В 1950-х годах международное искусство совершило внезапный и неожиданный поворот на 180 градусов. В Соединенных Штатах и Великобритании начало набирать популярность новое художественное направление — поп-арт. Это новое направление искусства черпало вдохновение в часто обыденных, потребительских, слегка китчевых и массово производимых элементах популярной культуры. Такие поп-артисты, как Энди Уорхол, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн, спровоцировали изменение нашего представления о высоких и низких формах искусства. Эти художники обратили внимание на растущий консюмеризм на рынках и наше потребление искусства.
Оглавление
Краткое содержание движения поп-арт: Что такое поп-арт
Многие из нас знают таких художников, как Энди Уорхол, но что такое поп-арт как движение? Когда дело доходит до создания определения поп-арта, нам нужно рассмотреть тип поп-арта. Существуют некоторые разногласия относительно места зарождения поп-арта. Похожие направления начали появляться в Англии и Америке в начале 1950-х годов. Поп-арт стал настоящим поворотом на 180 градусов в развитии модернизма по сравнению с абстрактным экспрессионистским движением, которое появилось до него.
Поп-арт обратился к осязаемым и доступным частям популярной культуры в качестве вдохновения, заменив традиционные темы «высокого искусства» классической историей, мифологией, моралью и абстракцией. Поп-арт возвысил более обыденные части популярной культуры до уровня изобразительного искусства, и сегодня это один из самых признанных стилей современного искусства.
Основные идеи поп-арта
Поп-арт может показаться более тривиальным и излишним, чем другие традиционные направления изобразительного искусства. Яркие цвета, использование популярных образов, основные формы и толстые контуры могут навести на мысль о более игривом виде искусства, но движение поп-арт наполнено скрытыми хитросплетениями и социальными комментариями. Вот небольшая предыстория поп-арта.
Мэрилин в небе (1999), Джеймс Гилл; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Что делает искусство прекрасным?
Наиболее заметной идеей движения поп-арт было размывание границ между тем, что ранее считалось изобразительным искусством, и более китчевыми, обыденными элементами популярной культуры. Поп-артисты прославляли предметы потребительской ценности, настаивая на том, что не существует культурной иерархии, когда речь идет о достойных предметах художественного творчества. Поп-художники черпали вдохновение из любого источника, независимо от культурной ценности.
Шокированный отказ или прохладное принятие?
Работы художников-абстрактных экспрессионистов, как правило, очень эмоциональны. В отличие от них, картины и коллажи поп-арта имеют тенденцию быть более отстраненными и отстраненными. Хотя произведения поп-арта часто исследуют различные культурные установки и неотъемлемые части социальной жизни, они делают это в холодной и относительно безэмоциональной манере. Искусствоведы горячо спорят о том, является ли эта отстраненность шокирующим уходом от культурных тем, которые исследует поп-арт, или же наоборот. Возможно, холодность отражает принятие популярной культуры.
Как поп-арт исследует культурную травму?
Неотъемлемой частью абстрактного экспрессионизма, предшествовавшего поп-арту, был поиск душевной травмы. Художники поп-арта искали ту же душевную травму, но на культурном уровне. В поп-арте мир популярных образов, мультфильмов, рекламы и таких культурных явлений, как бум ресторанов быстрого питания, опосредует эту социальную травму.
В поп-арте все эти проявления культурной травмы значимы, они дают художнику неопосредованный доступ к глубинным проблемам человечества.
Современный мир характеризуется неопосредованным доступом практически ко всему. Все — от окружающей среды до личной жизни знаменитостей — доступно для потребления и критики. Поп-арт отражает этот доступ, объединяя различные культурные элементы, чтобы продемонстрировать, что все взаимосвязано.
Капиталистическая критика или восторженное одобрение?
В Англии, в частности, художники поп-арта восприняли бум средств массовой информации и производства после Второй мировой войны. Многие рассматривают широкое использование коммерческой рекламы в произведениях поп-арта как одобрение капиталистического рынка. Некоторые критики считают, что поп-арт воспевает растущее потребительство современной эпохи.
Другие находят в этих многослойных произведениях элемент культурной критики. Художники поп-арта возвели обычные коммерческие объекты в ранг изобразительного искусства. Приравнивая коммерческие товары к изобразительному искусству, поп-артисты обращают наше внимание на тот фундаментальный факт, что искусство само по себе является товаром.
Многие художники поп-арта начинали как коммерческие художники. Эд Руша был графическим дизайнером, а Энди Уорхол также был невероятно успешным иллюстратором журналов. Благодаря такому раннему началу, эти художники продемонстрировали свободное владение визуальной лексикой популярной культуры. Эти навыки облегчили способность этих художников органично сочетать изобразительное искусство и коммерческую культуру.
Реклама в «Нью-Йорк Таймс» (17 апреля 1955 года) для I. Miller Shoes, иллюстрация Энди Уорхола; JSalleres, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Истоки движения поп-арт
Движение поп-арта интересно тем, что оно развивалось одновременно в Соединенных Штатах и Англии. Первые искры движения поп-арта были совершенно разными в каждой из этих стран. Поэтому необходимо начать рассматривать их по отдельности.
В США поп-арт был возвращением к более репрезентативному искусству, которое использовало иронию обыденной реальности, чтобы нейтрализовать личный символизм абстрактного экспрессионизма. В отличие от этого, ранний британский поп-арт был более академичным. Британские поп-артисты использовали иронию для изучения и критики взрывного консюмеризма послевоенной американской популярной культуры.
Прото-поп-арт
Хотя в 1950-х годах зародился американский и британский поп-арт, некоторые европейские художники, такие как Марсель Дюшан, Мэни Рэй и Франсис Пикабиа, предшествовали этому движению в своем исследовании капиталистических и модернистских тем и стилей.
Некоторые американские художники намекали на развитие современного поп-арта уже в 1920-х годах. Такие художники, как Стюарт Дэвис, Джеральд Мерфи, Патрик Генри Брюс и Чарльз Демут, создавали работы, в которых исследовали образы из популярной культуры, включая обыденные коммерческие объекты и рекламный дизайн.
Lucky Strike (1921) Дэвиса Стюарта; Дэвис Стюарт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Независимая группа: Поп-арт в Великобритании
В Лондоне в 1952 году была сформирована Независимая группа художников, которую многие считают предшественницей нового движения поп-арта. Это собрание молодых художников, скульпторов, писателей, архитекторов и критиков положило начало новому движению поп-арта. Эта группа художников начала регулярно встречаться в 1950-х годах, и их дискуссии были сосредоточены вокруг развития технологий и науки, найденных предметов и места массовой культуры в изобразительном искусстве.
Среди известных участников были архитекторы Питер и Элисон Смитсон, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, а также критики Рейнер Бэнхем и Лоуренс Аллоуэй. Когда эти творческие личности начали встречаться в 1950-х годах, Англия все еще постепенно восстанавливалась после послевоенных лет, и большая часть населения неоднозначно относилась к популярной культуре Америки.
Независимая группа разделяла эти колебания в отношении коммерческого характера американской популярной культуры, но они были в восторге от богатого мира поп-культуры, подробно обсуждая научную фантастику, дизайн автомобилей, западные фильмы, музыку рок-н-ролла, рекламные щиты и комиксы.
В 1960 году на ежегодной выставке молодых талантов Королевского общества британских художников впервые проявилось влияние американской поп-музыки. К январю 1961 года Р. Б. Китадж, Дэвид Хокни, Джо Тилсон, Билли Эппл, Дерек Бошир, Питер Блейк, Патрик Колфилд, Аллен Джонс и Питер Филлипс прочно обосновались на карте поп-арта.
Билли Эппл отвечал за дизайн приглашений и плакатов для двух последующих ежегодных выставок Young Contemporaries. В том же году Блейк, Китадж и Хокни получили призы в Ливерпуле на выставке Джона Мурса. Во время летних каникул 1961 года в Королевском колледже Хокни и Эппл вместе посетили Нью-Йорк.
Фотография Билли Эппл на церемонии вручения премии «Икона» Фонда искусств Новой Зеландии 2018 года; Правительство Новой Зеландии, Офис генерал-губернатора, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons
Поиск определения поп-арта
Когда речь заходит о том, кто первым использовал термин «поп-арт», возникает множество споров. В Великобритании есть несколько возможных искр, которые привели к появлению термина «поп-арт». Питер и Элисон Смитсон использовали этот термин в статье 1956 года, опубликованной в журнале Ark Magazine. Статья называлась «Но сегодня мы собираем рекламу».
Ричард Гамильтон дал определение поп-арта в одном из своих писем, а Паолоцци также использовал слово «поп» в своем коллаже «Я был игрушкой богача» (1947). Сын Джона Макхейла также считает, что его отец впервые использовал этот термин в разговоре с Фрэнком Корделлом в 1954 году.
Лоуренсу Аллоуэю также часто приписывают первое использование этого термина в его эссе 1958 года «Искусство и средства массовой информации». В этом эссе, однако, он использует только фразу «популярная массовая культура», и он имел в виду популярную культуру как продукцию СМИ, а не произведения искусства. В 1966 году Аллоуэй уточнил эти термины, но к этому времени поп-арт уже пробился в школы и галереи.
История американского поп-арта
Нью-Йорк был местом рождения американского поп-арта. В середине 1950-х годов нью-йоркские художники подошли к важному перекрестку в развитии современного искусства. В Америке художники поп-арта могли либо пойти по стопам абстрактных экспрессионистов, либо восстать против формализма модернистских школ мысли. Естественно, многие художники выбрали бунт и начали экспериментировать с нетрадиционными формами и материалами.
В это время Джаспер Джонс уже вызвал переполох своими абстрактными картинами, ссылающимися на объекты, которые «разум уже знает». Эти объекты включали в себя цифры, отпечатки рук, флаги, буквы и мишени. Другие художники поп-арта, такие как Роберт Раушенберг, использовали найденные изображения и объекты наряду с традиционными масляными красками. Движение «Флюксус» и Аллан Капроу также использовали в своих работах элементы окружающего мира. Наряду с другими, эти художники позже сформировали движение Neo-Dada.
Хотя поп-арт зародился в Соединенных Штатах в начале 1950-х годов, именно в 1960-х годах это движение получило широкое распространение. В Музее современного искусства в 1962 году поп-арт был представлен на симпозиуме по поп-арту. По мере того как художники начали использовать элементы рекламы в современном искусстве, коммерческая реклама стала включать в себя элементы современного искусства. Американская реклама стала очень сложной, и американским художникам нужно было найти более драматичный стиль, чтобы дистанцироваться от материалов массового производства.
В то время как британский поп-арт использовал слегка юмористический, романтический и сентиментальный подход к американской популярной культуре, американские художники создавали поп-арт, который, как правило, был более агрессивным и смелым. Британцы были дистанцированы от реалий американских потребительских образов, в то время как американские художники подвергались их ежедневной бомбардировке.
Становление американского современного поп-арта
Роберт Раушенберг испытал большое влияние художников дада, в том числе Курта Швиттерса. Раушенберг считал, что живопись относится не только к миру изобразительного искусства, но и к повседневной жизни. Это мнение бросало вызов доминирующей модернистской перспективе того времени. Раушенберг объединил в своих работах образы поп-культуры и выброшенные предметы. Таким образом, Раушенберг мог установить связь между своими работами и актуальными событиями в американском обществе.
В картинах шелкографии, которые Раушенберг создал в 1962-1964 годах, вырезки из журналов National Geographic, Newsweek и Life сочетались с экспрессивной кистью. Ранние работы Раушенберга часто классифицируют как нео-дада, поскольку они отличаются от американского стиля поп-арт, расцветшего в 1960-х годах.
Роберт Раушенберг стоит у одной из своих экспозиций в музее Стеделийк, 1968 год; Jack de Nijs / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Когда речь заходит о выдающихся американских поп-художниках, мы не можем забыть Роя Лихтенштейна. Использование Лихтенштейном пародии в своих работах дает, пожалуй, лучшее определение основной предпосылки поп-арта. Лихтенштейн создает точные, жесткие композиции на основе старомодных комиксов.
Используя краску Magna и масляные краски, Лихтенштейн приспосабливал и изменял сцены из комиксов DC и других изданий. Работы Лихтенштейна легко узнать по использованию точек Бен-Дея, смелых цветов и толстых контуров. Художник легко сочетает популярную культуру с изобразительным искусством, добавляя в свои работы иронию, популярные образы и юмор.
Американский поп-арт в сравнении с британским поп-артом
Поп-арт возник в Америке и Великобритании примерно в одно и то же время в 1950-х и 60-х годах. Общий стиль поп-арта представляет собой слияние различий между двумя странами. Хотя обе страны находили вдохновение в одних и тех же предметах, между их стилями есть несколько различий.
Ранний британский поп-арт нашел свое вдохновение в наблюдении за американской популярной культурой на расстоянии. С этой дистанцией пришел определенный уровень романтизма и сентиментализма, а также значительная доля презрения.
Британские поп-артисты применяли академический подход к американской популярной культуре, препарируя силу американских популярных образов в манипулировании жизнью граждан страны. Традиционно сухое британское чувство иронии и пародии просочилось в британский поп-арт.
Американские художники поп-арта, напротив, жили и дышали американской популярной культурой, и это отсутствие дистанции очевидно. Американский поп-арт был также, отчасти, бунтом против других форм современного искусства. Абстрактный экспрессионизм был самым сильным толчком для американских поп-художников, которые хотели отойти от высокоэмоционального и личного символизма этого стиля. В результате американские поп-художники используют в своих работах обыденные, безличные образы.
Организация выставки Роя Лихтенштейна в музее Стеделийк, 1967 год; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Тенденции, концепции и стили в поп-арте
После перехода от нео-дада к поп-арту художники по всему миру стали проявлять все больший интерес к использованию популярной культуры в своих работах. Хотя члены Независимой группы первыми использовали термин «поп-арт», американские художники быстро устремились к этому новому стилю.
Хотя индивидуальные стили художников поп-арта сильно различаются, существуют общие темы и концепции, лежащие в основе движения поп-арта. Использование образов из популярной культуры является наиболее заметной чертой произведений поп-арта.
MM a Critique of Mass Iconology (2013) by James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
После того, как движение поп-арта получило развитие в Америке, появилось несколько европейских вариантов, включая немецкое движение капиталистического реализма и французский нуво-реализм.
Табличное изображение: Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон
Европейские поп-художники сохраняли смешанные чувства по отношению к популярной культуре Америки, и эти чувства, возможно, лучше всего передаются через поп-арт коллажи Гамильтона и Паолоцци. Эти художники одновременно критиковали избыток и превозносили массово воспроизводимые объекты и образы.
Члены Независимой группы, включая Гамильтона, были одними из первых, кто использовал в своих работах образы средств массовой информации. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Коллаж Гамильтона 1956 года сочетает в себе тщательно подобранные элементы из изображений средств массовой информации, чтобы передать его убеждение, что американская культура — это культура избытка. Паолоцци анализирует шквал средств массовой информации через свои фотомонтажные коллажи, такие как его работа 1947 года «Я был игрушкой богатого человека».
Криминальная культура: Рой Лихтенштейн
Отчасти значимость работ Лихтенштейна заключается в его способности создавать потрясающие композиции, несмотря на использование комиксов в качестве темы. Лихтенштейн не только использовал образы из массовых книжек с картинками, но и применял технику комиксов, а именно точки Бен-Дея.
Whaam! (2018) диптих Роя Лихтенштейна; GualdimG, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Хотя он использует в своих картинах популярные образы, работы Лихтенштейна не являются простыми дубликатами. Лихтенштейн фокусировался на одной панели из комикса, часто обрезая ее, чтобы изменить сюжет. Лихтенштейн также добавлял или удалял различные элементы и играл с языком и текстом. Лихтенштейн еще больше стирает грань между изобразительным искусством и массовой репродукцией, вручную раскрашивая традиционно машинные точки.
Монументальное изображение: Джеймс Розенквист
Розенквист был еще одним художником, который присваивал образы популярной культуры непосредственно в своих картинах. Однако, как и Лихтенштейн, Розенквист не просто создавал копии. Вместо этого Розенквист сопоставлял различных знаменитостей, продукты и изображения в сюрреалистической манере.
Многие работы Розенквиста также содержат яркие политические послания. Розенквист начинал свои работы с создания коллажей из рекламных объявлений и вырезок из фоторепортажей. Затем он превращал простой коллаж в целостную картину.
Розенквист начал свою творческую карьеру, рисуя рекламные щиты, и ему удалось прекрасно перейти к созданию коллажей монументального масштаба. Многие работы Розенквиста были шириной 20 футов и более. Раздувая обыденные образы из популярной культуры в таких больших масштабах, Розенквист смог возвысить обыденное до статуса изобразительного искусства.
Повторение: Энди Уорхол и повторение
Когда вы думаете о поп-арте, имя Энди Уорхола, скорее всего, всплывает в вашей памяти. Уорхол — один из самых известных поп-артистов, его стиль является культовым и мгновенно узнаваемым во всем мире. Уорхол, пожалуй, наиболее известен своими яркими цветными портретами знаменитостей. На протяжении своей выдающейся карьеры Уорхол экспериментировал с самыми разнообразными темами.
Общая черта всех его работ — вдохновение массовым потребительством и популярной культурой. Повторение — еще один ключевой элемент работ Уорхола, комментирующий массовое воспроизводство в современную эпоху.
Бутылки из-под кока-колы и банки из-под супа Campbell’s занимают видное место во многих ранних работах Уорхола. Уорхол бесконечно воспроизводил изображения этих предметов, превращая стены галереи в полки супермаркета. Чтобы еще больше имитировать и пародировать массовое производство, Уорхол начал печатать свои работы, которые до этого раскрашивались вручную.
Настаивая на механическом создании своих работ, Уорхол отвергал понятие художественного гения и подлинности. Вместо этого Уорхол подчеркивал товарность искусства в современную эпоху, приравнивая картины к банкам с супом. И суп, и картины могут быть куплены и проданы как потребительские товары, и оба имеют присущую им материальную ценность. Уорхол пошел еще дальше, приравняв товары массового потребления к знаменитостям, таким как Мэрилин Монро.
Нью-йоркская выставка банок супа Campbell’s Энди Уорхола (серия из 42) в 2007 году; andrew warhola, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Поп-скульптура: Клаес Ольденбург
Хотя скульптура кажется идеальным средством для поп-арта, Ольденбург был одним из немногих поп-художников, которые исследовали ее. Сегодня Ольденбург известен своими мягкими скульптурами и огромными публичными копиями обыденных предметов потребления, многие из его ранних работ были гораздо меньшего масштаба. В 1961 году Ольденбург организовал выставку под названием «Магазин», где он арендовал витрину в Нью-Йорке, где продавались его небольшие скульптурные копии обыденных предметов.
Вскоре после выставки «Магазин» Ольденбург начал экспериментировать с мягкими скульптурами. Ольденбург использовал ткань и наполнитель для создания больших рожков мороженого, кусочков торта, миксеров и других потребительских предметов. Эти мягкие скульптуры разрушались сами по себе, возможно, комментируя пустоту предметов потребления.
На протяжении всей своей карьеры Ольденбург полностью фокусировался на обыденных предметах. После мягких скульптур Ольденбург начал создавать грандиозные произведения общественного искусства. Его скульптура «Прищепка» 1974 года в Филадельфии была высотой 45 футов. Чувство игривости в отношении представления обыденного в нетрадиционных формах пронизывает все работы Ольденбурга, независимо от масштаба.
Поп-арт в Лос-Анджелесе
В то время как Нью-Йорк был местом рождения американского поп-арта, Лос-Анджелес имел свой собственный бренд. Нью-йоркская сцена была гораздо более жесткой, чем Лос-Анджелес, где не было устоявшихся критиков и галерей восточного побережья Америки. Это отсутствие жесткости отразилось на поп-артистах, которые работали и жили в Лос-Анджелесе.
В 1962 году Художественный музей Пасадены провел первое исследование поп-арта. На выставке «Новая живопись обычных предметов» были представлены работы Лихтенштейна, Уорхола, а также лос-анджелесских художников Джо Гуда, Эда Руша, Роберта Дауда и Филиппа Хеффертона.
Существовала и другая эстетика поп-арта, которую исповедовали лос-анджелесские художники, такие как Билли Эл Бенгстон. Работы в этой эстетике ссылались на мотоциклы и серфинг, а также использовали новые материалы, такие как автомобильная краска. Придание привычному странного характера было центральной темой большей части лос-анджелесского поп-арта.
Используя неожиданные и новые комбинации медиа и изображений, а также смещая акцент с потребительских товаров, лос-анджелесские поп-артисты вывели поп-арт за рамки чистого копирования. Эти художники стали вызывать в своих работах особое отношение, чувства и идеи, основывая свои композиции на опыте и раздвигая границы между популярной культурой и изобразительным искусством.
Вывеска: Эд Руша
Руша был одним из ведущих лос-анджелесских поп-художников, и в своих работах он использовал самые разные средства. Большинство его работ были либо нарисованы, либо напечатаны, и он часто использовал фразы или слова как темы своих ранних работ, подчеркивая вездесущность вывесок Лос-Анджелеса. Работы Руша размывали границы между абстракцией, живописью и рекламными вывесками, что подрывало разделение между коммерцией и эстетикой.
Большинство работ Руши очень концептуальны, и он стремился сосредоточиться на идее, лежащей в основе работы, а не на самом изображении. Как и многие художники поп-арта, работы Руша выходили за рамки простого воспроизведения потребительских образов и объектов. Вместо этого он исследовал взаимозаменяемость опыта, текста, изображения и места.
Французский нуво-реализм
В 1960 году художественный критик Пьер Рестани основал движение Nouveau Réalisme, составив «Учредительную декларацию нового реализма». В этом документе утверждалось, что нувореализм — это новый способ восприятия реальности. Девять художников, объединенных присвоением массовой культуры, подписали декларацию в мастерской Ива Кляйна. Принцип поэтической переработки реальности промышленности, городской жизни и рекламы проявился в технике деколлажа Виллегля. Новые изображения создавались путем разрезания слоев плакатов.
Проблемы американского поп-арта с коммерческой культурой нашли отклик в движении нуво-реализма. Однако эти художники больше занимались предметами, а не картинами.
Немецкий капиталистический реализм
Немецким аналогом американского и британского поп-арта было движение капиталистического реализма. В 1963 году Зигмар Польке основал это движение, которое использовало эстетику масс-медиа для изучения объектов товарной культуры.
Другие художники, такие как Конрад Лойг и Герхард Рихтер, стремились разоблачить поверхностность и потребительство современных капиталистических обществ, используя эстетику и образы в своих работах. Рихтер внимательно изучал культуру через фотографию, Польке исследовал творческие возможности механического производства, а Леуг — образы поп-культуры.
Propellerfrau (1969) by Sigmar Polke; Sigmar Polke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Знаменитые произведения поп-арта
Как и любое другое направление, поп-арт отличается большим разнообразием. В этом движении принимают участие многие художники, каждый из которых внес ценный вклад в развитие модернизма. В этом разделе статьи мы рассмотрим некоторые из самых известных произведений поп-арта и исследуем их вклад в одно из самых известных художественных движений 21 века.
Эдуардо Паолоцци: Я был игрушкой богача (1947)
Эдуардо Паолоцци — художник и скульптор шотландского происхождения, который был одним из важнейших представителей послевоенного авангарда в Англии. В 1947 году он закончил этот коллаж из популярных изображений, который намекает на движение поп-арта, которое последует всего несколько лет спустя. Паолоцци использует в этом коллаже рекламу кока-колы, обложку бульварного романа и объявление о наборе в армию.
Как и многие произведения британского поп-арта, эта работа отражает более мрачный, критический тон. Эта работа — прекрасный пример того, как британский поп-арт отражал разрыв между суровой политической и экономической реальностью послевоенной Великобритании и богатым гламуром, идеализированным в популярной американской культуре. Паолоцци стал членом Независимой группы, и большая часть его работ исследует влияние массовой культуры и технологий на изобразительное или высокое искусство.
Выбор Паолоцци метода коллажа указывает на влияние фотомонтажа дадаистов и сюрреалистов. Физически собрав на одной странице широкий спектр образов популярной культуры и идей поп-арта, Паолоцци воссоздает повседневный шквал масс-медийных образов в современном мире.
Ричард Гамильтон: Что делает современные дома такими разными, такими привлекательными? (1956)
Коллаж был популярной формой раннего поп-арта, и этот коллаж Ричарда Гамильтона — еще один богатый пример. Гамильтон создал эту работу для выставки «Это завтра» в 1956 году. Этот коллаж был рекламой выставки и был представлен в каталоге. Многие критики называют этот коллаж самой первой работой британского движения поп-арт.
На коллаже мы видим современных Адама и Еву. Вместо библейских фигур эти двое — танцовщица бурлеска и культурист. Эти два основополагающих персонажа находятся в окружении современных удобств, включая консервированную ветчину, пылесос и телевизор.
Гамильтон вырезал каждый элемент из рекламы в журналах. Сцена, которую создает Гамильтон, одновременно поддерживает и эксплуатирует потребительство. Гамильтон также предлагает язвительную критику декаданса американских послевоенных лет.
Джеймс Розенквист: Избранный президент (1960-61)
Эта картина — первое произведение в нашем списке, которое не является коллажем, но оно начинало свою жизнь как коллаж. Розенквист начал работу над этим произведением с создания коллажа из трех отдельных элементов. Каждый элемент вырезан из различных предметов масс-медиа. Лицо Джона Кеннеди, желтый Chevrolet и кусок торта украшают картину. Затем Розенквист превратил это слияние предметов потребления в монументальную, фотореалистичную картину.
Розенквист заявил, что решил использовать лицо Джона Кеннеди с одного из его предвыборных плакатов наряду с другими элементами, взятыми из рекламы, потому что его заинтересовала внезапная тенденция, когда люди рекламируют себя как потребительские товары.
Розенквист умело сочетает в живописи сопоставляемые элементы коллажа, доказывая свой художественный талант и способность предлагать яркие культурные и политические комментарии через популярные образы.
Клаес Ольденбург: Кондитерская, I (1961-62)
Хотя скульптура не была самым распространенным средством в движении поп-арта, Ольденбург был самым известным поп-скульптором. Если вы когда-либо видели большие, игриво-абсурдные скульптуры неодушевленных предметов или еды, они, скорее всего, были созданы Ольденбургом.
Ядро яблока (1992), Клаес Ольденбург; צילום:ד «ר אבישי טייכר, CC BY 2.5, via Wikimedia Commons
Pastry Case, I» — это коллекция работ, выставленных Ольденбургом на его инсталляции «The Store» в 1961 году. The Store был магазином в Нижнем Ист-Сайде в Нью-Йорке, где Ольденбург создавал и выставлял скульптурные объекты. Гипсовые засахаренные яблоки, клубничные коржи и другие потребительские товары Ольденбурга были выставлены в его инсталляции, напоминающей магазин.
Произведения Ольденбурга не только были коммерческими товарами, но он также продавал их из «Магазина» по очень низким ценам. Эта инсталляция и коллекция «Кондитерская I» комментируют отношения между коммерческими товарами и искусством как товаром. Хотя Ольденбург продавал эти работы так, как будто это товары массового потребления, все они были тонко сделаны вручную.
Ольденбург включает еще одну культурную критику в эти работы через обильные выразительные мазки кисти, которые он использует для росписи каждого предмета. Многие считают, что эти мазки высмеивают работы абстрактных экспрессионистов. Критика абстрактного экспрессионизма проходит красной нитью через всю поп-арт. Ольденбург создает весьма ироничную среду, поскольку сочетает коммерческие предметы с экспрессионистскими мазками.
Фотография Клаеса Ольденбурга во время перформанса «Курс ножа» в Венеции, 1985; Gorupdebesanez, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Рой Лихтенштейн: Утопающая девушка (1963)
К началу 1960-х годов слава Лихтенштейна росла. Лихтенштейн специализировался на картинах по мотивам популярных комиксов, и это одна из самых известных его работ. До Лихтенштейна ни один поп-художник не фокусировался исключительно на изображениях из мультфильмов. Другие художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, уже использовали популярные образы в своих работах, но Лихтенштейн был первым, кто сосредоточился на мультфильмах.
Именно работы Лихтенштейна и Энди Уорхола положили начало движению поп-арта. Хотя Лихтенштейн работал исключительно с комиксами, он не копировал их непосредственно из источников. Вместо этого он использовал сложные техники, обрезая изображения комиксов для создания новых и захватывающих композиций. Лихтенштейн также изменял надписи на каждой из своих картин, уплотняя их и указывая на визуальное значение надписей в жанре комиксов.
Хорошим примером такой техники является «Утопающая девушка», потому что в оригинальном изображении парень девушки стоял над ней на лодке. В своих картинах Лихтенштейн заново присваивает эти аспекты коммерческого искусства. Тем самым он бросает вызов существующим взглядам на иерархию форм искусства.
Как и в случае со многими картинами в стиле поп-арт, неясно, одобряет ли Лихтенштейн или критикует комическую форму в своих картинах. Одобряет ли он комический стиль и подражает ему, чтобы повысить его ценность, или это язвительная критика? Ответ на этот вопрос остается на усмотрение зрителя.
Зигмар Польке: Кролики (1966)
Зигмар Польке был значительной фигурой в немецком капиталистическом реализме, став одним из основателей этого движения в 1963 году. Наряду с другими художниками, такими как Конрад Лойг и Герхард Рихтер, Польке начал рисовать образы популярной культуры. Эти картины вызывают холодный цинизм в отношении состояния немецкой экономики после Второй мировой войны. Эти картины в стиле поп-арт также вызывают чувство неподдельной ностальгии по самим изображениям.
В то время как Лихтенштейн начал копировать точки Бен-Дея, Польке начал подражать коммерческим узорам из точек четырехцветной печати. В своей картине «Кролики» Польке воссоздает изображение четырех костюмированных кроликов из клуба Playboy. Нарушение техники точечной печати на холсте прерывает эффект массового маркетинга сексуальной привлекательности. Чем ближе зритель подходит к обнаженным женщинам, тем меньше они видят.
В большинстве своих картин Польке не призывает зрителя к личной идентификации. Вместо этого картины Польке становятся аллегориями потери себя в потоке коммерческих образов. Диссонанс между повышенной сексуальностью кроликов Playboy и точечными узорами повторяет конфликт между тоской по массовой коммерческой современной жизни и одновременным отталкиванием от самой идеи.
По сравнению с нью-йоркскими поп-художниками, работы Польке гораздо более открыто критикуют консюмеризм в рамках популярной культуры. Эти взгляды уходят корнями в движение капиталистического реализма. Вместо того чтобы предлагать закрытую и слегка завуалированную критику популярной культуры, Польке сталкивается с ней лоб в лоб.
Фотография Дитера Фровейна Ляссо (слева) и Зигмара Польке (справа) примерно после 2000 года; Корнель Вахтер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эд Руша: Стандартная станция (1966)
На Западном побережье Америки Эд Руша был одним из самых выдающихся поп-фотографов, печатников и художников. Большая часть работ Руши представляет собой уникальное и красочное сочетание голливудских образов, юго-западного пейзажа и коммерческой культуры. Заправочная станция, как и та, что изображена на картине «Стандартная станция», является общим мотивом всех его работ. На самом деле, в своей книге «Двадцать шесть бензоколонок» (1963) Руша описывает дорожное путешествие, которое он совершил по юго-западной сельской местности.
В этой картине Руша смог превратить обычный и прозаический образ бензоколонки в эмблему американской культуры потребления. Руша печатает это изображение с экрана, что сглаживает перспективу и отражает эстетику коммерческой рекламы. Здесь также можно увидеть ранние эксперименты Руша с взаимодействием текста и языка. В своих более поздних работах Руша будет развивать эти ранние эксперименты, а язык станет неотъемлемой частью его концептуальных работ.
Обложка Twentysix Gasoline Stations (1962) Эдварда Руша; Эдвард Руша, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Дэвид Хокни: больший всплеск (1967)
Хокни создал это значительное полотно площадью 94 квадратных дюйма на основе фотографии в журнале о бассейнах. Для Хокни идея о том, что можно запечатлеть мимолетное событие с фотографии на картине, была интригующей. В то время как момент всплеска был кратким, процесс написания картины был гораздо более длительным. Хокни удается противопоставить статичную жесткость геометрического дома, пальм, бортика бассейна, ярко-желтого трамплина для прыжков в воду динамичности всплеска воды. В результате создается ощущение намеренной разобщенности.
Искусственная стилизация этой картины характерна для стиля поп-арт.
Энди Уорхол: Суп «Кэмпбеллс» I (1968)
Эта картина — одна из целой серии, посвященной банкам супа Campbell’s, созданной Энди Уорхолом. В отличие от работ абстрактных экспрессионистов, Уорхол никогда не стремился к тому, чтобы люди отмечали эти картины за их композиционный стиль или форму.
Уорхол — один из самых известных поп-художников, и он наиболее известен тем, что использовал общепризнанные популярные образы в контексте изобразительного искусства. В дополнение к своей серии работ на банках супа Campbell’s, Уорхол также использовал лица Мэрилин Монро, Микки Мауса и других известных личностей.
Специальное издание супов Campbell’s Энди Уорхола; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Представляя эти различные популярные изображения в повторяющемся стиле, Уорхол создал ощущение массового производства в контексте изобразительного или высокого искусства. Для Уорхола это был не случай подчеркивания или празднования популярных образов, а скорее социальный комментарий о консюмеризме. В наше время такие товары, как знаменитости, суп и мультфильмы, становятся идентифицируемыми с одного взгляда.
Хотя Уорхол нарисовал эту раннюю серию, он быстро перешел к трафаретной печати. Трафаретная печать была не только гораздо более экономичной, но и позволяла придать массовым товарам еще большее ощущение массовости. На первой персональной выставке Уорхола в Лос-Анджелесе он представил 100 холстов с изображением банок супа «Кэмпбелл». Эта выставка в галерее Ferus сразу же поместила Уорхола на карту мира и вознесла его на большую высоту.
Поп-арт, безусловно, является одним из самых известных направлений искусства 21 века. После глобальных войн и лишений это движение стало современным исследованием растущего потребительства и излишеств современного мира. За яркими цветами, игривыми композициями и абсурдной эстетикой скрывается острая культурная критика.
