла замуж за своего коллегу художника Чарльза Ренни Макинтоша. Это произведение было создано специально для женского обеденного зала мисс Крэнстон. Чарльз, супруг Маргарет, был приглашен для оформления этого помещения, и в результате совместной работы были созданы две изысканные скульптуры, расположенные друг напротив друга в разных концах помещения: «Вассал» Чарльза и «Майская королева» Маргарет. Это были первые из многих работ по дизайну интерьера, над которыми они работали в качестве партнеров.
Из-за манеры, в которой они были построены, они считались в основном исследовательскими работами, и, учитывая их размер, с ними нужно было обращаться осторожно во время путешествия в Вену и обратно.
Майская королева (1900), Маргарет Макдональд ; Маргарет Макдональд, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Картина «Майская королева» написана масляной краской на ткани и марле с линейными мотивами, созданными с помощью кусочков ниток, прикрепленных к картине, а также ракушек, бусин, олова и цветных гипсовых «драгоценных камней». Картина настолько точно соответствует женскому стилю помещения с женскими персонажами в изысканных платьях и цветами лавандового, пастельного и изумрудного цветов, что непонятно, было ли произведение искусства создано для помещения или же оно было создано для помещения. Внутри помещения широкие окна пропускают естественный свет, который дополняет серебристо-белые стены, а также темные большие столы и кресла с высокими спинками.
Удлинение предметов обстановки было призвано подчеркнуть огромное горизонтальное пространство, которое в работах Маргарет также представлено изящными женскими фигурами, поразительно возвышающимися и прямыми.
Фриз Бетховена (1902) Густава Климта
| Дата завершения | 1902 |
| Средство | Золото, графит, казеиновая краска |
| Размеры | 2,15 м x 34 м |
| В настоящее время находится | Здание Сецессиона, Вена, Австрия. |
Фриз изображает стремление человека к наслаждению в печальном и неспокойном мире, где приходится бороться не только с внешними злыми силами, но и с личными недостатками. За этим путешествием познания зрители следят в великолепной визуальной и линейной форме. Оно начинается мило, с парящих женственных Гениев, исследующих планету, но быстро сменяется мрачным, таинственным чудовищем Тифой.
В первой части этого ужасающего образа горилла символизирует Тифоза, олицетворяющего болезнь, которая опустошала европейские города в 19 веке, особенно Вену.
Три горгоны появятся в образе гламурных, соблазнительных сирен с золотом в волосах в другой спорной работе Климта — «Юриспруденция». Над ними возвышается безумный, истощенный образ смерти и венерической болезни, которые занимают видное место в венском обществе.
Фриз Бетховена (1902), Густав Климт; Густав Климт, CC0, via Wikimedia Commons
Климт исследует противоречивые понятия уродства формы и смертности в любви, а нагота работы, с яркими черными волосами на теле, приводила в ярость венскую аристократию. Понятия Страсть, Похоть и Извращение воплощены в женском облике справа от гориллы.
Своим броским, ослепительным нарядом огромная, осунувшаяся фигура Излишества напоминает любовницу-проститутку; ярко-синее платье — единственный звонкий оттенок во всей фреске. В результате его желания и привязанности к отчаявшемуся, борющемуся человечеству приходит герой, облаченный в ослепительные доспехи. Путешествие завершается открытием наслаждения через искусство, а исполнение символизируется плотным прикосновением поцелуя.
В результате фреска выражает эмоциональное человеческое желание, которое в конце концов удовлетворяется через личные и коллективные поиски, величие искусства, дружбу и товарищество.
Поцелуй (1908) Густав Климт
| Дата завершения | 1908 |
| Средство | Золотая фольга и масло на холсте |
| Размеры | 180 см x 180 см |
| В настоящее время находится | Österreichische Galerie Belvedere |
Густав Климт изобразил пару в любовных объятиях на золотом плоском фоне. Оба человека стоят на границе цветочного поля, которое заканчивается под обнаженными пальцами женщины. Мужчина одет в плащ с замысловатыми формами и нежными спиралями. На голове у него головной убор из лозы, а на голове женщины — цветочный головной убор. Она одета в пышное платье с цветочными узорами.
Зритель не видит лица мужчины, потому что он наклонился вперед, чтобы поцеловать женщину в щеку, а его пальцы ласкают голову дамы. Ее глаза закрыты, одна рука лежит на плече мужчины, другая мягко покоится на его руке, а голова наклонена вверх, чтобы встретить губы молодого человека.
Мотивы в картине отсылают к стилю модерн, а также к естественным формам школы искусств и ремесел.
Поцелуй (1908), Густав Климт; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Одновременно фон указывает на борьбу между двух- и трехмерностью, присущую произведениям Дега и других модернистов. Такие работы, как «Поцелуй», являются эстетическим выражением менталитета fin-de-siecle, потому что они изображают экстравагантность, представленную роскошными и чувственными мотивами. Использование сусального золота отсылает к средневековым картинам с золотым фоном, средневековым рукописям и старым фрескам, а спиралевидные узоры на одежде — к искусству бронзового века и орнаментальным спиралям, присутствующим в западном искусстве до античности.
Голова мужчины заканчивается очень близко к верху картины, что является отклонением от типичных западных норм и указывает на влияние японской гравюры, как и обтекаемая компоновка произведения.
Славяне на своей родине (1928) Альфонс Муха
| Дата завершения | 1912 |
| Средство | Темперная краска на холсте |
| Размеры | 610 см x 610 см |
| В настоящее время находится | Национальная галерея, Прага |
Альфонс Муха решил начать исследование славянской истории с четвертого по шестой век. В то время славянские роды были аграрными народами, жившими в заболоченных районах между реками Висла и Днепр, а также Черным и Балтийским морями.
Их общины постоянно подвергались нападениям со стороны пришлых германских народов, которые разрушали их жилища и грабили их животных, поскольку у них не было политической структуры, которая могла бы им помочь.
Славяне на своей родине (1928) Альфонс Муха; Альфонс Муха, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Жертвами одного из таких набегов стала пара, укрывшаяся в кустах на переднем плане, в то время как вдали горит их деревня. Ужас и хрупкость в их лицах умоляют о помощи. В правом верхнем углу картины языческое божество сопровождают два юноши, олицетворяющие битву и гармонию.
Эти цифры предвещают славянскому народу будущую свободу и спокойствие, если свобода будет достигнута через конфликт.
Роковые женщины (1933) Герда Вегенер
| Дата завершения | 1933 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 110 см x 119 см |
| В настоящее время находится | Частная коллекция |
Картина «Роковые женщины» была создана Гердой Вегенер, датским дизайнером и художницей, наиболее известной своими изображениями элегантных дам и роковых женщин в стиле модерн. Ее первый супруг, Эйнар Вегенер, признал себя женоподобным и стал ее любимым объектом под именем Лили Эльбе, прежде чем умер от операции по изменению пола. Творческая деятельность Герды началась после окончания Академии в 1908 году, когда она приняла участие в художественном конкурсе, спонсируемом таблоидом Politiken.
Она испытала влияние дизайна и работала художником для таких журналов, как «La Vie Parisienne» и других.
Les Femmes Fatales (1933), Герда Вегенер; Герда Вегенер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Вегенер стала известной художницей во Франции, но ей не повезло в Дании, где ее работы считались провокационными. В 1925 году она была удостоена приза на Всемирной выставке в Париже. Она была известна своей рекламной графикой, а также была востребованным автором портретов в стиле модерн. Это прекрасное произведение воплощает французский модерн и изображает трех модниц, наслаждающихся спокойным отдыхом на фоне потрясающей природы в окружении бабочек и пышной флоры.
Искусство модерна зародилось в 1880-х годах с целью обновления стиля и отказа от ранее установленных традиционных и исторических форм. Природные особенности, такие как полевые цветы или жуки, вдохновляли художников модерна. Кривые, асимметричные формы и яркие цвета были другими популярными чертами этого движения. Стиль модерн также можно было увидеть в декоративном искусстве, произведениях искусства, строительстве и даже в рекламе.
Часто задаваемые вопросы
Каковы характерные черты модерна?
Черты модерна трудно определить, но их можно выделить следующие. Движение модерн выступало за адаптацию эстетических мотивов к повседневным предметам, чтобы сделать красивые вещи более доступными для всех. Ничто не было слишком незначительным, чтобы быть «украшенным». По сути, модерн не видел различий между изобразительным искусством (живописью и скульптурой) и утилитарным или изящным искусством. Этот стиль был реакцией на мир искусства, в котором доминировала строгая симметрия неоклассического дизайна.
Что такое модерн?
Арт-нуво часто рассматривают как «стиль», а не как доктрину; тем не менее, он был мотивирован четкими идеалами, а не просто причудливыми целями. Все наиболее авторитетные дизайнеры модерна разделяли стремление выйти за рамки неоклассицизма — того преувеличенного отношения к историческим концепциям, которое характерно для большинства стилей 19 века: они хотели создать новый визуальный стиль, основанный на грубой оценке цели и внимательном изучении органического мира.
