Автопортрет оставался неизменным на протяжении всей истории искусства и стал основным обычаем для многих художников. Эти произведения искусства, восходящие к античности, стали популярным средством, с помощью которого художники могли изображать себя в эпоху Раннего Возрождения в середине 15 века. Благодаря этому техника самоизображения смогла перешагнуть через все актуальные направления искусства и встречается до сих пор. Выдающиеся художники на протяжении всей истории создавали одни из самых известных автопортретов, и эти работы доказывают жизнестойкость искусства автопортрета.
Оглавление
Двадцать самых известных автопортретов в истории искусства
Идея представления себя через изобразительное искусство заключает в себе привлекательность автопортретов. Некоторые художники находят огромное удовольствие в том, что могут точно запечатлеть свое постоянно меняющееся «я». Ниже представлены 20 самых известных художников-автопортретистов в истории, а также пояснения к их знаменитым портретам.
Ян ван Эйк (1390-1441)
Один из самых известных портретов Северного Возрождения, Ян ван Эйк создал «Портрет мужчины в красном тюрбане» в 1433 году. Несмотря на то, что личность человека, изображенного на картине, окончательно не установлена, можно предположить, что этот автопортрет действительно принадлежал художнику. Сегодня это произведение искусства принадлежит лондонской Национальной галерее.
Портрет мужчины в красном тюрбане (1433) Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Надпись в верхней части рамы, которая гласит «Als Ich Can» и переводится как «как я/Эйк могу», кажется, существует как веское доказательство идентичности ван Эйка на картине. Зеркальная полировка, которую приобретает краска, является типичной отличительной чертой живописи, связанной с ван Эйком, поскольку использование тонких слоев прозрачных цветовых пигментов помогает создать этот гладкий результат. Благодаря такому стилю живописи портрет ван Эйка приобретает невероятно реалистичное качество, так как даже капилляры в левом глазу хорошо видны.
Еще один знаменитый автопортрет, в котором ван Эйк вставляет себя в портрет другого человека, — это «Свадьба Арнольфини», написанная в 1434 году. Этот двойной портрет остается одним из самых сложных портретов в истории западного искусства благодаря зеркалам и символам, которые ван Эйк использовал для создания этого портрета. Если внимательно посмотреть на зеркало в центре изображения, то можно увидеть предмет, а также человека, который, как считается, является ван Эйком, занятым его рисованием. Над зеркалом подпись на латыни переводится как «Здесь был Ян ван Эйк», что подтверждает мысль о том, что ван Эйк присутствовал и в этой работе.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
Одно из самых ранних изображений автопортрета художника принадлежит не кому иному, как Леонардо да Винчи. Однако этот портрет интересен тем, что нет уверенности в том, что изображенный на нем человек — сам да Винчи. Датируемый приблизительно 1510 годом, «Портрет человека, написанный красным мелом», предположительно является одним из немногих найденных автопортретов художника, хотя это мнение не всегда имеет всеобщее признание. В настоящее время это знаковое произведение постоянно хранится в Королевской библиотеке Турина в Италии.
Портрет человека в красном мелу (ок. 1510) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Предполагаемый автопортрет да Винчи остается уникальным, поскольку он был нарисован красным мелом на бумаге, а не написан красками. Бесчисленные репродукции этого портрета были сделаны на протяжении веков, поскольку он является культовым изображением да Винчи как «человека эпохи Возрождения».
Считается, что автопортрет был завершен почти в 60 лет, а изображенный на нем пожилой джентльмен точно отражает возраст, в котором он находился на момент создания картины.
Утверждается, что это произведение искусства является настоящим автопортретом да Винчи, поскольку стиль и качество рисунка соответствуют другим его работам. Несмотря на это, различные историки расходятся во мнениях относительно личности человека на портрете, что означает, что мы, возможно, никогда не узнаем правду.
Альбрехт Дюрер (1471-1528)
В возрасте всего 13 лет немецкий художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер нарисовал свой первый автопортрет. По мере взросления и роста художественных талантов Дюрер нарисовал и выгравировал еще несколько автопортретов, и каждая работа демонстрировала его растущую уверенность в себе. Из всех его картин «Автопортрет Христа» считается его самым интимным и сложным автопортретом. Сегодня эта картина является частью коллекции Альте Пинакотеки.
В своих ранних автопортретах Дюрер писал с видом в три четверти, но в «Автопортрете» он смотрит прямо на зрителя. Это было довольно спорно, так как в то время прямая поза обычно использовалась для изображения Христа. Дюрер изображен позирующим на черном фоне, его рука слегка касается меха воротника его шубы. И снова это вызвало немало споров, поскольку этот жест, как известно, имитировал благословение Христа и поэтому был весьма религиозным.
Автопортрет (1500) Альбрехта Дюрера; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Созданная композиция невероятно симметрична и сразу привлекает внимание к глазам Дюрера, которые непоколебимо смотрят на зрителя. Его инициалы и латинская надпись, написанные на уровне глаз по обе стороны от головы, усиливают симметрию и баланс, присутствующие в работе.
Автопортрет» был последним из трех автопортретов, когда-либо написанных Дюрером, однако он является самым знаковым из его автопортретов. Поразительная параллель, которую он проводит между собой и святым Спасителем, является самым примечательным элементом картины, которая покорила зрителей тогда и продолжает покорять сегодня.
Рембрандт ван Рейн (1606-1669)
С автопортретами и изображениями, циркулирующими с конца 1620-х годов, Рембрандт ван Рейн создал около 100 своих изображений на протяжении большей части своей карьеры. В этих автопортретах ван Рейн запечатлел себя в самом начале своего творчества вплоть до самой смерти. Его портреты состоят примерно из 40 картин-автопортретов, 30 офортов и нескольких рисунков.
Его работа под названием «Автопортрет», написанная в 1660 году, считается наиболее точным изображением его стиля как художника, поскольку в ней проявилась его фирменная мрачная цветовая палитра и тонкие мазки кисти. Кроме того, в большинстве своих автопортретов ван Рейн обычно использовал один и тот же простой фон и всегда изображался с торса, как показано в «Автопортрете».
Автопортрет (1660) Рембрандт ван Рейн; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Благодаря огромному количеству автопортретов, его работы обычно демонстрировали различные изменения, через которые он прошел как художник, и показывали его увеличивающийся возраст. В его работах конца 1620-х годов ван Рейна можно узнать по фарфоровой коже и вьющимся волосам, которые, как правило, закрывали его лицо.
Можно сказать, что огромное количество автопортретов ван Рейна позволило зафиксировать его огромный прогресс как художника таким образом, который не был повторен с тех пор. Хотя у него много работ, «Автопортрет» прекрасно отразил его способность изображать себя и талант, который он проявил в этом жанре. Сейчас эта картина маслом является частью постоянной коллекции, хранящейся в музее Метрополитен.
Артемизия Джентилески (1593-1653)
Будучи одной из первых женщин, принятых во Флорентийскую академию дизайна, Артемизия Джентилески стала важной фигурой для женщин в области искусства в 17 веке. В это время изображения женщин-художников практически отсутствовали, что делает «Автопортрет как аллегория живописи» (1638-1639) Джентилески таким значительным.
Автопортрет как аллегория живописи (1638/39); Артемизия Джентилески, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Автопортрет как аллегория живописи» изображена Джентилески, рисующая саму себя, поскольку она, по сути, олицетворяет собой женщину и изображает себя как сильную женщину. Однако в тот период истории искусства проявление феминизма в картинах было невероятно смелым шагом, поскольку в мире искусства все еще доминировали мужчины.
В других своих работах Джентилески удалось передать образы сильных женщин, поскольку в эпоху барокко женщины в искусстве обычно изображались в грубом и непристойном свете. В возрасте 17 лет Джентилески была изнасилована учителем живописи в мастерской, в которой она училась, и отказалась молчать о своем травмирующем опыте. Ее яростный гнев, который она использовала для создания произведений искусства о сильных женщинах, можно увидеть на ее культовой картине 1620 года «Юдифь, убивающая Олоферна», на которой Джентилески изобразила себя в роли разъяренной Юдифи, обезглавливающей своего насильника Олоферна.
Диего Веласкес (1599-1660)
Написав один из самых анализируемых автопортретов в истории западного искусства, интересно отметить, что на культовом автопортрете Диего Веласкеса изображен не только он сам. Написанная в 1656 году и названная Las Meninas («Дамы в ожидании»), эта картина содержит множество деталей, на которые стоит обратить внимание. На картине изображен мадридский королевский двор, а в центре внимания находится пятилетняя Маргарита Тереза, поскольку именно ее портретом занят Веласкес. В «Лас Менинас» поднимаются вопросы о реальности и иллюзии, поскольку между зрителем и фигурами создаются неопределенные отношения.
Лас Менинас (1656), Диего Веласкес; Диего Веласкес, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Однако Веласкес включил себя в левый угол и изобразил стоящим перед мольбертом с палитрой и кистями. Идя вразрез с тем, что традиционно считалось автопортретом, этот портрет является известным примером художников, которые предпочитали включать себя в неожиданные композиции. Поступая таким образом, Веласкес тонко создает автопортрет среди хаоса других предметов. Картина «Менины» является частью постоянной коллекции Национального музея Прадо.
Луиза Элизабет Виже ле Брюн (1755-1842)
Лус Элизабет Виже Ле Брюн, считавшаяся самым стильным художником Франции времен революции, была ведущим портретистом, который славился тем, что изображал свои объекты в благоприятном и изящном стиле. Ле Брюн считалась одним из самых модных портретистов своего времени и была любимой художницей Марии Антионетт.
После стремительного взлета своей карьеры, изображая других, Ле Брюн выразила желание начать рисовать себя. Самый ранний ее автопортрет был написан около 1782 года и назывался «Автопортрет в соломенной шляпе». Это произведение демонстрирует отход Ле Брюн от стиля рококо к более простому и естественному образу, о чем свидетельствуют используемые цвета, ткани и оттенки кожи.
Автопортрет в соломенной шляпе (1782) Элизабет ле Брюн; Элизабет Луиза Виже ле Брюн, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ле Брюн стоит на открытом воздухе, смотрит на зрителей и общается с ними, а в руках держит инструменты для живописи. Изображенный солнечный свет помогает осветить ее шею и грудь, а соломенная шляпа отбрасывает легкую тень на лицо. Хотя ее прическа и наряд могут показаться простыми, одеяние Ле Брюна соответствовало французской высокой моде конца 18 века. Ее одежда в сочетании с простотой ее лица демонстрирует, что «Автопортрет в соломенной шляпе» затрагивает различные социальные проблемы, существовавшие в то время.
Другим известным автопортретом художницы является «Автопортрет» (1790), на котором она также изображает себя, держащей инструменты для живописи и стоящей перед холстом. Опять же, ее одежда подражает высокой моде, изображенной на ее предыдущем автопортрете, поскольку во время работы она одета в изысканное черное шелковое платье. В связи с престижем, полученным благодаря ее положению королевского портретиста, эта работа была нацелена на создание образа власти и статуса.
Гюстав Курбе (1819-1877)
Из всех своих работ Гюстав Курбе наиболее известен автопортретом 1845 года под названием Le Désespéré («Отчаявшийся человек»). Кроме того, это произведение искусства считается одним из самых известных автопортретов всех времен. Будучи пионером движения реализма, Курбе объединил элементы романтизма и реализма в своем культовом автопортрете. Сегодня это произведение искусства находится в частной коллекции.
Le Désespéré (1845), Гюстав Курбе; Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На своем автопортрете Курбе изобразил себя молодым человеком, переживающим несчастье. Центральное место на картине занимают его расширенные глаза, которые словно погружаются в зрителя. С его диким взглядом, руками, хватающими его неухоженные волосы, и развевающейся белой рубашкой и плащом, Курбе выглядит типичным художником-романтиком, отчаянно нуждающимся в признании. Он изображает себя в образе измученного гения, а беспокойство, которое можно увидеть в этом произведении, изображает молодого человека, все еще находящегося в процессе становления своей репутации. Таким образом, эмоции на его автопортрете можно рассматривать как буквальное отображение его жизненного опыта в то время.
Суровый реализм, представленный в «Дееспособном», помог Курбе утвердиться в качестве сторонника нового развивающегося искусства, которое пыталось отразить все классы жизни. В дополнение к реализму, еще один элемент, который делает этот автопортрет таким интересным, — это то, что он написан в пейзажной ориентации. В то время портреты были традиционно вертикальными, а работа Курбе идет вразрез с традициями.
Клод Моне (1840-1926)
Один из нескольких его автопортретов, «Автопортрет в берете», является одной из самых известных портретных картин Клода Моне. Написанная в 1886 году, когда Моне было 46 лет, композиция демонстрирует характерные для него туманные мазки, использование неокрашенного холста и идеальное отображение светлого и темного. Сегодня эта картина маслом находится в частной коллекции.
Автопортрет в берете (1886) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На автопортрете Моне изобразил себя в сером пальто поверх белой рубашки с черным беретом, стоящим на синем фоне. Его пальто и борода закрашены другими цветами и более мелкими мазками, чтобы изобразить их текстуру, что является прекрасной демонстрацией его размытых мазков. Его взгляд не совсем встречается с глазами зрителя, так как его лицо слегка отклонено от центра, а свет падает на левую сторону лица. Это демонстрирует передачу Моне светлого и темного, поскольку он тщательно изобразил место падения света, чтобы противопоставить его более темным теням.
Поль Сезанн (1839-1906)
Хотя Поль Сезанн известен в основном своими натюрмортами и пейзажами, он часто писал портреты. Он известен своими характерными повторяющимися и экспериментальными мазками, а также необычной цветовой палитрой, которую можно увидеть в широко известном «Автопортрете». Эта работа была написана в период с 1878 по 1880 год, и ее можно увидеть в коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия.
Автопортрет (1878-80) Поля Сезанна; Поль Сезанн, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мазки кисти Сезанна считаются очень характерными и могут быть сразу же идентифицированы в его работах. Как правило, он использовал мелкие мазки, которые выстраивались в единое целое, помогая сформировать различные сложные поля, которые он пытался создать. Помимо «Автопортрета», Сезанн также написал «Автопортрет в войлочной шляпе» в 1894 году, и обе работы демонстрируют типичный стиль, который он использовал для автопортрета.
В этих двух работах Сезанн смотрит на зрителей сбоку, и только три четверти его лица показаны. Пустой фон и холодные тона изображены в обеих работах, что, как считалось, должно было привлечь внимание зрителя к выражению лица художника.
Как видно из двух автопортретов, Сезанн писал с большой интенсивностью и умом. Хотя его стиль очень похож на упомянутые портреты, они изображают большую структуру, которая обосновывает его работу и фокусирует внимание зрителя на его фигуре в центре.
Поль Гоген (1848-1903)
Создав более 40 автопортретов, «Автопортрет с ореолом и змеей» Поля Гогена остается его самым известным произведением авангардного искусства. Написанная в 1889 году, эта работа передает типично яркую цветовую палитру Гогена, а также тонкие религиозные темы, которые придают произведению абсурдный характер. Сегодня этот автопортрет хранится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Автопортрет с ореолом и змеей (1889) Поля Гогена; Поль Гоген, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Гоген изображен держащим змею на красном фоне, рядом с ним висят яблоки, а над его головой — нимб. Он частично заслонен тем, что кажется растениями или цветами на переднем плане картины, а его голова, которая как бы парит между неструктурированными зонами красного и желтого цветов, кажется оторванной от его руки. Изображенные черты лица были уподоблены недоброжелательной карикатуре на Гогена, что усиливает ощущение неуверенности при просмотре работы.
Религиозные образы, которые подразумеваются в этом произведении, остаются неопределенными, поскольку было высказано предположение, что Гоген может быть представителем как Христа, так и Сатаны. Включение яблок и змей отсылает к библейской истории об Адаме и Еве, однако есть предположение, что Гоген не называет себя Христом. Скорее можно сказать, что он признает талант, которым обладает, и создал эту работу как способ бросить вызов своим коллегам.
Винсент Ван Гог (1853-1890)
Известный как один из самых известных художников-автопортретистов 19 века, Винсент Ван Гог собрал впечатляющую коллекцию из около 30 автопортретов за четыре года. Несмотря на множество известных автопортретов, его самой знаковой работой является «Автопортрет с забинтованным ухом», написанный в 1889 году. На этой работе изображен печально известный случай, когда Ван Гог отрезал себе ухо из-за ухудшения эмоционального и физического здоровья, а на его раненом ухе изображена повязка.
Автопортрет с забинтованным ухом (1889), Винсент Ван Гог; Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
После написания «Автопортрета с забинтованным ухом» Ван Гог создал еще только две работы, на которых изобразил свою травму, а после 1889 года полностью прекратил писать новые автопортреты. Это известное произведение измученного художника можно увидеть в галерее Курто в Лондоне.
До своих более известных автопортретов Ван Гог писал в основном пейзажи и интерьеры. К 1886 году он начал больше склоняться к работам художников-автопортретистов и выразил желание отточить свое мастерство в этом жанре. Однако в то время Ван Гог был бедствующим художником, поэтому не мог позволить себе нанимать моделей, чтобы они сидели за него. Он решил, что начнет рисовать сам, чтобы усовершенствовать свой стиль живописи.
Он считал, что если ему удастся точно передать свои рыжие волосы, что, по его мнению, было непростой задачей, то он овладеет необходимыми навыками. Таким образом, на его автопортретах были изображены ритмичные мазки кистью и вихри в волосах, которые характеризовали его стиль.
Хотя автопортрет, изображающий его травму, возможно, является самым известным, два других его автопортрета не менее знамениты. Автопортрет, написанный в 1889 году, является одной из поздних работ Ван Гога, а использованные стиль и цветовая палитра отражают его эмоциональное состояние в то время. Автопортрет был написан вскоре после того, как он покинул приют Сен-Реми в том же году, и изображает человека, воюющего со своими внутренними демонами. Говорят, что это произведение является одним из самых напряженных автопортретов в истории искусства.
Вторая работа, «Портрет художника без бороды», также написанная в 1889 году, считается последним портретом, который Ван Гог написал сам. Это один из его самых уникальных автопортретов, поскольку это единственное произведение искусства, где у него нет его культовой бороды. Это также один из самых дорогих автопортретов, когда-либо выставленных на аукцион, проданный в 1998 году за 71,5 миллиона долларов.
Пабло Пикассо (1881-1973)
Сравнивая множество автопортретов Пабло Пикассо, можно заметить, что его постоянно меняющийся стиль лучше всего прослеживается в этих произведениях искусства. Его автопортреты варьируются от нарисованных, рисованных и скульптурных, и охватывают весь период его карьеры. Его «Автопортрет», написанный в 1907 году, знаменито демонстрирует его художественный переход от примитивизма к кубизму, который стал самым известным периодом его творчества. В этом портрете черты лица Пикассо приобретают угловатый и геометрический вид, что в дальнейшем повлияло на его последующие работы. В настоящее время «Автопортрет» хранится в Народной галерее в Праге.
Фотография Пабло Пикассо; Аргентина. Revista Vea y Lea, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Пикассо наиболее известен своими большими экспериментами и изобретениями, которые можно увидеть во всех его работах, особенно в автопортретах. В возрасте 15 лет его портреты приобрели более романтизированный стиль, который в итоге превратился в более фрагментарный стиль к 90 годам. К 1901 году, в начале «голубого периода», творчество Пикассо действительно расцвело, поскольку его стиль изменился.
Однако после 1907 года сохранилось мало его автопортретов, за исключением нескольких изображений, нарисованных мелком и карандашом в 1972 году. Из всех этих рисунков 1972 года его «Автопортрет перед лицом смерти» является самым знаковым. Пикассо изобразил себя изможденным и обнаженным, с большими глазами, обращенными на смерть. Этот автопортрет был закончен менее чем за год до его смерти и изображает человека, который одновременно напуган и мужественен.
Самый дорогой портрет Пикассо назывался «Автопортрет Йо Пикассо» и был написан в 1901 году, когда ему было всего 19 лет. Он был частью серии из трех автопортретов и изображал Пикассо с чувством гордости и убежденности. В 1989 году это произведение искусства было продано на аукционе за 47,9 миллиона долларов и стало одной из самых непомерно дорогих картин, когда-либо проданных.
Тамара де Лемпика (1898-1980)
Прозванная баронессой с кистью, Тамара де Лемпицка представляла современную женщину Ревущих двадцатых. Ее техника живописи стала частью экспериментальных движений неокубизма, ар-деко и футуризма. В 1929 году де Лемпика создала свой самый известный автопортрет под названием «Тамара в зеленом Bugatti», который является одним из самых известных женских автопортретов в истории. Ее работа была создана по заказу немецкого журнала мод «Die Dame» в честь независимости женщин и является одним из самых известных примеров портретной живописи в стиле ар-деко.
Тамара в зеленом Bugatti была создана в типичном стиле ар-деко и изображает де Лемпика как независимую и сексуально раскрепощенную женщину. Она высокомерно смотрит на зрителя из салона своего автомобиля, ее шарф развевается на ветру. В гоночном автомобиле де Лемпика изображена как воплощение красоты, поскольку богатство и недоступность, присущие ее одежде и автомобилю, автоматически повышают ее статус.
Автомобиль является дополнительным символом ее свободы, так как в 1920-е годы женщины за рулем не были обычным явлением. Он также сигнализирует о современном футуристическом движении, поскольку все, что было быстрым и ассоциировалось с современным миром, высоко ценилось.
М.К. Эшер (1898-1972)
Известный своими гравюрами с причудливой оптикой, Мауриц Корнелис Эшер был графическим дизайнером, который добавил сферы в большинство своих работ. Его автопортрет 1935 года под названием «Рука с отражающей сферой» является одной из его самых узнаваемых работ, но он совершенно отличается от других автопортретов в этом списке. Это связано с тем, что он написал свой портрет, глядя в отражающую сферу, так что зрители получают зеркальное отражение Эшера и могут видеть его фон. Эшер был заинтересован в поиске необычных точек обзора для картин, которые он описывал как «мысленные образы».
Фотография М. К. Эшера; Фотограф: Ганс Петерс (ANEFO), CC0, via Wikimedia Commons
Эшер изучал графику в Школе архитектуры и декоративных художников, где он начал использовать геометрические сетки в своих проектах. На основании своих работ он также известен как отец современных тесселяций. В своем автопортрете Эшер воплотил свою любовь к сферам и геометрическим объектам, чтобы создать это уникальное произведение искусства. Самое интересное в его автопортрете то, что зрители могут видеть как самого художника, так и его окружение. Позади него видны различные предметы мебели, а стены покрыты фотографиями в рамках.
Автопортреты в отражающих и изогнутых поверхностях были обычной чертой работ Эшера. Однако необычность «Руки с отражающей сферой» заключается в том, что он изобразил и свою руку. В этом произведении Эшер меньше озабочен изображением своего образа, вместо этого он предпочитает сосредоточиться на том, как пространство искажено сферой.
Фрида Кало (1907-1954)
Пожалуй, одной из самых известных художниц-автопортретисток является Фрида Кало, чьи культовые автопортреты вписали ее лицо в историю искусства. Фирменные черты лица Кало, такие как выдающаяся черная бровь, небольшие усы, яркие губы и щеки, были изображены на всех ее автопортретах, превратив ее лицо в символ культурного самосознания. Она начала писать автопортреты, когда была еще подростком, и создала более 50 автопортретов на протяжении всей своей карьеры.
Кало часто рисовала себя среди животных и тропических растений, которые были родными для ее страны, и существовала как защитник коренных культур Мексики, представляя себя смелым, но несчастным художником на всех своих автопортретах.
Одним из самых заметных и узнаваемых ее произведений является автопортрет под названием «Две Фриды», написанный в 1939 году, на котором изображены две версии Кало, сидящие бок о бок. Считается, что эта работа символизирует ее муки во время развода с Диего Риверой и искусно демонстрирует ее меняющуюся личность. Фрида слева, одетая в белое платье, была ею до замужества, в то время как Фрида справа — это Фрида, когда она начала принимать свое традиционное мексиканское наследие. Кроме того, кровоточащее сердце отсылает к эмоциональной и физической боли, которую она изображала в большинстве своих работ.
Фотография Фриды Кало; Гильермо Кальо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Возможно, наиболее ценным ее произведением является «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри», написанный в 1940 году, где она изобразила различные эмблемы и идеи, которые преобладали в ее портфолио. В этой картине маслом Кало включает изображения дикой природы и листвы, перемежающиеся с изображением ее концепции страдания. Эта работа находится в Техасском университете и является частью коллекции Николаса Мурая.
Мексиканская художница часто изображала концепцию боли и страдания в своих автопортретах, чтобы передать хроническую боль, которую она испытывала в результате почти смертельной аварии на автобусе, когда ей было 18 лет. Другой автопортрет, названный «Сломанная колонна» и написанный в 1944 году, выражает муки, которые она испытывала после операции на позвоночнике из-за проблем, с которыми она столкнулась. Металлические гвозди пронзают плачущую Кало, а колонна внутри нее отсылает к железным перилам, которые пронзили ее много лет назад. Во всех ее автопортретах доминирующая тема страдания становится очевидной.
Лоис Мейлоу Джонс (1905-1998)
Лоис Мейлоу Джонс завоевала свою репутацию в 1930-1940-х годах, живя в Париже, и стала одной из самых значительных художниц, добившихся большой известности как чернокожая художница-эмигрантка. Ее творчество сосредоточено на включении влияния Африки и Карибского бассейна, что можно увидеть в ярком выборе цветов и ритмичных формах.
Ее «Автопортрет», написанный в 1940 году, точно демонстрирует ее стилистические влияния, однако впервые она посетит Африку только в 1970 году. В своем портрете Джонс связывает свою идентичность с традиционной африканской культурой через ритмичные каденции и выбранные яркие цвета.
Что делает ее картины такими интересными, так это то, что она обычно включает в них другие произведения искусства. В ее «Автопортрете» на заднем плане видны скульптурные фигуры. Исходя из ее стилистических влияний, считается, что эти фигуры символизируют ее африканские корни.
Лоис Мейлоу Джонс позирует перед одним из своих портретов; Библиотека Шлезингера, RIAS, Гарвардский университет, без ограничений, через Wikimedia Commons
Сальвадор Дали (1904-1989)
Когда речь заходила об автопортретах, художник-сюрреалист Сальвадор Дали использовал эксцентричный подход к изображению себя в своих работах. Возможно, один из его менее традиционных портретов, «Мягкий автопортрет с жареным беконом», написанный в 1941 году, демонстрирует карикатуру на художника. Лицо в этом произведении представлено бюстом, стоящим на цоколе, и, кажется, воплощает идею трофея. На цоколе написано название работы, а рядом с маской лежит один кусок жареного бекона. Автопортрет Дали выставлен в Каталонском театре-музее Дали.
Фотография Сальвадора Дали; Роджер Хиггинс, штатный фотограф World Telegram, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На первый взгляд, это органичное и неоднозначное изображение человеческого лица может легко напомнить любого сюрреалистического художника. Однако при ближайшем рассмотрении можно заметить знаковые вздернутые усы Дали, что подтверждает, что эта бесструктурная форма действительно является автопортретом художника. Части лица, напоминающие маску, опираются на костыли, причем Дали удалось мастерски создать иллюзию ликвидности своей работы: маска как бы тает и сползает с цоколя.
Как и в большинстве его работ, символизм можно почерпнуть из различных предметов, которые он решил включить в свои картины. Хотя существует множество объяснений, почему он решил изобразить себя именно таким образом в «Мягком автопортрете с жареным беконом», можно сказать, что это произведение искусства остается таким же загадочным и пленительным, как и сам Дали.
Синди Шерман (1954 — настоящее время)
Другая форма автопортрета художника также может быть запечатлена с помощью фотографии, как это сделала Синди Шерман. Однако, хотя на всех ее фотографиях она изображена одетой, ее работы не считаются настоящими автопортретами в техническом смысле. Вместо этого Шерман использует свое тело как холст, чтобы оживить множество различных персонажей в своих фотографиях, играя в своих работах и художника, и объект. Что делает ее серию автопортретов такой интересной, так это то, что чем больше мы ее видим, тем меньше мы ее узнаем. Работы Шерман побуждают зрителей к самоанализу, поскольку ее различные маскировки комментируют идею о том, что гендер — это изменчивая и полностью сконструированная позиция в обществе.
Из работ, созданных в 1981 году, одной из самых известных является «Без названия № 96», на которой Шерман изображена в образе девочки-подростка с короткими светлыми волосами, в оранжевом топе и короткой юбке. На этой фотографии Шерман лежит на линолеумном полу и сжимает в руках обрывок газеты. Повернув камеру на себя, Шерман напрямую обращается к вопросу хрупкости и ее ассоциации с женщиной. Таким образом, выбор оранжевого оттенка был умным ходом с ее стороны, поскольку с помощью этого цвета ей удается избежать ловушек женоненавистнического феминизма. В 2011 году репродукция этой работы была продана на аукционе за 3,89 миллиона долларов, что делает ее одной из самых дорогих фотографий, когда-либо проданных.
Шерман продолжает играть роль гибрида художника, модели и актрисы, и фотографии, которые она делает сегодня, по-прежнему демонстрируют ее различных персонажей в автопортретной обстановке. Главный принцип ее творческой практики заключается в том, что она никогда по-настоящему не фотографирует себя, а если и фотографирует, то с помощью цифровых технологий и до неузнаваемости. Считается, что ее стилистический выбор — скрывать и изменять свое лицо — можно рассматривать как комментарий к фильтрам, которые в последние несколько лет заполонили социальные медиа-платформы, такие как Instagram.
Энди Уорхол (1928-1987)
Видный представитель движения поп-арта, Энди Уорхол наиболее известен своими многоцветными, повторяющимися шелкографическими портретами. Однако он также создавал различные автопортреты в этом стиле. Подобно Синди Шерман, автопортреты Уорхола сосредоточены вокруг идеи «я» как искусственной конструкции.
Фотография Энди Уорхола; Джек Митчелл, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Одним из самых известных автопортретов, созданных в его культовом стиле, является «Автопортрет» 1966 года, на котором изображена сетка из девяти изображений Уорхола в его фирменных первичных и вторичных цветах. Этот автопортрет уподобил Уорхола многочисленным знаменитостям, которых он воспроизводил в своих шелкографических работах. Однако его автопортрет более туманен, чем другие его работы, поскольку черты лица частично скрыты и подавлены цветом и тенью. Сейчас этот портрет принадлежит нью-йоркскому Музею современного искусства.
Говорят, что Уорхол создавал свои автопортреты как напоминание самому себе о том, что он еще жив. На последнем автопортрете, созданном в 1986 году под названием «Шесть автопортретов», Уорхол изображен невероятно естественным, без каких-либо костюмов или изменений. Его ярко освещенная голова была противопоставлена черному фону, что создавало пугающее настроение в его работах. Считается, что эта серия автопортретов предвещала смерть Уорхола в 1987 году, так как он, казалось, остро осознавал свою скорую кончину. Его красно-черный «Автопортрет», также созданный в 1986 году, был продан за 27,5 миллионов долларов.
Хотя существует множество других великих автопортретов, 20 художников и их работы, перечисленные здесь, представляют собой одни из самых знаковых и известных портретных работ всех времен. Однако художники часто создавали не один автопортрет на протяжении своей карьеры, поэтому при обсуждении их творчества можно вспомнить несколько значительных произведений. Как и любое искусство, стиль портрета субъективен, и, размышляя об автопортретах, вы можете обнаружить, что вас привлекают менее известные работы.
