Абстрактное искусство, зародившееся в конце 19 века, было невероятно многогранным периодом искусства, состоящим из множества жанров. Некоторые из них включают абстрактный экспрессионизм, лирическую абстракцию, живопись цветового поля, пост-живописную абстракцию и минимализм. Абстрактное искусство возникло благодаря желанию художников создавать произведения искусства, которые были бы полностью независимы от визуальных референсов, встречающихся в реальной жизни, и не ограничивались бы ими. Таким образом, произведения искусства воплощали многочисленные изменения, которые происходили в обществе, технологии и науке в то время.
Оглавление
Введение в абстрактную живопись
Абстракция в искусстве, рассматриваемая как направление нерепрезентативного искусства, получила огромное развитие на протяжении многих лет, и многие художники решили экспериментировать в этом жанре. Считается, что абстрактное искусство возникло в конце 19-го — начале 20-го века, оно противостояло традиционному изобразительному искусству, поскольку стремилось не иметь никакого сходства с чем-либо отдаленно различимым в мире природы.
Абстрактное искусство возникло, когда художники попытались создать произведения, совершенно не связанные с какими-либо ощутимыми ориентирами, вплоть до того, что произведения стали полностью оторваны от реальности. Большинство художников в начале 20 века искали новые способы создания произведений искусства, а абстрактное искусство существовало как средство, вызывающее представление о полной абстракции от чего-то реального.
Это произошло потому, что реальность в то время, со всеми ее многочисленными изменениями, считалась невероятно ограничивающей, и художники чувствовали необходимость вырваться из ее ограничений.
Абстракция прочно утвердилась в качестве основной силы в мире искусства, когда общество начало переживать депрессию, нехватку продовольствия и войну. Художники начали изображать эти концепции того, что виделось в обществе, через нереалистичные и символические произведения искусства, которые демонстрировали большой отход от традиционного и репрезентативного художественного творчества. Развитие абстрактного искусства дало художникам автономию, необходимую для создания бесконечных границ, чтобы собрать вместе свои теоретические композиции и обозначить их как «искусство».
Пейзаж с дождем (1911), Василий Кандинский; Василий Кандинский, CC0, via Wikimedia Commons
Эта свобода в искусстве характеризовалась безудержным использованием цвета, форм, форм и жестикуляционных знаков, которые сочетались для достижения необычной эстетики, что приводило к интенсивным эмоциональным реакциям зрителей. В результате эти произведения искусства становились в значительной степени абстрактными, и считалось, что этот стиль отражает мысли и эмоции художника при создании произведения. Поэтому считалось, что абстрактное искусство вызывает сильные эмоции и связь со зрителями через изображенные образы.
Таким образом, созданные произведения искусства стали ответом на фундаментальные изменения, происходящие в технологической, научной и философской сферах западноевропейского мира, а абстрактное искусство стало основным поворотным пунктом в художественном обществе.
В связи с этим не существовало правильного или неправильного пути в интерпретации абстрактного искусства и его значения, поскольку движение воплощало идею о том, что любое изображение может быть классифицировано как искусство.
Одним из самых знаковых художников-абстракционистов всех времен был Василий Кандинский, который, как говорят, написал первое и самое знаковое произведение абстрактного искусства. С момента создания работ Кандинского движение абстрактного искусства оказалось чрезвычайно многогранной областью, способствующей исследованию и развитию новых стилей и техник, которые впоследствии повлияли на возникновение других современных направлений искусства.
Десять самых известных произведений абстрактного искусства
В начале 20 века было создано множество известных произведений абстрактного искусства, о большинстве из которых говорят и сегодня. При рассмотрении этих образцов абстрактного искусства некоторые работы сумели выделиться и завоевать все большую популярность с течением времени. Хотя существует множество других произведений искусства, которые можно включить в список самых известных абстрактных картин всех времен, мы выбрали десять лучших абстрактных картин, о которых мы расскажем ниже.
Василий Кандинский: Без названия (первая абстрактная акварель) (1910)
Считающийся пионером абстрактного искусства, русский художник Василий Кандинский был легко признан самым знаковым представителем всего движения. Прозванный «отцом абстрактного искусства», Кандинский написал одни из самых ранних работ в этом жанре, включая, как говорят, первое настоящее произведение периода абстрактного искусства. Это произведение, написанное им в 1910 году, — «Без названия (первая абстрактная акварель)».
| Художник | Василий Кандинский (1866 — 1944) |
| Дата написания | 1910 |
| Средство | Акварель, индийские чернила и карандаш на бумаге |
| Размеры | 49,6 см x 64,8 см (19,5 дюйма x 25,5 дюйма) |
| Где в настоящее время находится | Центр Жоржа Помпиду, Париж |
Кандинский выразил желание уйти от ограничений, связанных с включением предмета в произведения искусства, и «Без названия» демонстрирует элементы и техники, уникальные для нового жанра абстрактного искусства. Характеризуясь яркими цветами и жестикуляционными мазками, Кандинский отдавал приоритет выражению сильных эмоций, а не точному отображению реальности в своих картинах.
Работая с акварелью, Кандинский смог завершить эту картину всего за три дня. Однако, несмотря на спешку, Кандинский сделал различные этюды для этого произведения искусства, прежде чем приступить к окончательной композиции. Что добавило скорости, которую можно интерпретировать в картине «Без названия», так это выбор цвета, поскольку Кандинский искусно подобрал цвета, которые, как он знал, точно отображали его эмоции в то время. Нарисованные линии и формы также добавляют и подчеркивают хаос и срочность, которые ощущаются при просмотре этой картины.
Без названия (Первая абстрактная акварель) (1913), Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Абстракция также четко проявляется в этом произведении искусства благодаря свободным и расплывчатым линиям, которые вызвали значительный интерес со стороны художественной общественности того времени. Картина «Без названия» является важным зачинателем движения абстрактного искусства, так как в ней впервые в то время все отдаленно отстраненное и необузданное было принято в качестве подходящей темы для произведений искусства. Картина «Без названия» стала определяющим моментом в европейском искусстве и ознаменовала собой отход от традиционных произведений искусства в сторону более абстрактных и раскованных произведений.
Период между 1910 и 1914 годами считается пиком карьеры Кандинского и вершиной его величайших художественных достижений. Так, картина «Без названия» стала одним из первых произведений, в котором были отброшены все ссылки на узнаваемые формы, и он вышел из ограничений, налагаемых репрезентативными условностями западноевропейской живописи.
Это понятие полной свободы в дальнейшем стало характерным для большинства работ, созданных Кандинским в этот период.
Пит Мондриан: Tableau I (1921)
Знаменитый голландский художник Пит Мондриан был еще одной важной фигурой в движении абстрактного искусства, поскольку он создал некоторые из самых знаковых известных произведений абстрактного искусства в этом жанре. Известный своим участием как в абстрактном движении, так и в движении De Stijl, художественный стиль Мондриана значительно эволюционировал, пока в конечном итоге не был сведен к основным и несложным геометрическим элементам. Его картина 1921 года под названием Tableau I хорошо демонстрирует стиль Мондриана и является одной из его самых известных абстрактных картин.
| Художник | Пит Мондриан (1872 — 1944) |
| Дата написания | 1921 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 103 см x 100 см (40,5 дюйма x 39,3 дюйма) |
| Где в настоящее время находится | Кунстмузеум Ден Хааг, Нидерланды |
Создав картину, в которой панели с краской разделены сплошными черными линиями, Мондриан сумел укрепить свой известный стиль в рамках абстрактного искусства. Этот полированный и гармоничный баланс, созданный благодаря математической точности композиций, характеризует большинство работ Мондриана в этот период, поскольку он полагался на твердые и геометрические формы, чтобы занять место узнаваемых фигур.
Кроме того, Мондриан использовал сплошные блоки цвета и линии, чтобы подчеркнуть, что в его работах нет ни одной четкой ссылки на что-либо. Использование линий и цвета в Tableau I способствовало резкому разделению, которое Мондриан пытался создать между зрителями и их сознанием при взгляде на это абстрактное произведение искусства.
Это было сделано, чтобы подчеркнуть, что логический смысл не всегда сопровождает произведения искусства, поскольку некоторые работы могут быть поняты и приняты как простые блоки цвета, линии и формы.
Tableau I (1921), Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons
Как видно из Tableau I и других работ этого периода, Мондриан использовал только основные цвета. Его упрощенная цветовая палитра демонстрировала его утопическую теорию о том, что Вселенная — это просто органическая и сбалансированная коллекция объектов и веществ, которые можно легко объединить в геометрические формы и линии.
Используя только основные цвета, Мондриан ссылался на строительные блоки всех цветов и смог легко создать ощущение композиционной гармонии в своих абстрактных работах, что демонстрируется в Tableau I . Мондриан достиг почти идеального баланса цвета в Tableau I, и это абстрактное произведение искусства оказало влияние на множество других художников, архитекторов и модельеров в рамках поп-арта и современного искусства.
Пауль Клее: Сенецио (1922)
Другим выдающимся художником эпохи абстрактного искусства был немецкий художник Пауль Клее, чьи картины являются одними из лучших образцов абстрактного искусства в истории. Клее был также известен своим участием в экспрессионизме, кубизме и сюрреализме, а его великолепные исследования теории цвета выделяются в большинстве его работ. Его самое известное произведение абстрактного искусства, написанное в 1922 году, называется «Сенецио».
| Художник | Пауль Клее (1879 — 1940) |
| Дата написания | 1922 |
| Средство | Масло на холсте, закрепленном на панели |
| Размеры | 40,5 см x 38 см (15,9 дюйма x 15 дюймов) |
| Где в настоящее время находится | Кунстмузеум Базеля, Швейцария |
На картине «Сенецио», также известной как «Голова стареющего человека», Клее изобразил то, что кажется человеческой головой, разделенной на различные прямоугольники оранжевого, желтого, красного и белого цветов. Считается, что различные цветовые квадраты напоминают маску или повязку, традиционно надеваемую арлекином, что также подразумевается ссылкой на художника-исполнителя Сенецио в названии работы.
Из-за абстракции, созданной различными квадратами, «Сенецио» поначалу не кажется изображением лица. Однако при взгляде на треугольник и изогнутую линию над обоими глазами создается впечатление, что брови приподняты, и зрители могут разглядеть лицо в блоках. Геометрическая точность в этой работе демонстрирует сильное влияние кубизма, и это произведение считается частью как кубизма, так и абстрактного искусства.
Сенецио (голова человека) (1922), Пауль Клее; Пауль Клее, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Используя простые цвета и неоднозначные формы, Клее смог манипулировать графическими элементами до такой степени, что они смогли сформироваться в несколько узнаваемую глазом зрителя фигуру. Senecio также демонстрирует чувство юмора и интерес Клее к африканской культуре, поскольку лицо напоминает маску.
Сочетание цветов, форм и иллюзий в Senecio демонстрирует переменчивые отношения, существовавшие в мире искусства в то время, поскольку лицо, изображенное Клее, имело способность легко переходить в другую форму, если зрители понимали его по-другому. В дополнение к этому теоретическому понятию, Senecio высмеивает картины, созданные детьми, поскольку использование расплывчатых форм и минимальных деталей лица, как в детских работах, все же позволяет передать фигуру, которую задумал Клее.
Жоан Миро: картина (Etoile Bleue) (1927)
Испанский художник Жоан Миро, практиковавший в основном в рамках движений дада, экспериментального и сюрреалистического, также создал много известных абстрактных картин в течение своей карьеры. Несмотря на более тесную связь с сюрреализмом, Миро написал несколько выдающихся работ, которые считаются предшественниками развития абстрактного искусства. Одной из таких работ, написанных в 1927 году, была его картина Peinture (Etoile Bleue).
| Художник | Жоан Миро (1893 — 1983) |
| Дата написания | 1927 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 115,5 см x 89 см (45 5/8 дюйма x 35 дюймов) |
| Где в настоящее время находится | Частная коллекция |
Эта работа интересна тем, что она запечатлела переход Миро от фигуративного к абстрактному искусству. В этой картине сначала трудно понять, что является предметом изображения. Однако, посмотрев на нее несколько минут, большинство зрителей заметят, что они все еще не совсем понимают, что именно Миро пытается изобразить.
На палящем синем фоне тонкие черные линии, которые кажутся каракулями, становятся более четкими, а также два пятна ярко-синего и красного цвета. В середине картины, между извилистыми черными линиями, видна проплешина розового цвета. Несмотря на это пересечение линий и цветовых пятен, не удается сформировать никаких конкретных образов или представимых фигур, что демонстрирует истинную абстракцию, присутствующую в этом произведении искусства.
Портрет Жоана Миро в 1935 году; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В картине Peinture (Etoile Bleue) Миро удалось создать необыкновенный образ визуальной силы, и это произведение приобрело ощущение сновидения. Миро назвал интенсивность синего цвета в этой картине «цветом [его] снов», что еще больше демонстрирует фантасмагорическое и сюрреалистическое чувство, которое можно ощутить при просмотре этого произведения искусства.
Миро утверждал, что когда он пишет картины, он просто рисует образы, которые видит в своей голове.
Это утверждение подчеркивало тот факт, что в его картинах не всегда можно было найти визуально узнаваемые ориентиры, поскольку изображаемые им предметы были взяты из его собственного сознания. Как художник-сюрреалист, Миро часто писал картины во время галлюцинаций и под воздействием наркотиков. Картина Peinture (Etoile Bleue), хотя и является известным произведением абстрактного искусства сама по себе, была продуктом иррационального подхода Миро к созданию искусства.
Цвета, использованные в работах Миро, в частности, яркий синий, оказали влияние на других художников-абстракционистов, таких как Марк Ротко и Ив Кляйн. В дополнение к своему огромному влиянию, картина Миро «Peinture (Etoile Bleue)» стала самой дорогой из когда-либо проданных картин художника, за которую в 2012 году было выручено 23,5 миллиона фунтов стерлингов.
Пабло Пикассо: Обнаженная, зеленые листья и бюст (1932)
Одним из самых знаковых художников в истории искусства является испанский художник Пабло Пикассо. На протяжении всей своей долгой карьеры Пикассо экспериментировал преимущественно в рамках движений кубизма и сюрреализма. Кроме того, он создал несколько работ, которые также считаются частью периода абстрактного искусства. Из всех созданных им работ одной из лучших картин в стиле абстрактного искусства считается «Обнаженная, зеленые листья и бюст», написанная в 1932 году.
| Художник | Пабло Пикассо (1881 — 1973) |
| Дата написания | 1932 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 162 см x 130 см (64 дюйма x 51 дюйм) |
| Где в настоящее время находится | В настоящее время находится в долгосрочной аренде в Тейт Модерн, Англия |
На картине «Обнаженная, зеленые листья и бюст» Пикассо изобразил свою тогдашнюю любовницу, Мари-Терез Вальтер. Пикассо считал Вальтер своей музой, и этот портрет был посвящен ей и тому огромному влиянию, которое она на него оказала. Эта абстрактная работа высотой более метра изображает Уолтерс в виде слегка упрощенной и абстрактной фигуры, лежащей перед ярким синим занавесом. Ее окружают, казалось бы, случайные предметы, включая растение, бюст, стоящий на постаменте, и какие-то фрукты.
Этот потрясающий шедевр олицетворяет чувственные отношения, которые были у Пикассо с Уолтерс. В течение многих лет он держал их отношения в секрете от своей жены, и эта атмосфера тайны и уединения подразумевается абстрактной фигурой на картине и включением занавеса. Изображая Уолтерс таким образом, Пикассо смог еще больше скрыть ее личность, а также создать форму, которая изначально была запутанной для зрителей, чтобы придать ей логический смысл.
Картина «Обнаженная, зеленые листья и бюст» является ярким примером абстрактного искусства, поскольку приемы и элементы, использованные Пикассо, свидетельствуют о том, что она несколько оторвана от реальности. Это подчеркивается путаницей вокруг изображенных предметов, а также сокрытием лица фигуры.
На заднем плане используются основные цвета, что иллюстрирует композиционную гармонию, которая была создана благодаря использованию этих цветов, отсылая к технике, прославленной художником Питом Мондрианом.
Таким образом, «Обнаженная, зеленые листья и бюст» является важным произведением абстрактного искусства, поскольку Пикассо удалось органично включить элементы других стилей в эту уникальную картину. Картина также побила мировой рекорд самой дорогой картины, когда-либо проданной в то время: в 2010 году она была продана на аукционе за 106,5 миллиона долларов. Сегодня «Обнаженная, зеленые листья и бюст» удерживает третий по величине ценник среди произведений искусства, когда-либо продававшихся на аукционе.
Портретная фотография Пабло Пикассо перед его картиной «Поклонник» (Кунстмузеум Базель) на вилле ле Клошетт, Сорг, Франция, лето 1912 года; анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Бен Николсон: 1934 (рельеф) (1934)
Другим выдающимся художником периода абстрактного искусства был британский художник Бен Николсон. Работая исключительно в абстрактных композициях, пейзажах и натюрмортах, работы Николсона, как говорят, составляют несколько выдающихся примеров абстрактного искусства. Одним из произведений Николсона, созданных в 1934 году, является его работа «1934 (рельеф)».
| Художник | Бен Николсон (1894 — 1982) |
| Дата написания | 1934 |
| Средство | Масляная краска на красном дереве |
| Размеры | 71,8 см x 96,5 см |
| Где в настоящее время находится | Тейт Модерн, Англия |
Вдохновленный движениями постимпрессионистов и кубистов, Николсон был заинтригован тем, как картины могут представлять пространство. Он начал отходить от своего традиционно фигуративного стиля, чтобы начать экспериментировать и создавать то, что он считал абстрактными рельефами. В этих абстрактных и геометрически скульптурных работах Николсон вручную изготавливал каждую деталь, а затем окрашивал их в белый цвет.
В работе «1934 (рельеф)» на Николсона оказали большое влияние работы Пита Мондриана после знакомства с ним, а также его коллег-художников Жоана Миро и Александра Колдера. В этом абстрактном произведении искусства Николсон продемонстрировал свое избегание цвета, так как предпочел писать чисто белым цветом. Созданная в годы, предшествовавшие началу Второй мировой войны, работа «1934 (рельеф)» стала тонким исследованием бурного периода, пережитого между обеими войнами, с помощью абстракции и отсутствия цвета.
Скульптура Бена Николсона «1934 (рельеф)», выполненная масляной краской на дереве, 1934 год, Тейт Модерн; скульптор: en:Ben Nicholson (d 1982); фото: Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons
Вырезав из деревянной доски круг и квадрат, Николсон продемонстрировал идею «нехватки» в обществе того времени. В картине «1934 (рельеф)» все эмоции сняты благодаря включению геометрических форм, размерному наслоению и монохроматической цветовой палитре.
Эта работа утвердила Николсона как одну из самых важных фигур в английском абстракционизме того времени, поскольку он продолжил создавать серию абстрактных белых скульптурных рельефов в этом уникальном стиле.
Джексон Поллок: Конвергенция (1952)
Художником, который в первую очередь ассоциировался с движением абстрактного экспрессионизма, был американский художник Джексон Поллок. Считаясь одной из главных фигур этого движения, Поллок создал множество знаменитых произведений абстрактного искусства на протяжении всей своей карьеры, ведь, по слухам, при жизни он создал впечатляющие 363 картины. Одной из его лучших абстрактных картин, созданных в 1952 году, является работа «Конвергенция».
| Художник | Джексон Поллок (1912 — 1956) |
| Дата написания | 1952 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 237 см x 390 см (93,5 дюйма x 155 дюймов) |
| Где в настоящее время находится | Художественная галерея Олбрайт-Кнокс, Нью-Йорк |
Помимо того, что «Конвергенция» является одним из самых ранних произведений абстрактного искусства, она также считается самой восхитительной и смелой работой Поллока. Известный своей печально известной техникой капельной живописи, Поллок продемонстрировал этот стиль в «Сближении», поскольку картина представляет собой коллаж, состоящий из разбрызганных красок, которые словно складываются в искусно выполненные формы и линии. Эти элементы способны вызывать у зрителей довольно сильные эмоции и одновременно атаковать глаз, поскольку огромные размеры картины «Сближение» не могут не впечатлять.
В рамках «Сближения» на поверхности работ Поллока можно увидеть маленькие кусочки жизни. Он включил в картину такие предметы, как гвозди и монеты, а также маленькую спичку, которую можно увидеть в центре произведения. Первоначально Поллок создавал эту картину с монохроматической цветовой палитрой, но был недоволен результатом и решил добавить кусочки цвета, чтобы спасти абстрактное произведение искусства. Хотя критики, возможно, сначала спорили о том, удалось ли добавление цвета спасти картину, сегодня «Конвергенция» является одной из самых известных работ Поллока.
Являясь олицетворением свободы слова и свободы самовыражения, смелость «Конвергенции» почти осмеливает зрителей не соглашаться с ее посланием. Convergence удалось выразить мнение об угрозе коммунизма и холодной войны в России через уникальный стиль, который был использован.
Таким образом, эта картина считается важной и новаторской в истории, поскольку послание, вложенное в произведение Поллока, описывает все, за что выступала Америка в то время.
Из-за своего колоссального размера «Конвергенцию» лучше всего оценить лично. Из-за своей популярности компания по производству пазлов выпустила в 1964 году пазл «Конвергенция» из 340 деталей и рекламировала его как «самый сложный пазл в мире» на тот момент. Благодаря такому маркетингу, бесчисленное количество американцев отправилось покупать головоломку, что еще больше укрепило известность Поллока в мире искусства, а также влияние «Конвергенции» на общество.
Портрет Джексона Поллока в 1928 году; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хелен Франкенталер: Горы и море (1952)
Важной женщиной-художницей в рамках движения абстрактного искусства была американская художница Хелен Франкенталер, которая была одной из единственных художниц, охвативших несколько поколений всех абстрактных художников. Ее картины абстрактного искусства постоянно менялись, что свидетельствовало о развитии ее стиля в этот период. Одной из самых известных ее работ, написанных в 1952 году, когда ей было всего 23 года, была картина «Горы и море».
| Художник | Хелен Франкенталер (1928 — 2011) |
| Дата написания | 1952 |
| Средство | Масло и уголь на холсте |
| Размеры | 220 см x 297,8 см (87 дюймов x 117,2 дюйма) |
| Где в настоящее время находится | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия. |
В этих работах Франкенталер прославилась своей уникальной техникой пропитывания красок, в которой она разбавляла масляные краски скипидаром или керосином, прежде чем использовать их для окрашивания негрунтованного холста. В результате краска впитывалась в неподготовленный холст, что придавало ее работам ощущение постоянного движения. После просмотра в 1951 году монохроматических капельных работ Джексона Поллока, Франкенталер вдохновилась на создание своей собственной отличительной техники в создаваемых ею работах, что привело к развитию техники пропитывания.
После поездки в Новую Шотландию Франкенталер вдохновилась увиденными пейзажами, чтобы впервые опробовать свою новую технику. Картина «Горы и море» продемонстрировала почти полупрозрачное изображение абстрактных форм, которые, как считается, представляют собой горы, что придало ее работам неуловимую ауру. Благодаря использованию техники «мокрого пятна» картины Франкенталер приобрели органические конфигурации, которые подразумевали большое спокойствие, а светлая и пастельная цветовая палитра усиливала небесную и мимолетную природу ее работ.
Картина «Горы и море», созданная в результате применения техники Франкенталер, считается одной из первых успешных картин с цветовым полем в рамках абстрактного экспрессионизма и остается одним из самых привлекательных образов этого движения и сегодня. Знаменитые работы Франкенталер в жанре абстрактного искусства оказали влияние на многих художников, экспериментирующих в этом жанре, поскольку ее легкая и текучая техника позволила освободиться от популярной техники импасто, которая доминировала в живописи того времени.
Картина «Горы и море» стала первым профессионально выставленным произведением Франкенталер в жанре абстрактного искусства. Кроме того, это произведение является одной из самых больших ее картин. Несмотря на свои огромные размеры, «Горы и море» смогли передать тихую интимность, которую Франкенталер испытала во время пребывания в Новой Шотландии, а мягкие цвета — розовый, голубой и зеленый — придают светящееся, но прозрачное качество изображенным ею водным фигурам и формам.
Ее размер в сочетании с используемыми цветами позволил ее изображениям, по сути, сплыть с холста.
Марк Ротко: № 2, зеленый, красный и синий (1953)
Важным пионером живописи цветовых полей в жанре абстрактного искусства был русско-американский художник Марк Ротко. Известный ярким использованием цвета в своих работах, Ротко является ярким примером абстрактного искусства, поскольку в большинстве его картин отсутствует предмет. Одной из его выдающихся картин, написанных в 1953 году, является картина Ротко № 2 «Зеленый, красный и синий».
| Художник | Марк Ротко (1903 — 1970) |
| Дата написания | 1953 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 205,7 см x 170,5 см (81 дюйм x 67,1 дюйм) |
| Где в настоящее время находится | Частная коллекция |
Цвета, использованные в картине № 2, зеленый, красный и синий, демонстрируют увлечение Ротко созданием промытых холстов, состоящих всего из трех цветов, что в дальнейшем стало его фирменным стилем. Как показано в этом произведении, так и в других известных абстрактных картинах Ротко, он полагался на создание решеток, в которых квадратно размещались блоки сплошного цвета, часто контрастирующие друг с другом.
Марк Ротко, Йорктаун Хайтс, ок. 1949 г.; Консуэло Канага, без ограничений, через Wikimedia Commons
В картине № 2 «Зеленый, красный и синий» выражение цвета является главной темой. Ротко выбрал цвета, которые точно отражали его эмоциональное состояние в то время: яркие оттенки красного, зеленого и синего изображали светлую энергию. Однако по мере развития его карьеры психическое здоровье Ротко, как говорят, резко ухудшилось, что привело к использованию в его картинах более мрачных тонов, таких как черный, серый и голубой. Картина № 2 «Зеленый, красный и синий» стала переходом между светлой и темной фазами его творчества.
Благодаря тщательному использованию цвета, Ротко смог вызвать сильные эмоции в своих картинах абстрактного искусства.
В этой работе красная полоса в центре картины сильно контрастирует с синим блоком, дополняя при этом зеленую часть работы. Ротко считал, что использование цвета способно затронуть основные человеческие эмоции и тем самым вызвать у зрителей множество различных смыслов при рассмотрении его работ. Считалось, что светлые тона в работах № 2, зеленый, красный и синий означают более спокойное время в его жизни.
Роберт Мазервелл: Элегия испанской республике № 110 (1971)
Последний художник в нашем списке — американский художник Роберт Мазервелл, который был хорошо известен в рамках движения абстрактных экспрессионистов. Мазервелл считался самым артикулированным художником в этом движении, поскольку его абстрактные работы затрагивали многие актуальные вопросы, касающиеся политики, философии и литературных тем. Одна из его знаменитых абстрактных работ, написанная в 1971 году, называлась «Элегия испанской республике» № 110.
| Художник | Роберт Мазервелл (1915 — 1991) |
| Дата написания | 1971 |
| Средство | Акрил с графитом и углем на холсте |
| Размеры | 208,3 см x 289,6 см (82 дюйма x 114 дюймов) |
| Где в настоящее время находится | Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк |
В этой работе Мазервелл, как говорят, встряхнул мир абстракции, поскольку его живопись включала очень примитивные и грубые жесты, которые одновременно передавали чувства силы, энергии и тревоги. Суровое использование черного и белого в этой картине подразумевает глубокое понимание жизни и смерти, что добавляет стоический тип силы этому произведению искусства.
Темой, на которой, как считается, основана эта картина, была Гражданская война в Испании, разразившаяся в 1936 году.
Хотя Мазервеллу в то время был всего 21 год, зверства, свидетелем которых он стал, сильно повлияли на него в последующие годы. Исходя из этого, интенсивность его картины вызывает глубокие и тяжелые эмоции при просмотре произведения. Помимо этой картины, Мазервелл создал серию из более чем 200 других картин, посвященных гражданской войне в Испании.
Чувство чистой свободы в этом произведении добавило уровень абстракции, который Мазервелл использовал в своих работах. В «Элегии испанской республике» № 110 эта абстракция служит мемориализацией человеческих страданий и неумолимого круга жизни и смерти.
Яростная энергия «Элегии испанской республике № 110» полностью окружает зрителя, когда он смотрит на это произведение, поскольку жестикуляционные и первобытные мазки кисти, кажется, вырываются прямо из холста. В работах Мазервелла присутствует странное чувство тревоги, которое дополняет поразительную жизненную силу, присутствующую в картине. В то время, когда абстракция казалась угасающей, Мазервелл привнес в этот стиль новую энергичную жизненную силу, которая и по сей день вдохновляет художников-абстракционистов.
Выносливые растения (1934), Пауль Клее, масло на целлюлозном картоне; Пауль Клее, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Абстрактное искусство оказало мощное влияние на направление художественного творчества. Некоторые из самых известных в мире произведений абстрактного искусства были созданы в этот период и до сих пор высоко почитаются. Хотя мы привели здесь только десять лучших образцов абстрактного искусства, мы рекомендуем вам продолжить знакомство с этим жанром, если вам понравилось узнавать об этих уникальных и исключительных произведениях искусства.
