Концептуальное искусство — исследование концептуалистского художественного движения

Концептуальное искусство

Возникнув как вид искусства в 1960-х годах, концептуальное искусство исследовало основы, окружающие концепцию того, что считается искусством. С середины 1960-х до середины 1970-х годов созданное концептуальное искусство воплощало в себе темы иронии, серьезности, а также шока, чтобы восприниматься одновременно как нечто и ничто. При этом произведения искусства больше не придерживались традиционных ценностей и эстетики, которые лежали в основе традиционного искусства. Движение концептуалистов было больше заинтересовано в понимании стратегий и идей, лежащих в основе создания искусства, а не в самом произведении искусства.

Оглавление

Концептуальное искусство: Введение

Известное как одно из самых радикальных и противоречивых движений в современном искусстве, концептуальное искусство вращалось вокруг идеи, что концепции, связанные с созданием произведения искусства, имеют приоритет над самим произведением. Возникший в Америке в 1960-х годах, термин «концептуальное искусство» обычно относится к искусству, созданному в середине 1960-х и 1970-х годов, и этот период проложил путь для других нетрадиционных движений, появившихся после его пика.

Также известное как концептуализм, это движение объединяло различные тенденции художественного творчества, а не существовало как одно прямолинейное и последовательное направление.

Концептуализм принимал бесчисленные формы и присутствовал в таких работах, как произведения искусства, перформансы, хэппенинги и мимолетные моменты. Произведения, созданные в рамках этого движения, начали ставить под вопрос саму идею искусства, поскольку ранее доминировавшее модернистское движение и его приоритет эстетической красоты в искусстве были отвергнуты.

Несмотря на то, что концептуальное искусство зародилось в Америке, оно также проникло в Латинскую Америку, Европу и Советский Союз. В Латинской Америке художники предпочитали более прямолинейный политический ответ в своих произведениях. В Европе концептуализм также широко исследовался и развивался, поскольку в то время страны были очень политизированными. Наконец, в Советском Союзе русские художники смешивали свой собственный советский социалистический реализм с западным концептуализмом и американским поп-артом, чтобы создать движение, в котором художники считались московскими концептуалистами.

Определение концептуального искусства основывалось на представлении о том, что сущность искусства состоит из идей и концепций произведения, поскольку его главным утверждением было то, что художественная идея может существовать как само произведение искусства. Некоторые художники и искусствоведы полностью игнорировали это движение и отказывались классифицировать любые произведения, созданные в этот период, как искусство. Это было связано с тем, что художники-концептуалисты классифицировали выражение, мастерство, эстетику и рыночную привлекательность, которые обычно были стандартами, по которым оценивалось произведение искусства, как по существу не имеющие значения.

Художники-концептуалисты использовали любые материалы и формы, которые были доступны и уместны в нужные моменты, чтобы эффективно донести свои идеи и концепции. Результатом этого стали произведения искусства, которые принимали различные формы, такие как перформансы, сочинения, а также использование повседневных предметов. Художники исследовали понятия «искусство как идея» и «искусство как знание», включив в свои работы концепции лингвистики, математики и процессуально-ориентированного мышления.

Существовавший как движение, отдававшее предпочтение идеям перед формальными и визуальными элементами, концептуализм в целом считался еще более упрощенным, чем такие работы, как «Коробки Брильо» Энди Уорхола (1964), представлявшие собой шелкографическую копию коммерческой упаковки. Таким образом, считалось, что концептуальное искусство сильно противоречит тому, что раньше считалось искусством.

Художники-концептуалисты признавали, что все искусство в основе своей концептуально. Чтобы подчеркнуть это понимание, многие концептуальные художники максимально уменьшали материальное присутствие своих работ, вплоть до того, что произведения искусства рассматривались как дематериализованные.

Успех искусства концептуализма был построен на фундаменте предыдущих авангардных художественных движений, таких как кубизм, дада, абстрактный экспрессионизм и поп-движение. Настоящий художник-концептуалист классифицировал себя на крайнем конце этой прогрессивной и экспериментальной шкалы, поскольку он был способен сознательно расширить границы искусства, не заботясь о том, что ранее считалось традиционным искусством.

Под сильным влиянием суровой простоты движения минимализма, концептуализм отверг прежние условности скульптуры и живописи, которые рассматривались как фундаментальные строительные блоки в художественном творчестве.

По своей сути, искусство, созданное художниками-концептуалистами, не должно было напоминать традиционные произведения искусства, поскольку ему вообще не требовалось принимать физическую форму.

Привлекательность концептуального искусства, которая побудила многих художников принять участие в этом движении, заключалась в идее, что если художник начал работу, то галерея или зрители в некотором роде закончат ее за него. Это было известно как институциональная критика, которая демонстрировала еще больший отход от объектно-ориентированного искусства, поскольку сознательно выражала важность, которую общество придавало культурным ценностям в целом.

В 1960-е годы известный нью-йоркский художественный критик Клемент Гринберг заявил, что современное искусство достигло пика в своем процессе сокращения и уточнения формальной природы художественных средств. Однако к концу 1960-х годов стало ясно, что идеи Гринберга о строгих границах каждого медиума больше не считаются правильными для художников, желающих экспериментировать. Таким образом, этот новый взгляд на возможные ограничения медиумов позволил концептуализму успешно развиваться.

Концептуализм отреагировал на коммодификацию искусства, пытаясь ниспровергнуть галереи как местоположение и определяющий фактор искусства, а также художественные рынки как владельцев и распространителей искусства. Влиятельные художники, такие как Лоренс Вайнер, заявили, что после того, как их произведения искусства были просмотрены, они, по сути, принадлежат сознанию зрителей.

Эта идея подчеркивала основной постулат концептуализма, который заключался в том, что идея важнее, чем само произведение искусства.

В целом, большинство концептуального искусства, которое было создано, было саморефлексивным по своей природе, поскольку оно обнажало неуверенные и самосознательные аспекты художников, которые ранее были скрыты. Таким образом, используя минимальные материалы и лингвистику, истинно концептуалистский художник мог раздвинуть границы и создать искусство, которое было исключительно об искусстве.

Определение концептуалистского художественного движения

Термин «концепт-арт» был введен художником и философом Генри Флинтом в 1961 году, когда он назвал свои перформансы концептуальными произведениями искусства, но только в конце 1960-х годов концептуальное искусство стало рассматриваться как определенное движение. Флинт предполагал, что этот термин будет относиться к произведениям искусства, которые являются критикой логики или математического мышления, но он не был по-настоящему применим до тех пор, пока художник Джозеф Косут не переосмыслил его в рамках художественного движения концептуализма.

Опираясь на идеи Косута, американский художник Сол ЛеВитт дал дальнейшее определение понятию концептуального искусства в своей влиятельной статье 1967 года под названием «Параграфы о концептуальном искусстве». Его статья стала одной из самых значительных работ о концептуализме, а его определение — одним из первых, появившихся в печати.

В своей статье ЛеВитт представил концептуальное искусство как одно из последних новаторских движений, так как он обозначил произведения искусства как интуитивные и в то же время бесцельные.

Он заявил, что концепция является самым важным аспектом в художественном произведении, а все планирование и принятие решений происходит заранее. Это, по сути, делает физическое завершение произведения искусства делом второстепенным, поскольку важность заключается в идее произведения.

Предшественники концептуального искусства

Зарождение концептуализма относится к 1917 году, а предшественником этого движения считается французский художник Марсель Дюшан. Дюшан указал путь концептуальным художникам, представив им примеры оригинальных работ, которые были концептуальными по своей природе. Его самая знаковая работа, «Фонтан» (1917), продемонстрировала его предпочтение к использованию готовых объектов, поскольку он представил писсуар, подписанный псевдонимом, в качестве скульптуры для участия в ежегодной выставке Общества независимых художников в Нью-Йорке.

Концептуализм Искусство

Фотография фонтана Дюшана (1917); Марсель Дюшан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Что такое стандартные размеры холста? - Изучение стандартных размеров холста

Позже его работа была отвергнута, так как жюри отказалось признать его вульгарное произведение искусством, что продемонстрировало сомнение Дюшана в том, где лежат границы и пределы искусства. Его критика того, что представляет собой искусство, нарушила само традиционное определение искусства, поскольку он отказался от красоты, редкости и мастерства в своих работах в пользу готовых изделий.

Художественное сообщество не считало обычные предметы, такие как писсуар Дюшана, искусством, поскольку они не были сделаны с намерением стать произведением искусства, не были особенными или сделанными вручную. Революционная работа Дюшана с незначительными, обыденными предметами вызвала возмущение в художественном мире, что впоследствии привело к развитию концептуализма как полномасштабного художественного движения. Актуальность и теоретические основы его работ были позже признаны Косутом, когда он дал правильное определение этому движению.

На протяжении всего движения концептуального искусства соответствие экспериментального искусства, которое было создано, личным взглядам человека на то, чем является искусство, оставалось неважным. Со временем художникам-концептуалистам удалось эффективно переосмыслить концепцию искусства до такой степени, что их усилия стали широко признаваться как искусство, достойное просмотра среди других традиционных произведений.

Характеристики и влияние концептуального искусства

В рамках движения концептуального искусства художники считали, что их искусство, по сути, создано зрителем, то есть художник и само произведение искусства не имеют никакого значения. Учитывая, что идеи и концепции, окружающие произведение искусства, были центральными и наиболее важными элементами, эстетическая привлекательность и материалы, используемые в работе, играли в концептуальном искусстве второстепенную роль.

Чтобы подчеркнуть идеи и концепции произведения искусства, художники сокращали материальное присутствие в своих работах до абсолютного минимума, что было известно как дематериализация. Это было одной из центральных характеристик концептуального искусства, так как меньший акцент и значение придавалось материалам, из которых создавалось произведение искусства.

В рамках концептуализма движение отвергало принципы формализма, поскольку художники не видели смысла в подчеркивании тривиальных формальных качеств, таких как форма, линия и цвет. Истинно концептуальный художник считал, что идеи, связанные с изобразительными и социальными аспектами произведений искусства, более интересны для рассмотрения, чем формальные элементы, используемые для создания произведения.

Художники, вовлеченные в движение концептуального искусства, стремились вырваться из коммерциализированного мира искусства, подчеркивая, что мыслительные процессы и методы производства являются теми гранями, в которых кроется истинная ценность произведения искусства. Художественные формы, которые они использовали, были намеренно выбраны таким образом, чтобы никогда не создавать законченных произведений, которые можно было бы представить традиционному художественному обществу как новую форму искусства. Таким образом, произведения искусства было нелегко купить и продать, поскольку их не нужно было показывать публике в официальной галерее.

Помимо того, что многие художники-концептуалисты ставили под сомнение структуры мира искусства, их характерной чертой было исследование идей, связанных с сильными социально-политическими темами в большинстве работ, которые они создавали, что в свою очередь отражало их неодобрение общества и государственной политики в целом.

Влияние современности

Опираясь на влияние Марселя Дюшана и его революционных работ, концептуализм бросил вызов границам, окружающим то, что можно рассматривать как искусство, а что нет, поскольку он дал художнику право самому решать, можно ли его произведение назвать произведением искусства. При этом концептуалисты выдвинули идею о том, что произведение искусства может состоять из надуманных и сложных объектов и все равно считаться искусством, тем самым создавая дистанцию между задачей художника и физическим производством произведения.

Характерным способом, с помощью которого концептуальное искусство исследовало границы художественного произведения, был вопрос о том, где заканчивается сфера искусства и где начинается сфера полезности. Вдохновленные творчеством Дюшана, художники продолжали переворачивать традиционные концепции, которые долгое время определяли искусство, оспаривая идеалы того, из чего должен быть сделан предмет искусства и как он должен выглядеть.

Концептуалистское движение в искусстве

Le Corbeau et le Renard («Ворон и лисица») Марселя Бродтаерса (1968); sporst, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Произведения искусства рассматривались как процесс, а не как материальный объект, и стали чем-то, что нельзя увидеть или понять, просто увидев, потрогав или услышав. Поэтому ключевой характеристикой процесса производства искусства стала идея деятельности, поскольку процесс создания искусства объединился с конечным произведением и стал действительно концептуальной деятельностью.

На продукты художественной деятельности повлияли такие события, как война во Вьетнаме и развитие феминизма, что привело к примирению между производством искусства и его художественной и социальной критикой. Были подняты вопросы о художественных творениях, поскольку сама цель искусства была поставлена под сомнение. Эти вопросы существовали как ключевая характеристика, которая постоянно присутствовала в концептуальном искусстве.

Такие идеи, как антикоммодификация искусства, были важной характеристикой, поскольку социальные и политические идеи искусства деконструировались и критиковались в работах художников-концептуалистов. Концепты, существовавшие в качестве основного средства, были, пожалуй, самой большой характеристикой, по которой можно определить искусство, созданное в рамках этого движения, поскольку оно принимало форму перформанса, инсталляции и цифрового искусства.

Язык как искусство

Важным отличием концептуального искусства от традиционных форм искусства было использование различных художественных средств. Язык был центральной проблемой во время первой волны концептуализма в 1960-х и начале 1970-х годов и был принят в качестве эксклюзивного средства многими художниками, включая Лоуренса Вайнера, Роберта Барри, Эдварда Руша, Джозефа Кошута и группу сотрудничества «Искусство и язык».

Несмотря на то, что использование текста в произведениях искусства было уже устоявшимся методом, художники-концептуалисты начали создавать произведения искусства, используя исключительно лингвистические техники. Ранее язык представлялся просто как один из видов визуальных элементов наряду с множеством других, поскольку он считался второстепенным по отношению к важности общей композиции. Однако в рамках концептуализма художники отказались от такого взгляда на язык и использовали его в пользу кистей и холстов внутри произведения, что позволило языку подчеркнуть свою важность.

Язык использовался художниками по-разному. Лоуренс Вайнер использовал язык в своих работах, чтобы подчеркнуть их тематическое содержание, а художник Джон Балдессари представил реалистичные изображения, которые он разрешил и поручил нарисовать профессиональным художникам.

Что такое концептуальное искусство

Фреска (перевод: Камень на камень на упавший камень) Лоуренса Вайнера (1983) ; AnBuKu, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

В рамках концептуализма считалось, что возвращение к искусству, основанному на языке, возникло в результате интереса к лингвистическим идеям значения в англо-американской аналитической философии и структуралистской и постструктуралистской континентальной философии в середине двадцатого века. Считалось, что этот переход к лингвистике укрепляет и подтверждает направление, в котором художник-концептуалист использует элемент языка в своих работах.

Кроме того, ранние концептуалисты были первым поколением художников, получивших университетское образование в области искусства. Считается, что последующие уровни образования художников оказали сильное влияние на включение лингвистики в художественные произведения и в определенное время заменили собой реальные произведения искусства.

Приняв язык в качестве своего эксклюзивного и центрального средства, художники-концептуалисты смогли отбросить оставшееся авторитетное присутствие, которое ощущалось в работах по отношению к традиционным элементам, которые должны быть использованы. Язык можно было применять и экспериментировать с ним различными способами, пока он действительно не стал собственной формой искусства по мере развития движения.

Экстремистские позиции в искусстве

Еще одной особенностью концептуального искусства был радикализм, который проявлялся в произведениях искусства. Один из самых известных и экстремальных примеров концептуализма был создан художником Пьеро Манцони в 1961 году, где он представил произведение под названием Merda d’Artista (Дерьмо художника). Это произведение искусства состояло из 90 жестяных банок, на этикетке каждой из которых было написано, что каждая банка наполнена 30 граммами экскрементов. Это оставило большинство зрителей в недоумении и указывало на провокацию, которую Мандзони пытался достичь в своей работе.

После создания этой работы очень немногие концептуальные работы смогли объединить концепцию и провокацию настолько экстремальным способом, что это стало настолько эффективным, как работа Манцони.

Вдохновленные тем, как Мандзони, казалось бы, без особых усилий соединил высокое искусство с экскрементами, многие художники продолжали экспериментировать с этой идеей провокации на протяжении всего движения концептуального искусства. Таким образом, концепции провокации и бунтарства стали ключевой характеристикой созданных работ.

  Неоклассическая архитектура - здания, выполненные в неоклассическом стиле

Пример искусства концептуализма

Merda d’artista (Дерьмо художника) Пьеро Манцони (1961); Jens Cederskjold, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Известные художники-концептуалисты и их работы

На протяжении всего движения концептуального искусства многие художники создавали работы, имеющие заметное значение. Несколько значительных художников были включены сюда вместе с некоторыми из их наиболее знаковых работ в рамках движения концептуального искусства, поскольку эти работы точно демонстрируют основные постулаты и характеристики, которые были использованы.

Марсель Дюшан (1887-1968)

Известный как прародитель концептуализма, Марсель Дюшан создавал работы, которые по своей сути были концептуальными, еще за несколько лет до того, как возникло это движение. Одной из самых знаковых его работ, которая считается первым официальным произведением концептуального искусства, является скульптура «Фонтан», созданная в 1917 году.

Дюшан печально известен тем, что купил стандартный писсуар в магазине сантехники, подписал его псевдонимом «Р. Матт», а затем представил его как законченное произведение искусства на открытую выставку скульптур Общества независимых художников в Нью-Йорке. Несмотря на то, что Дюшан входил в состав отборочной комиссии, произведение Дюшана было отвергнуто жюри, поскольку они сочли его недобросовестным и отказались признать его искусством.

Это революционное произведение искусства было первым в своем роде, которое внешне отвергало эстетическую красоту и опыт, поскольку он создал скульптуру из обычного, повседневного предмета и потребовал, чтобы она считалась высоким искусством. Фонтан Дюшана продемонстрировал развивающееся любопытство к границам и ограничениям формального искусства, поскольку его критика традиционного искусства начала прокладывать путь для последующего развития концептуализма.

Роберт Раушенберг (1925-2008)

Еще одним влиятельным художником в рамках движения концептуального искусства был Роберт Раушенберг. Самой заметной его работой был «Стертый рисунок де Кунинга», который он создал в 1953 году. Раушенберг стер работу, которую он приобрел у американского художника Виллема де Кунинга, и его готовое произведение представляло собой почти чистый лист бумаги, обрамленный в простую золотую раму.

Раушенберг создал ряд работ, которые исследовали границы, окружающие определение искусства, при этом его работы черпали вдохновение у Марселя Дюшана. В своей работе «Стертый рисунок де Кунинга» Раушенберг хотел выяснить, можно ли создать произведение искусства из стирания, при этом удаление знаков рассматривается как само произведение искусства.

Концептуальный художник

Фотография Роберта Раушенберга (1968) в Музее Стеделийк в Амстердаме; Jac. de Nijs / Anefo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Вначале Раушенберг начал со стирания собственных рисунков, но считал, что, стирая свои работы, он просто создает отрицаемые рисунки, которые все еще принадлежат ему. Позже он решил, что для того, чтобы его идея стала самостоятельным произведением искусства, оригинальная работа должна принадлежать кому-то другому. Тогда он обратился со своей идеей к де Кунингу, художнику, которого он высоко ценил, и попросил у него рисунок, который он мог бы стереть.

Сначала де Кунинг колебался, но понял концепцию Раушенберга и в конце концов передал рисунок. При выборе рисунка де Кунинг выбрал тот, по которому он будет скучать, и который будет трудно стереть полностью, так как он считал, что дополнительный уровень сложности сделает стирание более глубоким, когда оно будет завершено.

Процесс оказался трудоемким, поскольку Раушенбергу потребовалось более месяца и около пятнадцати ластиков, чтобы завершить работу. Художник Джаспер Джонс сделал к работе письменную надпись, которая гласила: «Стертый рисунок де Кунинга, Роберт Раушенберг, 1953 год». Надпись, несмотря на свою простоту, была фундаментальным элементом этого произведения искусства, поскольку без нее чистый лист бумаги внутри рамы был бы неразборчив.

Когда Раушенберга спросили о его работе, он сказал, что его стирание свидетельствует об окончании абстрактного экспрессионистского искусства и идеи о том, что искусство должно быть выразительным. Его стирание было торжеством его идеи отсутствующего рисунка, поскольку он существовал вместо традиционных элементов, а также языка.

Таким образом, его работы считались истинно концептуальными в процессе их создания. В 2010 году Музей современного искусства Сан-Франциско использовал различные технологии цифрового захвата и обработки, чтобы усилить некоторые из оставшихся следов оригинального рисунка де Кунинга. Это было сделано для того, чтобы лучше понять, что именно стер Раушенберг и почему он решил так поступить с художником, которого он якобы боготворил. Однако, поскольку де Кунинг часто использовал стирание в своих собственных рисунках, некоторые из найденных следов были на самом деле стерты им до того, как работа перешла в руки Раушенберга.

Получившееся изображение показало работу де Кунинга в процессе работы, а также влияние, которое оказал Раушенберг на произведение искусства, когда начал стирать. Сила «Стертого рисунка де Кунинга» заключается в притягательности невидимого, а также в загадочном решении Раушенберга стереть произведение де Кунинга. Поскольку мы никогда не узнаем ответа, загадочная работа Раушенберга остается открытой для многочисленных интерпретаций.

Сол ЛеВитт (1928-2007)

Написав одно из первых определений концептуального искусства, появившихся в печати, американский художник Сол ЛеВитт заявил, что идея или концепция произведения искусства становится физической машиной, которая, по сути, производит произведение. ЛеВитт, возможно, наиболее известен своими масштабными концептуальными работами, которые он назвал «Настенные рисунки» и которые включали в себя тщательно выстроенные цвета, узоры, формы и сетки.

Эти аранжировки были нарисованы карандашом или красками в соответствии со строгими инструкциями и схемами, которые ЛеВитт составил для того, чтобы правильно выполнить работу. Таким образом, ЛеВитт продемонстрировал, что художник может следовать методическим указаниям, чтобы создать работу, которая будет считаться искусством, поскольку работы не всегда должны исходить из глубокого смысла. С помощью этого процесса в своих работах ЛеВитт показывает, что его строгие идеи, лежащие в основе создания настенных рисунков, являются самими произведениями искусства.

Концептуальная живопись

Настенный рисунок Сола Левитта № 652, «Непрерывные формы с наложенными цветными акриловыми размывами» (1990) в Музее искусств Индианаполиса; Mike Steele, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

На протяжении своей карьеры ЛеВитт создал более 1200 таких рисунков, и эти работы подтверждают сильную визуальную лексику, которую он создавал. Его работы демонстрировали модификации геометрических форм, а рисунки в конечном итоге превратились в структурные конструкции, сделанные из таких материалов, как сталь, полиуретан, бетон и складывающиеся кубы.

Один из самых известных настенных рисунков ЛеВитта под названием Wall Drawing #16 был одним из первых, который он создал в 1969 году. Эта работа состояла из сети нарисованных карандашом линий, которые подчинялись внутренней логике, навязанной ЛеВиттом. Серые линии были нарисованы шириной 12 дюймов и пересекались по горизонтали, вертикали и диагонали вправо. Однако, что делает эту работу такой интересной, так это то, что она была первым произведением искусства ЛеВитта, которое он создал не сам.

В начале своей карьеры ЛеВитт обращался к другим людям, чтобы они помогли создать его многочисленные концептуальные картины и настенные рисунки. Настенный рисунок № 16 был выполнен Джеймсом Уокером. ЛеВитт оставлял подробные инструкции и схемы для своих помощников, которые создавали рисунки, основываясь на своих личных интерпретациях его инструкций. Позволяя другим выполнять свои работы, ЛеВитт решал проблему трудоемкости своих рисунков.

Самое главное, выбирая других для создания своих работ, ЛеВитт демонстрировал, что для признания произведения искусством достаточно концепции идеи, а не ее физического воплощения.

Кроме того, ЛеВитт отверг традиционное представление о том, что для завершения произведения искусства необходима собственная рука художника, поскольку он фактически децентрализовал себя от реализации своих работ, но при этом сохранил право собственности на готовое произведение.

  Искусство шизофрении - взаимосвязь между искусством и психическими заболеваниями

Роберт Барри (1936 — настоящее время)

Еще одним влиятельным художником в рамках движения концептуализма является Роберт Барри, который использовал язык в качестве основного средства в своих работах. Одной из самых известных концептуальных работ художника является «Все вещи, которые я знаю, но о которых я в данный момент не думаю», созданная в 1969 году.

Барри создавал произведения искусства, в которых исследовал концепцию отсутствия, а также то, как зрители воспринимают концепцию отсутствия, и эта работа напрямую говорит о его центральной идее. Выставленная на стене в виде нарисованной карандашом фигуры, эта работа содержала простое утверждение, которое сбило с толку зрителей, рассматривавших работу. Кроме того, Барри не дал никаких дополнительных объяснений, что означает, что у зрителей было только его намерение, на которое они могли опираться, пытаясь понять работу.

Как показано в культовом произведении Барри, понятия смысла и неясности противоречат друг другу. При создании этого произведения Барри утверждал идеи, о которых он не думал, в качестве центральной идеи этого произведения искусства, демонстрируя, что его физическая форма не важна. Вместо этого Барри согласовал вес высказывания и утвердил свое использование языка, чтобы оно стало самим произведением искусства.

Интересно отметить, что это высказывание можно произносить, думать и писать по-разному, но независимо от формы оно остается его произведением искусства.

Лоуренс Вайнер (1942 — настоящее время)

Среди всех упомянутых художников Лоуренс Вайнер был одним из самых важных художников, который помог запустить движение концептуального искусства и продвинуть его вперед в 1960-е годы. Известный как художник-лингвист, в своих самых известных работах Вайнер использовал язык в качестве основного средства.

Художник-концептуалист

Фотография Bits & Pieces Put Together to Present a Semblance of a Whole (1991) Лоуренса Вайнера, вырезанная лазером алюминиевая типография на кирпиче; GearedBull, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Из всех его работ наиболее известна Декларация о намерениях, созданная в 1968 году. Эта работа задокументировала его вступление в движение концептуального искусства, поскольку она состояла из трех простых терминов, которые, по его мнению, описывали и диктовали процесс создания искусства. Используя язык для объяснения процесса создания искусства, Вайнер демонстрирует, что акцент работы лежит в ее инструкциях.

В своем заявлении Вайнер предположил, что произведение искусства может существовать исключительно в форме языка и, таким образом, сохранять свою концептуальную природу, или же оно может быть физически создано, если это необходимо. Декларация о намерениях Вайнера послужила руководством для понимания остальных его работ и концептуального движения в целом, поскольку высказывания демонстрировали его мысли о том, как искусство создается и воспринимается другими.

Джозеф Косут (1945 — настоящее время)

Будучи одним из пионеров концептуализма, Джозеф Косут в своем эссе 1969 года под названием «Искусство после философии» дал определение термину «концепт-арт», чтобы он соответствовал движению концептуального искусства. В своем эссе Косут признал значимость и теоретическую важность работ Дюшана, заявив, что все искусство, созданное после Дюшана, было концептуальным по своей природе, поскольку искусство может существовать только концептуально. Косут заявил, что предмет искусства существует как простое выражение идеи искусства, а после работ Дюшана он утверждал, что единственная обязанность искусства — это исследовать и определить, что такое искусство по сути.

Косут поощрял глубокое созерцание и сомнение в том, что определяет традиционное искусство, и эта тема присутствует в его работах.

Его наиболее известная работа под названием «Один и три стула» была создана в 1965 году и рассматривает различные коды для одного стула. В этой работе настоящий стул расположен между масштабным изображением стула и распечаткой словарного определения слова «стул». Таким образом, Косут представил как визуальный, так и вербальный код стула, поскольку он использовал язык для определения своего произведения искусства, чтобы оно было доступно и понятно любому зрителю, независимо от его знаний в области искусства.

Снабдив свое произведение настоящим стулом, Косут также дал код в языке предметов, который определял стул как реальный деревянный предмет. Косут успешно объединил фотографию, объект и идею, создав произведение искусства, которое было концептуальным по своей природе, поскольку заставляло зрителей задаваться вопросом о том, что такое «стул».

Центральная идея работы Косута заключается в том, что зрителям задается вопрос, из каких понятий состоит реальный стул. Физический стул можно рассматривать как репродукцию определения, а фотографию — как репродукцию реального стула. Таким образом, зрители оставались в недоумении, была ли комбинация всех трех элементов неотъемлемой частью в определении того, что такое стул, или же акцент стула должен был делаться исключительно на одном элементе.

Работы «Один и три стула» отвергали иерархическое различие между объектом и его изображением, поскольку подразумевали, что концептуальное произведение искусства может состоять либо из физического объекта, либо из его изображения в нескольких формах. Работы Косута были концептуальными в своем создании, поскольку он основывал их на своем врожденном исследовании природы искусства, которое рассматривало все последствия и аспекты, вовлеченные в создание произведения искусства.

Определение концептуального искусства

Название (Искусство как идея как идея) Слово «Определение» (1966-1968), Джозеф Косут; Маурицио Пеше из Милана, Италия, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons

Наследие концептуального искусства

Несмотря на интенсивный самоанализ движения, концептуальное искусство затрагивало такие важные вопросы, как время, пространство, идентичность и авторство в искусстве. Право собственности было, пожалуй, самой важной темой, рассматриваемой художниками концептуального искусства, поскольку они поднимали вопросы о том, как концепции, окружающие искусство, могут быть куплены и принадлежать тем, кто рассматривает работу.

Темы, которые исследовались в концептуальном искусстве, были четко выражены в реальном мире, поскольку они существовали как концепции, на которые действительно не было правильного ответа. Рассматривая таких художников, как Сол ЛеВитт, и его работы, зрителям оставалось только размышлять над вопросом: Что такое концептуальное искусство?

ЛеВитт ответил на него, продемонстрировав, что искусство не обязательно должно быть физически создано художником, чтобы рассматриваться в том же свете, что и традиционные произведения, поскольку право собственности на искусство полностью изменилось. По мере развития движения, оно нашло свое отражение в различных других направлениях искусства, таких как феминистское искусство и перформанс. Таким образом, трудно точно определить, когда концептуальное искусство действительно закончилось, поскольку другие движения продолжают заимствовать некоторые основные постулаты, связанные с концептуализмом, и сегодня.

Определение концептуального искусства — сложный процесс, так как существует множество его разновидностей. Из-за своей склонности рассматривать все искусство как концептуальное, движение концептуалистского искусства часто описывается как включающее практики и идеи, которые изначально не были связаны с концептуализмом. Таким образом, грань между концептуальным искусством и другими художественными движениями расплывчата. Несмотря на то, что художественное движение возникло в 1960-х годах, многие художники продолжают использовать концептуальное искусство и сегодня.

Читать далее

Концептуализм — это увлекательное движение, о котором можно узнать, поскольку разные художники давали различные понимания и определения этому движению. Если вам понравилось читать о концептуальном искусстве и его самых влиятельных художниках, мы предлагаем вам книгу, которая более подробно расскажет о нем.

Концептуальное искусство

Lineage (2008-2019) Лучио Сальваторе, серия инсталляций, в которой фрагменты копий влиятельных произведений искусства написаны на мраморе; Luciosalvatore, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Концептуальное искусство (Движения в современном искусстве)

Если вы хотите узнать больше о концептуальном искусстве, то книга Пола Вуда просто необходима для этого. Несмотря на академический тон, эта книга написана для тех, кто хочет подробно прочитать об этом движении и понять, как и почему выставки современного искусства стали включать в свои экспозиции все — от мусора до писсуаров. Книга написана связно, хотя иногда в ней встречается сложный жаргон, и дает исчерпывающее представление о важных фигурах движения концептуального искусства.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector